Bravo sonero, músico polifacético y productor que ha trabajado con Spanish Harlem Orchestrra y "Los Soneros del Barrio", entre otras orquestas y ha tenido una impresionante carrera en solitario. Fierce sonero, multifaceted musician and producer who has worked with “Spanish Harlem Orquestra” y “Los Soneros del Barrio”, among other bands and has had his own impressive solo career.
Destacado sonero que ha participado, entre otras, con Orquesta de Tito Puente, Orquesta de Charlie Palmieri, Orquesta de Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez y su propia orquesta. Featured sonero who participated, among others, with Orquesta Tito Puente, Orquesta Charlie Palmieri, Orquesta Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez and his own orchestra.
Guitarista, vocalista, fundador de La Sonora Ponceña y padre del pianista de renombre, Papo Lucca Guitarist, vocalist, founder of La Sonora Ponceña and father of renowned pianist, Papo Lucca
Sonero virtuoso que se inicia con “El Conjunto Club”, “La Sonora Matancera”, “Orquesta de Orlando Marín”, “La Fania All Stars” y “La Borincuba” entre otras orquestas. Virtuoso improvisational singer who starts off with "El Conjunto Club", "La Sonora Matancera", "Orquesta de Orlando Marín", "La Fania All Stars" and "La Borincuba" among other orchestras.
Legendario sonero, compositor y director de su propia orquesta, Machito y sus Afro Cubans; pioneros genuinos del fundamento del movimiento salsero mundial. Legendary sonero, composer and conductor of his own orchestra, Machito y sus Afro Cubans; genuine pioneers of the foundation of the world salsa movement.
Bravo percusionista y uno de los congueros del mundo más respetados durante la época dorada de la salsa, quien colaboró con muchas estrellas de gran magnitud, como Tito Rodríguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, la Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri y Charlie Palmieri, entre muchos Otros. Tal vez el conjunto con el que más se asocia Frankie es la renombrada Orquesta de Larry Harlow A fierce percussionist and one of the world's most respected conga drummers during the golden age of salsa, who collaborated with many stars of great magnitude, such as Tito Rodriguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, the Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri and Charlie Palmieri, among many otros. Perhaps the ensemble that Frankie is most often associated with is the renowned Larry Harlow Orchestra
Sonera-cantante, percusionista y actriz que se ha destacado en presentaciones al lado de las orquestas de Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres y Julio “Gunda” Merded. Fue bautizada La Reina del Sabor por Tito Puente. Sonera-singer, percussionist and actrice who has excelled in presentations alongside the orchestras of Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres and Julio "Gunda" Merded. She was called La Reina del Sabor by Tito Puente.
Productor veterano de los dos primeros álbumes ganadores de Grammy Latino: el de Eddie Palmieri con la voz de Ubaldo "Lalo" Rodriguez, "El Sol de la Música Latina" y el álbum "Unfinished Masterpiece" Veteran producer of the first two Latin Grammy winning albums: Eddie Palmier with the vocals of Ubaldo "Lalo" Rodrïguez, "El Sol de la Música Latina" and the album "Unfinished Masterpiece"
Bravo y exquisito sonero y bolerista que se inicia con la “Orquesta de Frank Madera”, “Orquesta de William Manzano”, “Orquesta de Miguelito Miranda”, “Orquesta Tropicana”, “Orquesta de Jorge López” para luego revitalizar su carrera al lado de “La Orquesta de Tito Puente” y “La Fania All Stars” Fierce and exquisite sonero and bolero singer that begins with "Orquesta de Frank Madera", "Orquesta de William Manzano", "Orquesta de Miguelito Miranda", "Orquesta Tropicana", "Orquesta de Jorge Lopez" and then revives his career beside "La Orquesta de Tito Puente"and" the Fania All Stars"
Exiliada cubana cuyas canciones apasionadas rezumaban nostalgia de la belleza natural de su tierra natal, así obteniendo el título de la "Reina de la Salsa". El 21 de octubre del año 1925, nace Úrsula Hilaria Celia Caridad Cruz Alfonso "Celia Cruz", "La Gracia Divina", "La Reina de l Salsa", La Guarachera del Mundo" (1925 - 2003) cantante-sonera de La Sonora Matancera, Orquesta Tito Puente, Estrellas de La Fania, Orquesta de Johnny Pacheco, y una gran solista.
Celia Cruz fue una de los vocalistas más respetados de la música latina. Diez veces nominada al Premio Grammy, Celia cantaba solamente en español, su lengua natal, y recibió un premio Smithsonian Lifetime Achievement, un premio National Medal of the Arts, y doctorados honoríficos de la Yale University y la University of Miami. La popularidad de Celia fue tan grandes que hasta rebautizaron una calle en Miami con su nombre, y un vestido que usaba a menudo, de lunares naranjos, rojos y blancos y los zapatos de Celia se han colocado en la colección permanente del Smithsonian institute of Technology. El Hollywood Wax Museum, cuenta con una estatua de Celia. A Celia le atrajo la müsica desde muy temprana edad y se ha reportado que su primer par de zapatos fue un regalo de un turista a quien le había cantado. Además de pasar muchas noches poniéndoles a dormir a sus hermanos menores con su canto, Celia cantó en producciones escolares y en reuniones de la comunidad. La tía de Celia la llevaba a los cabarets y a los clubes nocturnos y fue así que se le expuso al mundo de la música profesional. Con el aliento de un primo, Celia comenzó a ganar concursos de talento locales. Aunque su padre intentó guiarla hacia una carrera de profesora, Celia siguió siendo atraída por la música de todas maneras. En una entrevista de 1997, dijo Celia: "He cumplido el deseo de mi padre de que yo sea maestra, ya que a través de mi música, les enseño a generaciones de gente mi cultura y la felicidad que se puede encontrar con simplemente vivir la vida. Como artista, quiero que la gente sienta el corazón cantar y el espíritu volar". En 1947, al inscribirse en el Conservatorio de Música de Cuba, Celia encontró su inspiración más temprana en el canto de la vocalista afrocubana Paulina Alvarez y en 1950 le llegó su primera oportunidad cuando fue invitada a unirse a la orquesta de la Sonora Matancera, y resultó que se quedaría con esta orquesta por 15 años, durante los cuales viajaría por todo el mundo. En 1960, cuando Fidel Castro asumió el control de Cuba, Celia y su novio de entonces, Pedro Knight, trompetista de la Sonora Matancera, se negaron a regresar a su patria y los dos se convirtieron en ciudadanos de los Estados Unidos. Celia se casó con Pedro el 14 de julio de 1962. A pesar de que inicialmente firmaron un contrato para hacer presentaciones con la orquesta del Hollywood Palladium, la pareja finalmente se radicó en Nueva York. En 1965, Pedro se convirtió en el gerente de Celia, cargo que mantendría hasta mediados de los 90 cuando optaría dedicar su atención a servirle a Celia como su director musical personal y el director de su orquesta. También en 1965, al salir de la Sonora Matancera, Celia inició su carrera en solitario con una orquesta formada especialmente para ella por Tito Puente. A pesar de lanzar ocho álbumes, la colaboración no pudo alcanzar el éxito comercial. Sin embargo, en 1987, Celia y Tito reanudaron su colaboración con una presentación especial en la ceremonia de los Premios Grammy, Después, contratada por el sello Vaya, etiqueta hermana de la Fania, Celia grabó con Oscar D'León, Cheo Feliciano, y Héctor Rodríguez a mediados y a finales de los '60, pero el primer gran éxito de Cruz desde que salió de la Sonora Matancera no le llegó hasta el 1974, cuando grabó el disco, Celia & Johnny, con Johnny Pacheco, director y co propietario de la Fania. Por consecuencia, comenzó a hacer presentaciones con la Fania All Stars. En 1992, la popularidad de Celia alcanzó su nivel más alto cuando apareció en la película The Mambo Kings. En 1998, Celia lanzó Duetos, un álbum que presentó el canto especial de Celia con varios artistas de renombre como Willie Colón, Angela Carrasco, Oscar D'León, José Alberto "El Canario", y la India. Celia siguió grabando y haciendo presentaciones hasta que quedó marginada por un tumor cerebral en 2002. Mientras se recuperaba de la cirugía para extirpar el tumor, se las arregló para acudir al estudio a principios de 2003 para grabar su último álbum, Regalo de Alma. La cirugía solo fue un éxito parcial y lamentablemente, falleció el 16 de julio de 2003. El fallecimiento de la "Reina de la Salsa" dejó un gran vacío en la música latina, pero también un catálogo impresionante que documenta su reinado. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com Baterista / percusionista quien en 1957 emirgró a la Ciudad de Nueva York desde Matanzas, Cuba, donde la música africana era una tradición. (Drummer / percussionist, Francisco Aguabella, (1935 - 2010), who in 1957 emigrated to New York City from his native Matanzas, Cuba, where African music was a tradition.)
Ismael Rivera fue bendecido con una voz gloriosamente ronca y fue apodado "El Sonero Mayor". El 5 de octubre del año 1931, nace Ismael Rivera "Maelo", "Sonero Mayor", El Brujo De Borinque" (1931 - 1987), en San Mateo de Cangrejos, Santurce, Puerto Rico. Sonero de Cortijo y su Combo, Kako y su Trabuco y su propia orquesta, Los Cachimbos.
Todo comenzó en la misma calle donde nació y se crió Maelo: Calle Calma. Allí fue inculcado con los sonidos y ritmos de Puerto Rico: la bomba y la plena. A temprana edad, fue expuesto a las influencias que lo pusieron en su destino musical. En primer lugar, su madre, Margarita, le dio un amor por el canto. Y a continuación, su amigo de la infancia, Rafael Cortijo le proporcionó el impulso y afán, así como un plataforma musical más estructurado para que pudiera dar rienda suelta a su único estilo vocal. La relación entre los dos llevaría el sonido de la Calle Calma, y luego, la de Puerto Rico, para todo el mundo, inmortalizando sus nombres y su música en la evolución de la música latina y de la salsa. En 1954, Ismael Rivera y Cortijo grabaron su primer éxito, "El Bombón de Elena". Con Rivera como cantante, Cortijo y su Combo conquistó de forma arrolladora a todo el Caribe. A comienzos de la próxima década, viajaron a Nueva York por primera vez y no tardó mucho hasta que Cortijo y Rivera solidificaran su posición en la creciente escena musical latina de Manhattan. Su popularidad se debió en gran medida a su sonido rítmico y la capacidad de la banda para tocar muy buena música y a la vez entretener al público con sus rutinas de baile coreografiadas. Sin embargo, el elemento único que separó a Cortijo y su Combo de todas las otras bandas de canto y de baile latino era la voz de Rivera. Un ingrediente clave para la bomba y la plena de Puerto Rico es la voz, y la voz de Maelo es el aspecto más definitorio de la música de la banda. Con una voz retumbante, precisamente rítmica, pero igualmente espontánea, Ismael Rivera era un maestro del son cubano. Obtuvo el título de "El Sonero Mayor" de nada menos que del legendario cantante cubano, Beny Moré. El título no sólo hizo hincapié en el gran talento de Maelo, pero también demostró cómo la música latina en esa época empezaba a mezclar todas las tradiciones musicales distintivas de las Américas en un solo sonido: que llegaría a llamarse salsa. Ismael Rivera encarnaba una mezcla de la bomba y la plena tradicionales puertorriqueñas con el estilo de canto son cubano. Sin embargo, después de su exitoso viaje a los EE.UU., Cortijo perdió a su "voz" cuando en 1962 Rivera comenzó una pena de prisión de cinco años por cargos de narcotráfico. Después, Maelo cantó sobre su experiencia en un tema titulado "Las Tumbas", el nombre que le dio la prisión de Kentucky que tenía varios pisos bajo tierra. Después de servir cuatro años en prisión, Rivera estaba ansioso por volver a cantar con Cortijo, pero los clubes no reservaron fechas para el músico latino cuyo pasado no podían perdonar. Cortijo y Rivera se encontraron en una escena musical latina cambiada que les obligaría a ir por caminos separados. Sin embargo, "El Sonero Mayor", iría a grabar unos de sus mejores trabajos con su propia banda, la Cachimbos, mejor que nunca mostrando su talento inigualable. En la década de los 1970, fue considerado como una leyenda de la época, y ayudó a comenzar a una serie de músicos jóvenes en la escena de la salsa de Nueva York, incluyendo a Ismael Miranda y a Rubén Blades. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com El 30 de septiembre del año 1924, nace Víctor Manuel Avilés Rojas “Vitin Avilés” (1924 - 2004) en Mayagüez, Puerto Rico. Destacado sonero de bandas como la “Orquesta de Noro Morales”, “Orquesta La Duboney” de Charlie Palmieri, también estuvo con “La Orquesta de Xavier Cugat”.
La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana , colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista . Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat !” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue. Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional. Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como « Mojiquita », remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica . En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey , dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona , del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944. En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm ) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos. En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys , Machito & His Afrocubans , las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera , Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat. Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York . Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor , así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri . Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero ) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado. A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain , le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino . A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm . Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi -hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés. Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York , Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “ Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” ( Velvet , GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo , éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos. Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr . (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco . Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar. El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero. de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com Una luz líder de movimiento de la salsa de Nueva York, Héctor Lavoe fue un icono del orgullo boricua. El 30 de septiembre del año 1946, nace Héctor Juan Pérez Martínez “Héctor Lavoe”, “El Cantante de los Cantantes” (1946 - 1993) en Barrio San Antonio de Ponce, Puerto Rico el 30 Septiembre del año 1946). Emblemático sonero de “La Orquesta de Willy Colon”, “La Fania All Stars” y su propia orquesta. Leyenda e icono de la salsa mundial y auténtica referencia del bravo soneo y la irreverencia salsera.
¡Héctor Lavoe nació para cantar! Mientras evolucionaba la música latina del boogaloo de finales de los años 60 hasta el ápice de la salsa de los años 70, Lavoe estaba en su vanguardia y "El Cantante" de muchas de sus canciones más representativas. Recibió la influencia de los cantantes latinos que escuchaba en la radio, tales como Daniel Santos y Chuito el de Bayamón, sólo por nombrar un par. A medida que llegaba a ser más metido en la música, sacó su inspiración del gran sonero de Puerto Rico, Ismael Rivera, y así como de Cheo Feliciano. Estas influencias son evidentes en la forma de cantar de Lavoe, ya que atacaba el son y el montuno igual que los maestros Ismael Rivera y Beny Moré, por ejemplo, pero fue su talento natural para la improvisación que lo hizo único y muy popular entre los fanáticos de la salsa. A los 17 años de edad, Lavoe decidió dejar la escuela de música en Ponce y puso su mirada en una carrera como cantante en la ciudad de Nueva York. Para el 1966, se encontró al frente de orquesta de Willie Colón. Juntos, Lavoe y Colón formaron una sociedad que pasaría a abarcar 14 álbumes, casi todos los cuales son gemas en el mundo de la música latina. En 1973, Colón dejó a Lavoe a cargo de su orquesta, de esta manera empujando a Lavoe hacia una carrera en solitario. Sin Colón, los esfuerzos individuales de Lavoe sólo volvieron a confirmar su habilidad para el canto y su ascenso inevitable al estrellato. Las presiones de ser una gran estrella de la salsa eran aparentemente demasiado para Lavoe. Tuvo muchas dificultades tratando de bregar con lo que acompañaba sus éxitos y sufrió muchos percances y una serie de reveses personales a lo largo de su trayectoria musical. Sin embargo, los fanáticos de Lavoe nunca se volvieron en su contra y Lavoe siempre volvió a cantar En 1987, su álbum final, Strikes Back, fue nominado para un Grammy. Con todos los excesos, la fama, la fortuna y la tragedia, la vida de Lavoe ha pasado a simbolizar la era de la salsa de los años 70. Junto con Colón, Lavoe ayudó a dar forma al sonido de la salsa de los años 70. Como artista en solitario, en gran medida definió este sonido. Como uno de los cantantes principales de la Fania All-Stars, Lavoe fue una estrella entre las estrellas. Es decir, fue "El Cantante de los Cantantes". https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com El 29 de septiembre del año 1941, nace Ralph Mercado, Jr. “El Papa de los Salseros” (1941 - 2009) en Nueva York de padres Dominicanos. Destacado empresario y productor de la salsa, del jazz latino, del rock en español y del merengue. Dueño del sello RMM Records (Ritmo Mundo Musical), una red de negocios que incluía la promoción de conciertos y la gestión de los artistas y el sello más importante de la industria latina desde finales de la década de los 1980 y a lo largo de la década de los 1990. Sin duda uno de los hombres de mayor injerencia en el mundo de la música latina, responsable del éxito de muchas estrellas.
Mercado comenzó a promover el jazz latino en los clubes de Manhattan, tales como The Village Gate. Estas promociones se ampliaron par incluir conciertos en los principales escenarios con estrellas de la talla de James Brown, quien apareció con presentaciones de artistas latinos como Mongo Santamaría. . En 1972, Se volvió hacia la gestión de los artistas al fundar RMM Management, donde sus clientes incluían a Celia Cruz y a Tito Puente, y Mercado recibió la aclamación como el gerente de salsa más grande de los Estados Unidos para la década de los 1970. Desarrolló nuevos talentos, como La India y Marc Anthony, que presentaron conciertos de salsa en los principales lugares de todo el país, desde el Madison Square Garden hasta el Hollywood Bowl. Mercado comenzó RMM Records en 1987, y tenía más de 130 artistas de todo el espectro de la música latina, representando el merengue, la salsa, el jazz latino y rock latino. Aprovechó del tamaño en expansión y el poder económico de la población latina de la nación y el interés general en la música salsa. Mercado trajo a grupos internacionales de África, Brasil e incluso de Japón. Logró la fama de ser el promotor más exitoso de la música salsa, y comparable al papel de Berry Gordy en la música R & B. En 1991, la revista Billboard lo describió como "el empresario quien llevó la salsa de Nueva York a todo el mundo". en 2001, se vendió RMM Records a Universal Music Group por alrededor de 26 millones de dólares, que incluía su catálogo de música latina de un máximo de 400 grabaciones originales. La venta se produjo después de las dificultades financieras agravadas por la pérdida de una demanda por infracción de derechos de autor, en el que el compositor Glenn Monroig ganó $ 7,700,000 de un jurado federal. Después de la venta de RMM, Ralph Mercado regresó a la promoción de conciertos de salsa. Retuvo el control de tres empresas de edición musical, RMM Filmworks y Ralph Mercado Presents. También poseía, en su totalidad o en parte, los clubes de Manhattan Babalú y Latin Quarter, así como el Conga Room de Los Ángeles. Mercado falleció de cáncer el 10 de marzo del año 2009, a los 67 años, en la Universidad de Hackensack Medical Center. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com El 27 de septiembre del año Eduardo 1948, nace Eduardo Rivera “Eddie Guagua” (1948 - 2014) en Nueva York. Virtuoso bajista de la salsa y el jazz latino. Miembro, entre otras bandas, de “La Orquesta Harlow”, “Batacumbele”, “Orquesta de Charlie Palmieri”.
Eddie Rivera nació de padres puertorriqueños y se crió en Nueva York. Cuando era adolescente en ciernes se unió a la banda de la escuela secundaria donde tocó el trombón y el bombardino. También durante su tiempo libre, formo el Combo Caribe que incluía a muchos músicos jóvenes, pero talentosos, como Ernie Agusto quien más tarde formaría el grupo La Conspiración, Nicky Marrero quien más tarde se unió a Fania All Stars, y Pablito Rosario quien más tarde tocaría con Charlie Palmieri. Después, Eddie se juntó con Wilie Colón y para aquel entonces ya había hecho su transición para convertirse en bajista. Con la orquesta de Willie Colón, hizo su primera grabación, "El Malo" en 1966. A los 17 años, se unió a la orquesta de Charlie Palmieri y tocando con la orquesta de Palmieri le resultó la mejor enseñanza que podía haber conseguido. Eddie dijo una vez que Charlie me enseñó a leer, a tocar y a ser un hombre. También es quien me dio el apodo "Gua Gua". Estábamos en las montañas Catskill y como era mi tutor nos dividimos una habitación de hotel. Yo salía de una ducha cuando me vio y me dijo "¡Te pareces a un autobús que sale de la niebla de Londres! ¡Eso es! Eres, "Gua Gua", Eddie la Gua Gua!" y se me pegó. Se quedó con Palmieri hasta que fue reclutado para las fuerzas armada de EE.UU. en 1968. Era artillero. Un día, mientras se hacía el payaso con su bajo, lo escuchó un reclutador de la banda del ejército. Se le dijo que tendría que hacer una audición en un instrumento de marcha. Llegó a ser miembro de la banda del ejército y el único miembro que había sido reclutado. En vez de ser mandado a Vietnam, realizó una gira por toda Europa tocando para los oficiales. Esto duró dos años. Cuando volvió a EE.UU., trabajó con Pete Bonet y el fallecido Luis Ramírez en Nueva York. Después trabajó con Ray Barretto y Mongo Santamaría, con quienes recorrió todo el mundo, y aprendió bien el jazz. Luego se quedó en Nueva York por un tiempo mientras tocaba con las orquestas de Larry Harlow, Johnny Pacheco y Eddie Palmieri. Decidió probar su suerte con el "rock and roll" y se unió a The Rascals (los del exitazo "Groovin '") y se fue de gira con ellos. De regreso a Nueva York y en la comunidad latina, tocó en muchas grabaciones del sellos legendario, Fania Records, y luego viajó con Gato Barbieri durante tres años. En 1980, se mudó a Puerto Rico para formar la banda Batacumbele. Descubrió a Giovanni Hidalgo, Cachate Maldonado y Eric Figueroa. Trabajaron juntos durante cuatro años prósperos. En 1984, se radicó en Miami y empezó a trabajar localmente con Néstor Torres y Hansel y Raúl. Giovanni Hidalgo lo llamó para grabaciones y para filmar un video instructivo y Larry Halow lo llamó para hacer giras mundiales. Lamentablemente, durante una cirugía exploratoria Eddie tuvo graves complicaciones. Se le dio sangre contaminada durante transfusiones y tuvieron que ponerlo en terapia intensiva y tuvo que soportar la quimioterapia. Antes de su fallecimiento en el 2014, fue ministro musical del FAITH CHRISTIAN CENTER. . https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com El 27 de septiembre del año 1945, nace José Fernando Madrid “Joe Madrid” (1945 - 2005) en Cartagena, Colombia. Destacado pianista, arreglista y director musical que trabajó entre otras con “Orquesta de Mongo Santamaria” y “La Orquesta Sabor” de “El Diferente” Ángel Canales.
Lamentablemente, Joe Madrid no contó en vida con un merecido reconocimiento. Fue pionero del sonido contemporáneo, autor de arreglos para la salsa, el jazz y la música tropical, a los que introdujo variantes revolucionarias, "Siempre quise ser un músico de jazz pero la salsa no me dejaba. En mis solos siempre hay algo de jazz en la salsa". Dejó un legado de una importante obra jazzística y salsera con las más importante agrupaciones y músicos, tales como Tito Puente, Mongo Santamaría, Eddie Palmieri, Ray Barretto, Ángel Canales, Lucho Bermúdez, Pacho Galán, Ramón Ropain, Alex Acosta, Nuncira Machado y Benny Bustillo, Willy Chirino, Justo Almario, Francisco Zumaqué, Andy Harlow y Eddie Martínez, entre otros. Joe se había educado musicalmente en la Banda de la Armada Nacional en Cartagena, Colombia a los 5 años, después de demostrar su destreza con el acordeón. Con su familia radicada en Bogotá se dedicó plenamente al estudio autodidacta del piano y más tarde, con 14 años, entró al Conservatorio de la Universidad Nacional pero salió de él al no llenar sus expectativas para conformar pequeños grupos como “Excéntricos del Twis” y “Los Daro Boys” con quienes hizo varias. En la década de los 60 viajó a México, Estados Unidos y Bahamas, siempre con su trabajo musical, haciendo grabaciones, composicones y arreglos para el jazz y la salsa. En esa época se casó con la polaca Yadi Kayuncosca. Ya en la década de los años 70, fue profesor de música en Dallas, Texas y participó como arreglista para orquestas de jazz, como las de Woody Herman y Stan Kenton. Luego en Nueva York, trabajó con Aretha Franklin y James Brown, y se codeó con lo más graneado de la música. Joe Madrid fue el pianista de la orquesta de Mongo Santamaría en el famoso (por lo fallido) concierto de la Fania All Stars la noche del viernes 24 de agosto de 1973 en el Yankee Stadium de New York, con más de 40 mil fanáticos salseros. En la película “Salsa” que debía tener tomas de la Fania, realmente sale una parte del tema de introducción y “Congo Bongo” y la orquesta de Mongo Santamaría con Joe en el piano y se ve también al “Gran Combo de Puerto Rico” interpretando “Julia” con la voz de Andy Montañez. Así pués que hablar de Joe Madrid, es hablar de la historia misma de la Salsa. Con Santamaría también grabó los discos "Fuego" y "Ubane", donde aparece su famosa “Cumbia Típica”, con Justo Betancourt. A propósito de esta composición, en la página Oficial de Joe Madrid se reseña: No aparece en los créditos, pero se habla de los tamboreros invitados, que pudieron ser Los Gaiteros de San Jacinto. Esta cumbia se fue grabando, sin que Joe se fuera dando cuenta, es decír él iba dando las indicaciones en lo que creía que era un ensayo, y les hablaba no a los tamboreros colombianos, sino a los otros percusionistas del ensamble de Mongo (Steve Berrios, Manny Oquendo, Julito Collazo, que quería tocar el guiro, Greg Harman, Héctor Hernández, Hiram Remon, Leo Vachier) para que perfeccionaran el ritmo de cumbia. Todo, incluso lo que Joe creyó un ensayo se grabó, al final en la mezcla se ubicaron, la melodía de la flauta, el bajo, el brass, y lo último que se hizo fue meter las voces. La "Cumbia Típica" figuró durante 4 semanas en el Nº 1 del Hit Parade de la ciudad de Nueva york.”. Joe une así la cumbia colombiana con el jazz. En un programa de televisión que se presentaba en Colombia en los años 80 llamado “Espectaculares JES”, de Julio E. Sánchez Vanegas, Joe Madrid se presentó con la orquesta de Tito Puente compartiendo un espectacular solo de piano al que Tito Puente respondía emocionado con su timbal. También se presentó en ese mismo escenario con Mongo Santamaría. Antes, en 1972, había grabado con la orquesta de Andy Harlow, junto a grandes estrellas de la salsa como Leopoldo Pineda, Lewis Khan, Ismael Miranda, Pete Conde y Nicky Marrero uno de los grandes éxitos de todos los tiempos: “Lotería” que obtuvo Disco de Oro en ese año. Un año más tarde compartió escenario con otro colombiano en la Orquesta de Mongo Santamaría, el saxofonista Justo Almario, grabando el álbum “Fuego” donde se destaca como intérprete de los sólos de piano en los temas “Bésame”, “Primavera”, y “No pises mis lágrimas”. Esta época dorada de los 70 es para Joe un ir y venir, y es así como en 1974 vuelve a grabar con Andy Harlow el álbum “Música brava” para luego hacer arreglos junto al tercer colombiano de ésta historia: Eddie Martínez en el álbum “Sabor” de Angel Canales y su Grupo Sabor. En dicha compilación se luce en uno de sus mejores sólos en “Sol de mi vida” que fuera un importante éxito salsero en Cali , Colombia. En este disco están, además, “Sabor Los rumberos Nuevos”, “La hiedra” “Perico Macoña”, “Hace tiempo” , ”Lejos de ti” , “No te acostumbré” y “El cantante y la Orquesta”, donde Joe interpreta el piano. Canales había cantado varios temas en la década de los 60 acompañado por el pianista Marcolino Dimond. En 1975 se encontró con el argentino Jorge Dalto y el colombiano Justo Almario en la grabación de “El campesino” donde se compenetró con arreglos para cuatro canciones, tocó el piano y dirigió el bolero " Para Usted " en el que Dalto hace el piano. Ese mismo año trabaja para “Barreto”, otro histórico larga duración de la salsa. Joe colaboró en este trabajo con el arreglo para el "Canto Abacua", donde el vocalista es Rubén Blades. Otros temas del LP son "Guararé", "Vine pa´echar candela", "Eso es amar", "Ban ban quere", "Vale mas un guaguancó"," Testigo fui " y "El presupuesto". En el disco larga duración canta Tito Gómez, quién también fuera voz líder de la Sonora Ponceña, La Terrífica y el Grupo Niche de Colombia. Estos vertiginosos años en New York consolidaron en Madrid un estilo fuerte que le da mucha fuerza al brass. Condición que se denota en diferentes producciones hechas en Colombia entre los años 1976 y 1983, en esta época trabajó con músicos colombianos como Henry Castro, Eduardo Maya , Roberto Pla y Willie Salcedo entre otros. Con el cantante barranquillero Jairo Licazale grabó, para el sello Polydor, piezas que conservan su vigencia en los arreglos, donde se fusionan el folclor del caribe colombiano y el jazz. Alternó su trabajo disquero con los programas de concurso de la televisión colombiana “Compre la Orquesta” y “Caiga en la nota”. Fue profesor de los jóvenes Gilberto Tico Arnedo, flautista y saxofonista; y Saúl Suárez, bajista. En los años 80 trabajó Cartagena, y grabó por esa época el LP “Amigos”, con el flautista puertorriqueño Néstor Torres. Madrid acompañó a Dizzy Guillespie en su presentación en el Teatro Colón de Bogotá; y grabó a cuatro manos con Edie Palmieri el tema “Colombia te canto”, según relata Cristóbal, hermano de Joe. Después pasa a trabajar un largo periodo en bares y clubes de Cartagena , Barranquilla y Bogotá. Otro hecho importante es el arreglo para Ray Coniff, de los temas “La Mucura” y “Josefa Matía”. A finales de los 90, Joe sigue en su labor pedagógica y actúa en diferentes sitios nocturnos con un trío o un cuarteto. Para esta época sus compañeros fueron el baterista Germán Chavarriaga, el bajista Saúl Suárez y el saxofonista y flautista Gilberto Tico Arnedo. En 2001 recibió un homenaje en la quinta versión del Barranquijazz, donde hizo una presentación con su cuarteto, interrumpida por una fuerte afección respiratoria que le impidió terminar el concierto de cierre del festival. En los últimos años realizó cerca de 1.500 presentaciones con su trío. Joe Madrid es resaltado por escritores del jazz y de la salsa como José Arteaga en su libro "Oye cómo va, una historia del jazz latino"; por Isabel Leymarie en su libro "Jazz Latino"; por Fabio Betancourt en el libro "Sin clave y bongó no hay son"; por César Miguel Rondón en "El libro de la salsa", y por la Fundación Cultural Nueva Música en el libro "El jazz latino y su trayectoria histórica". Su ultima presentación fue el viernes 11 de noviembre de 2005 en el Café Gaitán en Bogotá. En la madrugada del 25 de diciembre murió víctima de un enfisema pulmonar. Fue sepultado el mismo día en los Jardines del Recuerdo en Bogotá. "Cuando llegué a Colombia y me di cuenta que no se escuchaba la música salsa, dije ´aquí me quedo`. La música salsa para mi fue algo fabuloso, me permitió conocer grandes personajes musicales en los Estados Unidos y tocar con mucha gente, pero mi corazón, mi meta, estaban en el jazz. Siempre quise ser un músico de jazz y la salsa no me dejaba. En mis solos siempre hay algo de jazz en la salsa. Mis músicos favoritos, mis padres musicales son Oscar Peterson, George Shearing y Bill Evans" https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com El 27 de septiembre del año 1935, nace Joe Quijano Esterás en Puerta de Tierra, Puerto Rico. Excelso percusionista y director de su propia orquesta. Se inicia siendo un adolescente con “Banana Kelly´s Mambo” para luego formar su prestigiosa orquesta.
Quijano, el líder versátil de orquestas latinas, vocalista, percusionista y compositor tenía siete años de edad cuando su familia se estableció en el Bronx, Nueva York. En 1950, mientras que en la escuela cantaba y tocaba las maracas con un grupo de adolescentes organizado por quienes llegarían a ser artistas de renombre, el timbalero Orlando Marín, y el pianista Eddie Palmieri. Más tarde, se añadieron tres trompetas y la banda se convirtió en el Conjunto de Orlando Marín. Marín asumió el liderazgo después de la salida de Palmieri al grupo de Johnny Seguí. Desde aquí, hay conflictos sobre la historia de la siguiente etapa de la banda. Quijano afirma que heredó el equipo cuando Marín fue reclutado por el Ejército de los EE.UU., mientras que Marín sostiene que Joe se fue y fue reemplazado por otro vocalista antes de su período militar. En 1956, Quijano viajó a Cuba, donde vio y conoció a muchos de sus ídolos. Más tarde recordaría: También oí un sonido diferente - el Grupo de Senén Suárez, que comprendía una trompeta y una flauta, como una forma libre... Regresé con una idea para un nuevo sonido para la banda. Trabajé con mi amigo, Charlie Palmieri, y le pregunté si podía hacer arreglos musicales utilizando una combinación de dos trompetas, flauta, y una sección rítmica que tocaría algo como una charanga con los cantantes al unísono. Charlie argumentó que ya que los dos instrumentos se afinan de modos diferentes, habría un choque, pero insistí, y también persistió Charlie, y unos meses más tarde, se le ocurrió la versión instrumental de 'Amor'. Fue entonces cuando nació el sonido del Conjunto Cachana. Había nombrado su banda 'Cachana' por el apodo de su abuelo Les convenció a sus empleadores, distribuidores de discos al por mayor, que financiaran la grabación de un tema con el pianista Héctor Rivera. El éxito del tema le consiguió un contrato discográfico con Spanoramic Records. Dos temas del Conjunto Cachana bajo este sello, A Cataño y Volvi A Catana, fueron grandes éxitos en América Latina. En 1960, Quijano logró obtener un contrato con Columbia Records e hizo tres álbumes con el sello entre 1961 y 1963. La letra de la canción principal del primero, La Pachanga Se Baila Asi, co escrito por Quijano y Charlie Palmieri, se dedicó a acabar con la confusión entre los bailadores con los términos 'pachanga' y 'charanga'. En efecto, según Quijano: Hay un gran debate en las comunidades latinas que si todo el mundo está bailando la pachanga. Se habla de que una charanga es la orquesta que la toca, pero que todo el mundo está bailando la pachanga, que es el baile del momento. Los vocalistas principales de Quijano en este momento fueron Paquito Guzmán y Willie Torres. Más tarde, Guzmán se unió a la orquesta de Tommy Olivencia en Puerto Rico, donde también grabó con los Puerto Rico All Stars y ahora trabaja como artista en solitario. En 1965, Quijano participó en el segundo álbum de descargas de la Alegre All-Stars. También fundó su propio sello, Cesta Records. Dos publicaciones notables con el sello fueron Cesta All-Stars Descarga Workouts Live Jam Session y Salsa Festival, las dos dirigidas por Charlie Palmieri y con Cheo Feliciano, Kako, Louie Ramírez, Willie Rosario, Orlando Marín, y otros. Quijano también tuvo la distinción de ser el primer artista en grabar una composición del gran compositor puertorriqueño Tite Curet Alonso. La canción se titula "Efectivamente", y fue grabada de nuevo por Quijano en el álbum Cositas Sueltas, en 1980. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com Muchos lo consideran uno de los mejores soneros de todos los tiempos ![]() El 10 de septiembre del año 1941, nace Ramón Luís Ramírez Toro “Chamaco Ramírez” (1941 - 1983) en Santurce, Puerto Rico. Bravo y recordado sonero fundador de “La Primerísima de Puerto Rico” del Maestro Tommy Olivencia. También compartió con la Orquesta de “Kako y su Trabuco”. Muchos lo consideran uno de los mejores soneros de todos los tiempos . A los 16 años, mientras todavía cursaba sus estudios académicos, se hizo integrante de la orquesta del trompetista, Tommy Olivencia. Más tarde, Olivencia cambió el nombre de la orquesta a La Primerísima Orquesta de Puerto Rico. Chamaco llevó la voz cantante junto con Paquito Guzmán. Se quedó con La Primerísima desde 1957 hasta 1971, pero regresó más tarde por dos años más, desde 1974 hasta 1976. Entre los éxitos con La Primerísima, constan los temas Trucutú, Planté bandera, Evelio y la rumba, Casimira, Pa'lante otra vez, Doroteo, Homenaje a los calvos, Casabe con longaniza, Este guaguancó, Sabroso, ¿Cómo te cayó?, Guajira y montuno, La china, y La soga. El lector sabrá perdonarme si no he mencionado su tema predilecto, porque me doy cuenta de que hay muchos más también dignos de mención. Después de separarse de La Primerísima, Chamaco se mudó al Bronx, Nueva York y fue entonces que colaboró con Francisco 'Kako' Bastar, los Alegre All Stars, y los Salsa All Stars. Más tarde, se mudó a Los Ángeles, California, pero allí no tuvo mucho éxito y se fue poco antes para San Juan, Puerto Rico, y últimamente de regreso a Nueva York. El único álbum en solitario de Chamaco, Alive and Kicking (Vivito y coleando), se hizo en 1979 y lo considero yo como uno de los más grandes presagios de todos los tiempos. En efecto, siempre que yo vea esa carátula y piense en lo que sucedería cuatro años más tarde, casi me da escalofríos. En la carátula, hay un dibujo de Chamaco sentado en un ataúd con una pierna colgando para afuera. El 27 de marzo del 1983, a eso de las 2:00 de la madrugada, lo encontraron herido de dos balazos, una en la nuca y otra en la mejilla. De camino al hospital, falleció. El caso nunca se resolvió. Actualmente, mi amigo, defensor acérrimo de la música afro latina, y fundador de Agúzate Producciones, Omar Torres-Kortright, está en el proceso de llevar a la gran pantalla la historia de Chamaco Ramírez. Asegúrate de escuchar la entrevista de abajo con Omar, y después de hacer clic en el botón de abajo para visitar su sitio web para ver el avance de la película. Cantante y compositor cubano El 24 de agosto del año 1919, nace Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez “Benny Moré”, “El Bárbaro del Ritmo” (1919 - 1963) en Santa Isabel de Las Lajas, Cuba. Fue uno de los pioneros más destacados del soneo. Tuvo el privilegio de bautizar a Don Ismael Rivera como “El Sonero Mayor”. Extraordinario intérprete del son y pionero de la actual salsa brava quien estuvo con “El Conjunto Cauto”, “Conjunto Matamoros”,“Orquesta de Bebo Valdés”, “La Orquesta Aragón” y su priopia “Banda Gigante”.
En 1935, con 16 años, forma parte del primer grupo musical serio. Se va con su hermano Teodoro a cortar caña a la central Jaronú y conoce a Castellanos y Víctor Landa, que le ayudan a empezar a tocar la guitarra. Al año siguiente, 1936, se traslada a La Habana. Vive de vender frutas y viandas golpeadas o deterioradas y yerbas medicinales. En 1939 Bartolomé enferma de fiebre palúdica. Durante cuatro años vive como puede, tocando y cantando en bares y cafés que lo echaban a la calle para que no molestara a la clientela. A comienzos de los 40, en la emisora CMQ comienza un programa titulado Corte Suprema del Arte, en el que concursa todo tipo de artistas. Los que triunfan son contratados por empresarios sin escrúpulos, que los explotan, otros no tienen tanta suerte y su participación en el concurso es cortada de forma brusca y humillante por medio del toque de una campana. Bartolomé se presenta al concurso, nada más empezar a cantar le tocan la campana. Más adelante volvió a participar en este programa y ganó el primer premio. Su primer trabajo estable fue con el conjunto Cauto, que dirigía Mozo Borgellá. En la emisora CMZ cantó con el sexteto Fígaro, de Lázaro Cordero. En 1944 debuta en la emisora 1010, con un gran éxito, actuando con el septeto Cauto. Por entonces, Siro Rodríguez, del Trío Matamoros, lo escucha cantar en el bar El Temple, causándole una gran impresión. Algo después, el Conjunto Matamoros tienen que cantar en la emisora 1010 pero Miguel Matamoros está afónico y le pide a Mozo Borgellá (director del septeto Cauto), que le preste a uno de sus cantantes. Borguellá envío a Bartolomé, que se quedó con Matamoros, grabando varios discos. El conjunto estaba formado por Miguel, Siro y Rafael (voces), Ramón Dorca (piano), José Macúias y José Quintero (trompetas), Cristóbal Mendive (contrabajo) y Agustín Gutierrez (bongó). Al entrar Bartolomé pasa a ser la voz prima, substituyendo en este cometido a Miguel Matamoros, que se dedica a dirigir el conjunto. Benny Moré fue por primera vez a México el 27 de abril de 1945. Llegaba como cantante principal del Conjunto Matamoros para cantar en una serie de presentaciones en la XEW y los centros nocturnos El Patio y Follies. Al concluir estos compromisos y marcharse Miguel Matamoros a España, decidió quedarse. Don Pancho Aguirre, empresario y dueño del Río Tosa y Montparnasse, le contrató y además le ayudó para que trabajara en el Waikikí. En ese centro lo escucharon los dueños del Ciro's de Tijuana, quienes lo contrataron por un año. Benny Moré se destacó como compositor. En ese apartado recibió el apoyo de Graciela Olmos, La Bandida, que gustaba de componer -ella es autora de La enramada, entre otros éxitos- y rodearse de gente con talento musical. Así, las canciones de Benny se empezaron a conocer entre las mujeres galantes y noctívagos desmadrosos. Curiosamente, la que más le solicitaban era Desdichado, la primera que compuso, cuando tenía 14 años. Las grabaciones se hicieron algo común. Su genio seguía floreciendo. Benny no cesaba de componer, aunque muchas melodías llevadas a los discos habían nacido en los años difíciles de su vida, como la que le dedicara a su pueblo natal, San Isabel de las Lajas, o aquellas otras como Amor fugaz y Dolor y perdón, que le inspiró Margarita Bocanegra, la enfermera y auxiliar del doctor Ortiz Tirado, con quien contrajo matrimonio el 25 de agosto de 1945. Muchas de sus composiciones le brotaban en los momentos y lugares más inesperados, mientras se bañaba o a la hora de comer. "Alcánzame un papel y un lápiz que se me acaba de ocurrir una melodía", le decía a Margarita. Y así surgió Bonito y sabroso. Analfabeto musical, Benny era capaz de dictar a sus arreglistas lo que imaginaba, con fabuloso sentido de la armonía, los timbres, la rítmica. Y la voz, densa pero lírica, alegre o melancólica, sensual y violenta. En su terruño asimiló la música religiosa de los congos, la rumba negra y la trova tradicional. Era poco menos que imposible bailar con la música del Benny sin caer en la tentación de observar al mismo tiempo lo que hacía sobre el escenario. El uso de ciertas vestimentas en ocasiones lindantes con lo estrafalario, contribuía también a realzar sus actuaciones. Y es que el factor escénico, tal como lo empleaba Benny Moré, fue consustancial a su arte, aun cuando su singularidad de creador musical jamás dependió de extravagancias ni de elementos extramusicales para ponerse de realce. En La Habana se hizo maestro del género dominante, el bolero. Durante su estancia en México quedó deslumbrado con las grandes orquestas, de ahí su interés por participar con las mejores. Gana montones de dinero pero así mismo lo derrocha en francachelas de juego, licor y mujeres. Una de esas noches se sentó a la mesa de juego con Memo Salamanca "Pistachito" a las seis de la tarde del lunes y solo soltaron las fichas el miércoles a las ocho de la mañana. Estos excesos de licor, tabaco y peripecias de alcoba sumados al trabajo y las noches sin dormir terminaron de minar su salud ya resentida por las privaciones de la pobreza que sufrió de niño y adolescente. Viajó a Estados Unidos como cantante de la Orquesta de Luis Arcaraz, considerada como una de las mejores del mundo, con la que actuó en una ceremonia para los asistentes a la entrega del precioso Oscar del cine, en Los Angeles. Su estancia en México por alrededor de 15 años, con sus obligadas visitas a Cuba, fue placentera. Pero la nostalgia por su islita, por su gente y su conuco le obligaron a marcharse justo al triunfo de la Revolución, permaneciendo allí hasta el día de su muerte. Los interesados han dicho que Benny no se fue de Cuba porque no se lo permitieron. El 16 de febrero de 1963, tres días antes de morir en La Habana, Benny actúa en Palmira. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com El 20 de agosto, nace Ray de la Paz en el Bronx, New York; sonero versátil que se dio a conocer de la mano de su compadre Louie Ramírez y su proyecto “Noche Caliente”. Anteriormente estuvo con “Chino y su Conjunto Melao”, con la orquesta de “El Manos Duras” Ray Barreto, “La Orquesta Guararé” y quien con “La Spanish Harlem Orquestra” pone de total manifiesto su enorme calidad y respeto absoluto por la salsa brava.
LA VIDA de salsero de Ray de la Paz comenzó a inicios de la década de 1970. Tras una efímera experiencia de un año con el grupo Los Chanti –que le sirvió para encantarse con la música afroantillana–, el vocalista se aventuró a explorar otras posibilidades que le permitieran desarrollarse más como artista. En el transcurso del año 1972 estuvo participando con diversos grupos musicales, sin mayor importancia, hasta que en 1973 encontró la oportunidad que abrió nuevos surcos en su trayecto. "Un día estoy en el Bronx y oigo unos ruidos que vienen de un basement y me quedé parado escuchando. Oigo (el sonido de) las congas y un tipo cantando y me acerqué a preguntar. Me dicen que es un grupo que está empezando y se llamaba Goes Colón. Le dije al trombonista que yo cantaba y éste me dijo que regresara la semana entrante para audicionarme. Cuando fui, se trataba de otro grupo que él estaba organizando e hice mi prueba, quedé chévere con ellos y me integraron", comenta el salsero. A partir de entonces, Ray de la Paz se convirtió en el cantante de la orquesta Don Juan, un colectivo con una base armónica fuerte, con dos trombones, a la sazón del sabor que impuso el trabajo creativo de Willie Colón y Héctor Lavoe, que en esos años marcaban su dominio en el ambiente caribeño de Nueva York y Puerto Rico. Su experiencia en el grupo Don Juan le ayudó al cantante para alimentar su estilo interpretativo, que tomó, en parte, de la influencia del matancero cubano Justo Betancourt y del sonero Héctor Lavoe. "Después que escuché en un disco el tema 'Songorosongo', cantando Justo Betancourt, dije que no había pa' más nadie. Me gustó su interpretación por el sabor y el guapeo. Me aprendí la canción y la practiqué en casa porque era lo que estaba buscando", confiesa. Junto al grupo Don Juan visitó los estudios de grabación por primera vez. En aquella ocasión trabajaron un disco de 45 rpm, hecho para el sello Mucho Records, en el que se patentizó la influencia que venía arrastrando de los cantantes Justo Betancourt y Héctor Lavoe. Aunque el disco no tuvo ninguna repercusión en el mercado, le abrió las posibilidades de trabajo y aumentaron sus presentaciones durante los fines de semana en los clubes de música latina neoyorquinos. En 1974 el grupo de Don Juan se desintegró porque su director "se mudó a Puerto Rico a hacer otras cosas". Ray de la Paz, por su parte, continuó actuando en clubes de baile hasta que, poco tiempo después, conoció al músico Cruz de Jesús ("Chino"), quien lo invitó a formar parte de su grupo El Conjunto Melao. La experiencia con este grupo es considerada por el vocalista como "un escalón" en su devenir artístico. En éste, tuvo la oportunidad de rodearse de varias figuras importantes en el quehacer musical de la época, como Héctor Zarzuela, Jimmy Delgado, Eddie Temporal y Pablo Canti, entre otros. "Con ellos agarré mucha experiencia porque era gente que conocía bien el negocio", acota. Su impulso artísticoLa primera producción discográfica de larga duración (33 rpm) que logró Ray de la Paz en su historia fue junto a Chino y su Conjunto Melao. El disco homónimo, lanzado en 1975 bajo el sello TR, impactó el mercado con temas como "Se derrama el melao" y "Qué bien te ves", dos melodías que, pese a la fuerza que tenían las producciones salseras que realizaba el imperio disquero de Fania, gustaron y pegaron en la radio. Su estancia en este grupo duró escasamente un año. Su salida estuvo matizada por una oferta que el artista recibió para integrar el grupo Guararé, dirigido por el pianista Gil López y en el que participaron un grupo selecto de jóvenes y talentosos músicos, como Tony Fuentes (bongó), José "Papy" Román (trompeta), Jimmy Delgado (timbales), Papo Vázquez (trombón) y Ángel "Cachete" Maldonado (batá). Su historia con Guararé quedó plasmada en dos producciones discográficas. La primera fue grabada en 1977 para el sello TR e incluyó los temas "Las latinas", "Juliana", "Realidad y sinceridad", "Quisiera", "Iguales", "Traviesos", "My Beautiful Bembé" y "Jeva de la java". Luego apareció "Renaissance" (1978), trabajada para el sello Inca (Fania) y producido por el maestro Ray Barretto. En esta producción la voz de Ray de la Paz se hizo notar en la interpretación de "Te quiero gratis", "Elegüá", "Guapo", "Qué linda te ves", "Sigo esperando", "Pan con bacalao" y "María". Para entonces, el cantante despuntó como uno de las mejores voces de la música antillana, con un fraseo exquisito y buena tesitura. Poco después su nombre comenzó a situarse entre las grandes ligas salseras, subrayando el mejor capítulo de su historia musical. Corría el año 1978 cuando Ray de la Paz dio el salto más importante en su carrera musical, hasta entonces. Una noche, mientras trabajaba en el club El Campo del Sol, en el Bronx, el veterano percusionista Ray Barretto le hizo un acercamiento para que formara parte de su grupo. Barretto había concentrado los últimos años de su carrera en su trabajo como jazzista, luego del éxito que logró en 1975 con el disco homónimo junto a los vocalistas Tito Gómez y Rubén Blades. Era un momento importante para el músico, por lo que su invitación para rearmar su batería salsera era una oportunidad que ningún cantante rechazaría. Ray de la Paz aceptó y, en un principio, se mantuvo en la orquesta interpretando los temas que habían sido éxitos en las voces de los cantantes que le antecedieron. El mismo año que ingresó a la agrupación participó en los coros del disco "Gracias" y un año después apareció también como corista en "Ricanstruction" (1979), el álbum que significó el reencuentro comercial de Ray Barretto y Adalberto Santiago. Poco después, entró al grupo el cantante Eddie Temporal junto a quien armó el binomio vocal que acompañó a la orquesta del denominado "Rey de las Manos Duras" en los años siguientes. En el año 1980 apareció en el mercado la primera producción de Ray de la Paz con la banda de Ray Barretto, "Fuerza gigante", que circuló con los temas "Tu propio dolor", "Arallué", "Aguardiente de caña", "Los mareados", "Pura novela", "Guarapo y melcocha", "Tus mentiras" y "Fuerza gigante". En este disco también cantó Eddie Temporal. Luego, en 1982 acompañó a Ray Barretto como vocalista principal del álbum "Ritmo de la vida" y cantó las melodías "Manos duras", "Amor artificial", "Si no eres tú", "Granada", "Mi dedicación", "Indiferencia" y "Ritmo de la vida". En el ínterin, la agrupación del famoso percusionista lanzó al mercado otros dos discos pero sin la participación de Ray de la Paz. Protagonista de un nuevo capítulo en la salsaA mediados de 1982, Ray de la Paz abandonó la orquesta del "Rey de las Manos Duras" inconforme con el trato que habían recibido sus grabaciones en el mercado, contrario al impulso que tomaron las de los cantantes que le precedieron. Además, reconocía que el sitial que había alcanzado como exponente salsero le abría un caudal de posibilidades para desarrollar su carrera con más ímpetu. Meses más tarde, la productora californiana oni Figueras le sugirió armar un proyecto musical diferente que tomara los temas más famosos de la canción balada para regrabarlos en formato de salsa, un experimento novel que, hasta ese momento, nadie había realizado. La propuesta contó también con la participación del veterano músico y arreglista Louie Ramírez y los cantantes Tito Allen y José Alberto "El Canario". La idea era que cada vocalista seleccionara un par de temas de una lista de éxitos de baladas, y que luego se comenzara su montaje en clave salsera. "En un principio había que escoger las canciones que uno quería interpretar pero yo no escogí, esperando que los demás decidieran para yo tomar lo que sobrara. Como la productora tenía prisa por grabar, buscó otro cantante y me dejó fuera, con la casualidad de que el día de la grabación me aparecí por los estudios y Louie me pidió que cantara. Leí los temas y los hice", narra el salsero. Para su fortuna, las melodías que interpretó en ese álbum, que se tituló "Noche caliente", fueron los éxitos más brillantes de la producción y de los más importantes –comercialmente– para el género, en los inicios de la década de 1980. "Estar enamorado", "Todo se derrumbó", "O me quieres, o me dejas" y "Simple mágica" –todos en voz de Ray de la Paz– fueron la carta de triunfo de este nuevo proyecto que, en un giro radical, comenzó a trazar un nuevo rumbo para la música afroantillana. A partir del éxito que logró Ray de la Paz, la salsa comenzó a explorar nuevas posibilidades armónicas y líricas tomando en consideración las variaciones en los patrones de consumo –la mujer se colocó en el mercado como protagonista de las relaciones de intercambio–. A la vez, las canciones inscritas en el desarrollo de una lírica romántica, cuyo centro de exposición estaba circunscrito a la narrativa de las situaciones por las que atraviesan las relaciones amorosas, marcaban la tendencia del gusto de los programadores radiales, y por consiguiente del público, en un momento en que estos productos discográficos eran los más exitosos del mercado. Fue un nuevo momento para el género, ahora en su clasificación de "salsa romántica" que, contrario a las desviaciones rítmicas que le siguieron, en esta producción se conservó la esencia de la clave y el candor de su cadencia bailable. "Hicimos una salsa con canciones románticas que eran los éxitos de los baladistas, pero nunca se abandonó el ritmo. Louie (Ramírez) conocía muy bien su trabajo y era muy apegado a la clave'", comenta Ray de la Paz. Ray de la Paz retomó su carrera en solitario al arribo de la década de 1990 y hasta el presente se ha mantenido vigente por su inigualable arte interpretativo. En los últimos tiempos ha trabajado con Ray Barretto y la orquesta de Tito Puente. Desde 2002 forma parte de la portentosa agrupación Spanish Harlem Orchestra, junto a la que ha grabado los discos "Un gran día en el barrio" (2002) y "Across 110th Street" (2004). https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com #ElCaobo | #HistoriadelaSalsa |
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