El 26 de septiembre del año nace Ray Rodríguez en Aguadilla, Puerto Rico. Excelso saxofonista, flautista, líder y director de “Swing Sabroso”.
Ray Rodrígueznació en Aguadilla, Puerto Rico, el lugar de nacimiento de Rafael Hernández, principal compositor de Puerto Rico, y se crió en la ciudad de Nueva York, en Spanish Harlem, tierra natal de Tito Puente, Ray Barretto y muchos otros iconos de la salsa A temprana edad, comenzó su carrera musical y se fue a estudiar en el famoso Conservatorio de Música de Brooklyn, donde se especializó en teoría de la música, contrapunto, armonía y arreglos. Posteriormente, siguió estudiando en Bronx Community College y con instructores privados. Ray también vivió en Brooklyn Nueva York y desde el 1980 hasta el 1988 era líder de "La Herencia Latina", una orquesta de 13 músicos radicada en Brooklyn que grabó para RCA International con mucho éxito. Ray ha tocado y grabado como acompañante con muchas orquestas de Nueva York y Nueva Jersey, pero se siente más cómodo como el líder de su propia orquesta que ha sido por la mayoría de su carrera musical. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 26 de septiembre del año 1934, nace Frank Hernández “El Pavo Frank” (1934 - 2009) en Villa de Cura, Venezuela. Legendario y decano percusionista venezolano de extraordinaria participación en múltiples bandas como “Orquesta Habana Cuban Boys”, “La Orquesta de Pedro José Belisario”, “La Orquesta del Maestro Luis Alfonso Larrain”, “Orquesta de Tito Puente”, “Orquesta de Jose Fajardo”,“Orquesta de Pérez Prado”. Auténtico ícono de la salsa y el jazz latino.
A los 12 año, El Pavo se mudó a Caracas y al poco tiempo empezó a estudiar batería con Germán Suárez. A los 15 debuta en la orquesta de Manuel Ramos y, por su corta edad, sus compañeros le bautizaron con el nombre que lo identificaría profesionalmente: "El Pavo Frank". En 1953 integró la orquesta del afamado músico y director venezolano, Aldemaro Romero. También trabajó con los maestros Jesús "Chucho" Sanoja, Luis Alfonso Larrain, Ha alternado con Tito Puente, "El Rey del Timbal"; Dámaso Pérez Prado "El Rey del Mambo"; Mongo Santamaría, Machito, Dizzie Gillespie y Chick Corea, entre otras grandes celebridades. Es uno de los grandes percusionistas de Venezuela y ha contribuido enormemente con la salsa, el jazz y el jazz latino como géneros musicales. En Venezuela ha sido reconocido con importantes premios en reconocimiento a su dilatada y excelente carrera musical. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 23 de septiembre del año 1942, nace Wuelfo Gutiérrez López (1942 - 2005) “El Último de los Matanceros” en La Habana, Cuba. Bravo sonero de destacada participacion con “La Sonora Matancera”, “La Banda de Javier Vásquez” y“Orquesta Harlow”.
Desde muy joven, Wuelfo empezó a participar en un cuarteto cubano infantil donde sirvió de cantante, pero sus mejores momentos llegaron después de irse de su linda patria para Estados Unidos en el inicio de la década de los sestenta donde trabajó con unas cuantas bandas pequeñas antes de integrar la recién formada banda del pianista Javier Vázquez en 1966. Fue con la banda de Vázquez que Wuelfo hizo sus primeras grabaciones en solitario. Durante este mismo época, grabó con la orquesta del judío maravilloso, Larry Harlow. En 1973, Wuelfo y Javier Vázquez integraron la Sonora Matancera, donde Wuelfo tuvo la oportunidad de destacarse como la estrella que era. Con el celebrado conjunto Gutiérrez grabó un total de 20 temas entre los que se recuerdan son A burujón puñao, La hija de Lola y El alacrán. En 1976, Wuelfo dejó la Sonora Matancera y se fue para México donde residiría permanentemente. Creó su propio grupo en la capital de México y por muchos años produjo varios álbumes e hizo muchas presentaciones. En México, llevó una vida artística muy activa. Wuelfo partició en la celebración de 50 aniversario de la Sonora Matancera,.en una gira que llevó al grupo a través de varios países. Tambén formó parte del selecto elenco de invitados que se presentó en los conciertos “65 Aniversario de la Sonora Matancera”, realizados en Carneqie Hall y el Central Park el primero y 3 de junio del año 1989, respectivamente. Falleció la tarde del martes 31 de mayo a consecuencia de un "accidente cerebro-vascular", según informaron fuentes del Hospital de Oncología del Centro Médico Nacional Siglo XXI. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 18 de septiembre del año 1914, nace Roberto Faz Monzón “El Cabezón” (1914 - 1966) en Regla, Cuba. Bautizado así por el mismísimo Benny Moré, fue un gran sonero que compartió con “El Conjunto Kubavana” y “El Conjunto Casino”.
En el 2010 se conmemoraron en Regla y en Cuba varios acontecimientos musicales: Roberto Faz el 26 de abril cumplió 44 años de fallecido. Y el 4 de febrero se celebró el 54 cumpleaños del estreno del conjunto de Roberto Faz en el Liceo de Regla. También hace 44 años que Faz difundió en Cuba el ritmo dengue, creado por Dámaso Pérez Prado. El ultramarino pueblo de Regla cuenta con muchas figuras musicales: Francisco Albo Salazar –Siglo XIX- (Pancho Majagua), Familia Romeu, Tania Castellanos, Emelina López y Sergio Farías, y Antonio Arcaño residió un buen tiempo en esta localidad. Roberto Faz nació el 18 de septiembre de 1914 en el ultramarino pueblo de Regla, en la calle Calixto García 62 entre Céspedes y Agramonte. Está inscrito entre los grandes cantantes soneros y boleristas de Cuba, y se le conoce como la voz del pueblo ultramarino de Regla, su querido rincón habanero. Naturalidad, carisma y sencillez lo hacían uno de preferidos, en casi todas las encuestas. Su origen fue muy humilde y desempeñó diversas labores, entre ellas las de conductor de ómnibus y cantinero. a la vez que descargaba, guitarra en mano, por los bares de su pueblo; eran los días gloriosos de la explosión del son en la capital. Aunque también en la zona de Regla y Guanabacoa había un ambiente folclórico de toques y cantos de bembé de las potencias ñáñigas; unido a las rumbas y congas de comparsas que eran un plato fuerte en esta zona. El doctor Carlos González describe a Roberto Faz: "bajito, ojos color castaño, cabeza grande –le llamaban cariñosamente el cabezón-, mucho pelo, castaño claro y a menudo con bigote. No era grueso, ni delgado, aunque por su estatura daba la impresión de ser más bien envuelto. Tez blanca y sonrisa fácil. Le faltaba un dedo en la mano izquierda. Donde quiera que se presentara había lleno total, pues era muy querido por su pueblo". Para ponerse a la moda de la época se integró en 1927 a un septeto infantil llamado Champán Sport, de Carlos Toledo, con el trompetista Félix Chapotín. "Yo le fui enseñando a Robertico –contaba Chapotín- los trucos de la música y el padre me servía un buen almuerzo todos los domingos". Después el Tropical y el de Ricardo Cabana, que organizaba su propio padre, un famoso cartero del pueblo. "Mi padre Pascual era como un representante mío –me dijo el sonero en una ocasión-, él metía cabeza donde quiera para que yo fuera cantante a toda costa y lo logró. Pero te digo que también aprendí a tocar todos los instrumentos de la percusión, esa era una de las distracciones de los jóvenes en aquellos tiempos". Ya en 1930 Robertico fue reclamado en diversos septetos como el Ultramar, que también estaba en manos de su padre y ya en 1932 se profesionalizó como cantante en un cabaret llamado Hit. Con ese entrenamiento llegó a cantar en la orquesta Habana, en 1938; en la Cosmopolita, y Los Hermanos Palau, en el aristocrático cabaret Sans Souccí, lo más grande del show en aquellos tiempos. En 1939 –cuando se creó Tropicana- llegó a ser artista exclusivo de la CMQ de Prado y Monte. Se presentó en 1941 en el cabaret del Hotel Nacional con la orquesta de Osvaldo Estivil, en la cual también cantó Tito Gómez. Y en 1944 se encontraba nada menos que con Alberto Ruiz en el conjunto Kubavana, que actuaba en el cabaret Zombie Club de Zulueta entre Trocadero y Ánimas, el antiguo Edén Concert. Robertico era un estilo que influyó a casi todos los boleristas en la manera de cantar: fluida, callejera y natural, y que seguirían Orlando Vallejo, Fernando Álvarez y muchos más. En ese mismo año de 1944 llegó para Roberto Faz la gran oportunidad de su vida: el conjunto Casino de Roberto Espí, con las voces de Rolito Reyes y Agustín Ribot; un ensemble que haría época en salones y sociedades cubanas. "En el Casino coloqué éxitos con boleros, guarachas y canciones de los filineros como Quiéreme y verás, y Realidad y fantasía, de Portillo de la Luz; A romper el coco, guaracha de Otilio Portal, y Que se corra la bola, guaracha de Alberto Ruiz. Con el Casino viajó a Estados Unidos y América Latina. En 1948 grabaron para la RCA Víctor; dominaron la radio y la televisión. Se mantuvieron un tiempo en la marquesina del Hotel Saratoga y en Radio Cadena Habana, la emisora musical de Cuba. Todo eso fue hasta el fin de año de 1955, en que el Casino tuvo cambios en su elenco. Roberto Faz organizó entonces su propio conjunto, con el cual debutó el 4 de febrero de 1956, durante un baile espectacular en el Liceo de Regla, con éxitos como Deuda de Luis Marquetti –apoyados por la Panart- que marcó un hito en el conjunto del reglano. En esa etapa viajaron a Cayo Hueso, Tampa y Panamá, mientras que en 1958 realizaron una gira por Centro y Sudamérica con un soberano éxito. Estuvieron una temporada en 1957 en el cabaret Alí Bar, donde ya el Benny Moré era el Rey. Hay una foto de ambos que queda para la historia. En 1961 grabó el bolero Comprensión de Cristóbal Dobal, un súper éxito; Como vivo en Luyanó, son de René Barrera y Cositas que tiene mi Cuba, son-montuno de Parmenio Salazar. En la última etapa del conjunto de Roberto Faz se puso de moda en 1966 el dengue con su tiqui tiqui y la llanta de automóvil y el conjunto tomó un nuevo aire: Dengue de la caña, Dengue del pollo, y Dengue en Fa que arrasó en los carnavales habaneros. También asumieron los ligaditos de boleros con el coro de los trompetistas. El 26 de abril de 1966, en pleno auge del mozambique y el dengue falleció Roberto Faz. Tres años atrás había desaparecido Benny Moré. La década del 1960 tuvo dos bajas muy duras para la música cubana, dos clásicos que decían adiós a las armas. El musicólogo Helio Orovio cataloga a Faz "con su peculiar voz, una de las figuras más completas y aglutinantes que ha conocido nuestra música popular". Abelardo Barroso lo definía como "amigo intachable y uno de los mejores soneros". Tito Gómez: "El mejor sonero blanco que dio Cuba". Miguelito Cuní: "Hombre, amigo, compañero, como sonero, extraordinario. Fue el primer blanco en cantar sones". Roberto Espí: "Uno de los grandes valores, su nombre esta al lado de Benny Moré y otras grandes figuras". Pacho Alonso: "Uno de los cantantes más completos del género popular". https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 17 de septiembre del año 1948, nace Rafael Ángel Leavitt Rey “Raphy Leavitt” en Puerta de Tierra, barrio de San Juan, Puerto Rico. Emblemático pianista, arreglista, compositor y director fundador de “La Orquesta La Selecta”. Estuvo en sus inicios con “El Combo Los Reyes”, “La Banda Latina”. Auténtica leyenda viva de la salsa.
Raphy quedó huérfano de madre cuando apenas tenía tres años de edad. Una década más tarde, en plena preadolescencia, el sentido de pérdida lo volvió a impactar al morir su padre. Recibió su educación elemental, intermedia y secundaria en el colegio San Agustín, localizado en el mismo barrio donde nació. Al graduarse de la Escuela Superior recibió el honor de "Excelencia General". Ingresó en la Universidad de Puerto Rico con matrícula de honor, donde estudió Administración Comercial, especializándose en Administración de Negocios y Contabilidad. Desde muy temprano en su adolescencia, Raphy Leavitt dejó sentir su inquietud por la música popular. Inicialmente estudió acordeón en la Academia de George Kudirka. Posteriormente formó el conjunto musical Los Señoriales y en 1966, fundó La Banda Latina. En esta etapa de su carrera Raphy sólo interpretaba los éxitos de otras orquestas. Pero la informalidad de muchos de los integrantes de ambos grupos llevó al joven músico a buscar una forma más seria de abordar la salsa. Al llegar a sus años universitarios, comienza a despertar en Raphy el deseo de aportar algo positivo al género afrolatino, el cual era considerado escandaloso y sin sentido. En esta etapa de su vida, Raphy se propuso demostrar que dicha música podía enriquecer a la sociedad con canciones que llevaran un mensaje, sin necesidad de recurrir a la chabacanería. En 1971, el joven pianista Rafael Leavitt Rey decidió organizar una orquesta de salsa desafiando los moldes rítmicos de las bandas que, hasta entonces, dominaban el mercado musical. Su propuesta, que contrastaba el trabajo que realizaban las agrupaciones que operaban bajo la égida del sello Fania, consistió en trastocar las sonoridades afrocaribeñas dominantes en la rítmica salsera de Nueva York para incorporar al repertorio del género la herencia de la música campesina, despertando la memoria de las grandes aportaciones de nuestro cancionero autóctono, con énfasis en la décima y el seis chorreao. Esta acción, además de sellar el distintivo de identidad de la naciente orquesta, imprimió a la salsa un estilo único que enriqueció el género. Así surgió La Selecta, una agrupación que en términos líricos se enfocó en interpretar canciones para "despertar la conciencia de un pueblo en su lucha por la justicia social". Así que cuando en 1971 la salsa dominaba el pentagrama puertorriqueño era un hecho consumado, Raphy Leavitt apareció con una nueva orquesta de jóvenes talentosos llamada La Selecta. Su primera composición se titulo "Payaso", un bolero montuno cuya grabación marcó un triunfo trascendental para la novel orquesta La Selecta. En esta composición Raphy introdujo a la música de la salsa la utilización de soneos (inspiraciones del vocalista) en forma de décimas puertorriqueñas. Con esta selección La Selecta se colocó entre las principales orquestas de Puerto Rico; trascendió en el pentagrama con canciones como "Te equivocaste" y "Lamento rumbero" y recibió los galardones Disco de Oro y 45 de Oro. En 1972, al cumplir La Selecta su primer aniversario, surgió de la inspiración de Leavitt, su segundo super éxito "Jíbaro soy". Canción que marca el período de la afirmación nacional en la salsa de los 70's, "Jíbaro soy" reafirmó la fuerza de La Selecta y la encumbró nuevamente hacia primeros lugares. Debido al éxito de esta canción, la orquesta salió en gira artística por el este de los Estados unidos, sin haber terminado la grabación del disco de larga duración donde aparecía "Jíbaro soy". Desafortunadamente el grupo tuvo un fatal accidente automovilístico en Connecticut en el que perdió la vida el trompetista de la orquesta Luisito Maisonet, mientras el propio Leavitt quedó al borde de la muerte. Tanto Raphy como otros tres integrantes de la orquesta permanecen hospitalizados por seis largos meses. Pero mientras se recuperaba de las heridas, le surgió la inspiración para uno de los éxitos más impactantes de su trayectoria: "La cuna blanca". Como homenaje póstumo a la memoria de Luisito, esta composición se difundió con fuerza en territorio nacional, así como trascendió en países como Panamá, Venezuela, Colombia y en el mercado latino de los Estados Unidos. "La cuna blanca" le dio Raphy su segundo Disco de Oro. Pero además le mereció el premio "Compositor del Año" y el "Busto de Oro Rafael Hernández". En el primer concierto de Nueva York, luego del accidente, recibió la "Placa de Bronce del Madison Square Garden". En su visita a Panamá se le otorgaron los premios Búho de Oro, Grupo Orquestal más popular y Orquesta Internacional más Popular. Produce en 1976 el cuarto éxito de La Selecta; "El buen pastor", por el cual recibió un 45 de Oro y entró de lleno al mercado de Venezuela. La Selecta recibió en 1987 el Premio Diplo como Orquesta del Año. Tras 19 años de labor profesional, Raphy Leavitt comenzó en la década del 90, estableciendo su propio sello disquero, identificado como R.L. Récords. "Café colao", "Soldado", "Amor y paz", Lamento Jíbaro", "Dueña y señora" y "A la sombra del flamboyán", han sido algunos de los éxitos musicales que han coronado la labor de Raphy Leavitt y su orquesta La Selecta. Esta agrupación, que ha contado con las voces de figuras como Sammy Marrero, Tony Vega, Carlitos Ramírez, Osvaldo Díaz, se ha mantenido firme en su propósito de no recurrir a la vulgaridad o a temas de doble sentido para ganar popularidad. "En una etapa de mi carrera vi que era el momento preciso para incluir lo nuestro y no dejarlo rezagado, porque nuestra música típica es tan sabrosa como otra y no hay por qué centrarse solamente en los ritmos afroantillanos", sostiene Raphy. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 17 de septiembre del año 1936 nace Pablo Branda Villanueva “Melcochita” en el Perú. Bravo y legendario sonero y humorista peruano.
El nombre artístico de Pablo se lo debe a Augusto Ferrando, quien lo bautizó con el apelativo de Melcochita porque la primera vez que se presentó ante la audiencia, este endulzó al público (en el Perú la melcocha es un dulce). En la década de 1950, conocido como Pacocha, formó al lado de sus hermanos el grupo musical Son Cubillas. En la década de 1960, el Perú, especialmente Lima estaba en un 'boom' de rock and roll y garage rock. Melcochita no fue ajeno a este escena rica en música para el Perú pues en 1969 grabó las voces del tercer LP de la banda de Los York's con quienes ya había colaborado antes en los coros e instrumentos, y ese mismo año colaboró también en la percusión del primer disco Virgin del grupo limeño Traffic Sound. En 1970 lanzó un sencillo "La cosecha de mujeres nunca se acaba" un cover de un tema tradicional colombiano y en el lado B un tema de su inspiracion "La reforma" en referencia a la reforma agraria peruana. También sería en esa misma década donde junto a la orquesta de salsa y boogaloo llamada Karamanduka, grabaría el LP Acabo Con Lima Huyo Pa´New York para la disquera MAG Records. En la década de 1980 fue el primer latino en ser invitado a un programa norteamericano como El Show de David Letterman por el año 1983. Como sonero y salsero ha participado y actuado junto a artistas como Johnny Pacheco, Willie Colón, Tito Puente, Celia Cruz entre otros. La prensa de espectáculos o prensa rosa lo ha mantenido como un personaje mediático por temas de su vida personal. Ha actuado en la televisión peruana en los programas A Reir, Estrafalario, Risas y Salsa y Recargados de risas. En ese sentido, se le considera una de las personalidades más populares en el Perú. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 16 de septiembre del año 1968, nace Marco Antonio Muñiz “Marc Anthony” en Manhattan, Nueva York, de padres puertorriqueños. Extraordinario cantante que se inicia de la mano del sello RMM propiedad del empresario dominicano Ralph Mercado. También interpretó la vida de Héctor Lavoe en su film biográfico.
Su verdadero nombre es Marco Antonio Muñiz, que eligió su padre, Felipe, por el famoso cantante mexicano del mismo nombre, (con quien también comparte apellido), más tarde él se lo cambiaría a Marc Anthony para evitar confusiones. Marc tuvo una niñez normal y feliz llena de música, de reuniones de amigos y familiares, que se juntaban a conversar y cantar. Al parecer, este artista siempre supo lo quería. Con tan sólo siete años, Marc le pidió a su padre que lo inscribiera en la escuela de música de East Harlem. Para Felipe Muñiz esto fue una bendición, porque siempre soñó con ser cantante. Su orgullo de padre creció al saber que su hijo era uno de los mejores de la clase, por lo que le brindó todo su apoyo, Marc creció escuchando rock y ritmos de blues, y empezó a cantar en inglés en diferentes clubes de Nueva York, donde se reunían más de 500 espectadores, cuando para Marc consideraba una buena noche. Él se especializó en crear música y bailar un estilo minimalista, llamada “musica house”, donde se parafraseaban y repetían las canciones una y otra vez, a través de un ritmo variado con el compas de temas ritmicos. En sus inicios incursionó en el canto dentro de una banda, llamada Latin Rascals, con quienes trabajo a lado del productor 'El pequeño' Louie Vega. Cuando Vega recibió un contrato con la compañía Atlantic Records, Marc fue llamado por él mismo para que iniciará su carrera como solista. Ninguno de sus álbumes anteriores, tuvieron tanto éxito como Rebel, que fue todo un hitdentro de las discoteques y clubes. Los días de Marc en los clubes terminaron y en 1992, el legendario percusionista latino Tito Puente invitó a Vega y Anthony para abrir una de sus presentaciones en el Madison Square Garden. Ellos fueron todo un éxito y Marc encontró su sello musical personal, al poner en ambiente el recinto de Nueva York. Fue entonces cuando su carrera empezó a dar resultados, pegando fuertemente en las primeras oportunidades en la radio estadounidense. Su manager lo sugirió cantar en español, pero a Marc no le interesaba. Entonces un día, mientras manejaba en su automóvil por Manhattan. Marc escuchó un tema musical del cantante Juan Gabriel, “Hasta que te conocí”, al que Marc tradujó “Until I Met You", para interpretarla. El éxito llegó de una forma tan vertiginosa, que Anthony lo describe de esta manera: "Vi mi vida totalmente cambiada". En 1993, grabó la canción que escuchó en el coche. Su manager le organizó una presentación en una convención de música llamada Radio y Música. Como ganaba muy poco dinero, fue a la presentación con un DAT y la ropa prestada. La mayoría de los asistentes eran disc jockeys. Cuando Anthony subió al escenario sólo se oyó el aplauso de una persona, le temblaban las manos en el micrófono. Cerró los ojos y empezó a imaginarse que estaba cantándole a su madre en casa, al terminar dejó el escenario tan rápidamente que su manager lo tuvo que parar y mostrarle la ovación del público. Algunos de los disc jockeys ya estaban llamando a sus emisoras desde sus teléfonos celulares, para asegurarse que programaran el CD de Marc Anthony. Ese mismo día, se presentó en un programa de televisión llamadoCarnaval Internacional, que se transmite a todo el mundo. "En un día, mi vida cambió para siempre", dice. "Empecé a hacer giras, Panamá, Ecuador, Argentina. Puerto Rico, Miami, Los Ángeles. Me desperté una noche y no sabía dónde estaba, llamé a mi hermano y le pregunté ¿Dónde estamos?. Me dijo 'Mira por la ventana'. Todo lo que vi fue una ciudad, cuando me di cuenta que era Tokio, me pregunté ¿Cómo sucedió esto?, no lo podía creer". Anthony fue el primer actor que Paul Simon contrató para actuar en The Capeman. Simon había ido a una tienda para comprar los discos de los mejores cantantes jóvenes de salsa. "Me vendieron los discos de tres cantantes", recuerda Simon, "Pero cuando escuché el de Marc, me dije, este es muy bueno, en realidad es el mejor". Al mismo tiempo que Anthony ensayaba para la obra de Broadway, se estaba lanzando el álbum Contra La Corriente, el cual superó el status de Disco de Oro. Debido a obligaciones no pudo promover el disco, entonces dio un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa se había presentado en el Madison. Anthony llenó el teatro y repitió la hazaña el año siguiente. Una de las sensacionales presentaciones en vivo de Marc Anthony, fue filmada para un programa especial de televisión de la cadena HBO: Marc Anthony: The Concert from Madison Square Garden, el cual fue transmitido el día de San Valentín del¿ 2000. El especial fue producido y dirigido por Marty Callner para Cream Cheese Productions, quien anteriormente había producido, para HBO, especiales con Madonna, Garth Brooks y Jerry Seinfeld. El especial incluyó sus éxitos en inglés pero también algunos temas de los álbumes de salsa en español, los cuales lo han establecido como el cantante de salsa número uno en ventas en el mundo. Marc Anthony ha logrado en total nueve Discos de Oro y Platino: sus álbumes Contra La Corriente,Todo A Su Tiempo y Marc Anthony, han obtenido discos de oro; con éste último obtuvo cuatro discos de Platino, y los temas "I Need To Know" y "You Sang To Me" también recibieron Discos de Oro. Su álbum Contra La Corriente fue galardonado con un premio Grammy como Mejor Álbum Latino Tropical en 1998. Su disco Desde El Principio, un álbum con sus mejores éxitos de salsa, estuvo en la primera casilla de Billboard Latin 50, durante siete semanas, y de acuerdo con la firma SoundScan fue el álbum #1 en el listado de ventas de álbumes de música latina. Sin embargo, el éxito de Marc Anthony no se ha limitado al mundo de la música. El legendario músico Paul Simon lo escogió para participar en el musical de Broadway The Capeman. Marc también debutó en la pantalla grande representando papeles importantes en las películas Bringing Out the Dead(1999), dirigida por Martin Scorsese, y Big Night (1996) dirigida por Stanley Tucci. Marc también actúo en las películas The Substitute (1996) y Hackers (1995). Las obligaciones adquiridas con el musical The Capeman, impidieron que Marc pudiera promover su tercer álbum de salsaContra La Corriente durante su periodo de lanzamiento (aún así éste obtuvo un Disco de Oro inmediatamente). Para despedirse temporalmente de la salsa Marc ofreció un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa había reservado éste escenario anteriormente, excepto como parte de una revista musical. Marc logró agotar todas las entradas - a partir de entonces el cantante habría de repetir lo mismo cada año. Durante el invierno y el verano del 2000 Marc realizó una gira musical a lo largo y ancho de Norteamérica, agotando localidades y deleitando a grandes multitudes con una serie de conciertos muy exitosos. En lugares donde se habla español, y especialmente en Puerto Rico, Marc es considerado un verdadero ídolo. Una reseña de su concierto publicada en El Nuevo Día, el diario número uno de Puerto Rico, lo califica como "profeta en su tierra". Así mismo en una reseña publicada en The New Yorker, un residente de Harlem dijo que Marc "Es como una llama de fuego que camina". Marc canta "con el corazón tanto en inglés como en español" y su triunfo en ambos idiomas y ambos mercados, con total naturalidad y sin que uno descuide al otro, o sea más importante que el otro, es motivo de comentario. "Marc sí que lo ha hecho bien, pues es igual de admirado entre anglos como hispanos. Y para él ambos públicos son igual de importantes.". ¿Y el secreto de su "sex appeal"? Marc ríe cuando se le menciona y casi lo quiere obviar con un gesto. Quizá se deba a que cuando tenía 15 años un día su papá le dijo bien claro, "Mi hijo, eres feo, así que concéntrate en tener una buena personalidad''. Y explica que a partir de ese día desarrolló una gran confianza en sí mismo y "trabajó" en su carácter. "Puede ser que éso sea lo que la gente encuentra sexy"- explica sin vanidad alguna-"Tengo mucha confianza en mí mismo y creo que esa confianza es algo sexy ¿No crees?" A pesar de que se le ha ligado sentimentalmente con distintas mujeres. Tiene 3 hijos, Ryan y Christian (que cada día se parece mas a su papá) y su primogénita, Arianna Muñiz, (nacida de su noviazgo de cuatros años con una policía de Nueva York, Debbie Rosado). La ruptura de esta relación dejó marcadas cicatrices en el corazón del intérprete, sobre todo por lo que significaba separarse de su pequeña. "Mi hija es todo, no sé cómo explicarlo, ella es mi vida, mi inspiración más grande. Si la vieran con mis zapatos, cómo me envuelve con sus palabras, es maravillosa y yo la amo con toda mi alma; a ella le escribí 'My Baby You'", afirma. Y después de proclamar a los cuatro vientos que estaba solo y no tenía planes cercanos de bodas, llegó Dayanara Torres (ex Miss Universo 1995). El 10 de mayo de 2000 Marc Anthony se casó con la ex Miss Universo puertorriqueña en Las Vegas. Tras una separación amistosa, regresaron para contraer matrimonio, esta vez religioso y por todo lo alto (fue una de las bodas del año) en la Catedral de San Juan de Puerto Rico. E igual de sonado fue su divorcio y posterior boda secreta con Jennifer Lopez, el que dicen es su gran amor de juventud. Marc prefiere no hablar de ello "mis cosas privadas son mías, no crean todo lo que lean". Cantante y también excelente actor de cine lo que "le fascina cada día más". Trabajó en 2001 junto a Salma Hayek en El Tiempo de las Mariposas. Y su ultima película Man on Fire (2004), junto a Denzel Washington (un éxito para Marc según la crítica). En 2004, el 8 de junio lanzó Amar Sin Mentiras y el 27 de juliodel mismo año, Valió la Pena, de baladas y de salsa. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 15 de septiembre del año 1945 nace Lenin Francisco Domingo Cerda “Frankie Dante” (1945 - 1993) en Santo Domingo, República Dominicana. Bravo sonero, compositor y director musical de su propia orquesta “La Orquesta Flamboyán” que se caracterizaba por su postura inconforme y rebelde, impregnada del sabor del barrio latino en Nueva York.
Frankie Dante es poseedor de su propio estilo musical, aunque se dice que su fuentes de inspiración fueron los trombones de "La Perfecta" de Palmieri, la banda de Willie Colón y la voz de Ismael Quintana. Su temática se inclinó principalmente por lo social y la situación política mundial de la época: en contra de la guerra, la discriminación social y principalmente contra la clase política de los países latinoamericanos. Se destacó musicalmente en la ciudad de Nueva York, entre los años 1968 y 1979. Durante ese período grabó y publicó nueve álbumes con el sello Cotique, de los productores George Goldner y Stan Lewis. Uno de esos álbumes es una recopilación con algunos de sus mejores éxitos. Dante bautizó su agrupación con el nombre de Orquesta Flamboyán. Sus ocho grabaciones musicales, una obra pequeña en proporción con otros compositores y cantantes, son: Los Coquetones, Different Directions, Se Viste De Gala, Orquesta Flamboyán con Larry Harlow, Markolino Dimond Con Frankie Dante Beethoven's V, Orquesta Flamboyán Los Salseros De Acero, que contó con la participación de Tito Puente y Charlie Palmieri como artistas Invitados, The Flamboyán All Star Band Frankie Be Bop y Los Rebeldes. En sus grabaciones, Frankie contó con la participación de grandes representantes de la salsa, como Ángelo Rodríguez, Milton Cardona, Ismael "Pat" Quintana, Joe Mannozzi, Harry Vigianno, Ray Romero, Jerry González, Larry Harlow, Marcolino "Mark" Dimond, Chivirico Dávila, Mike Collazo, Eddie "Guagua" Rivera, Yayo "El Indio", Larry Spencer, Milton Cardona y José Mangual Jr. La música y la voz de Frankie Dante ha dado mucho de qué hablar. Es amado por unos y odiado por otros, un personaje polémico en lo que respecta a su estatus de salsero. Pero la verdad es que en el mundo de la "máxima expresión del barrio latino" la obra de Frankie Dante merece un lugar destacado, y sus canciones hacen parte del legado de nuestra cultura musical. Durante su carrera realizó presentaciones en los principales clubes nocturnos en Nueva York. Falleció el mes de marzo de 1993. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 14 de septiembre del año 1918, nace Israel “Cachao” López (1918 - 2008) en La Habana, Cuba. Virtuoso bajista, arreglista y director musical, ganador de un par de Premios Grammy (1995 & 2005). Genuino inventor del “Mambo” y de las denominadas descargas o “Jam Sessions”. Auténtico baluarte del género afro caribeño.
Junto con su hermano multiinstrumentista Orestes, el bajista Israel "Cachao" López introdujo a la música cubana los ritmos africanos que transformaron el danzón tradicional de la isla en lo que hoy se conoce como el mambo. También fue pionero en la Descarga, las sesiones de noche que revolucionaron el sonido y el alcance de pop y jazz afrocubanos. Cachao fue el producto de una familia musical extensa y multigeneracional. A los ocho años se unió al septeto de niños local que presentó al cantante, Roberto Faz, también figura importante en la historia musical cubana. Un año se asoció con otra leyenda del futuro, el pianista, Ignacio Villa (también conocido como Bola de Nieve) para hacer presentaciones en el cine de su barrio y hacer más digestibles las películas mudas. Como adolescente y antes de unirse a la Orquesta Arcaño y Sus Maravillas con su hermano, Orestes en 1937, tocó el contrabajo con la Orquesta Filarmónica de la Habana, apoyando a los directores invitados que incluían a Igor Stravinsky, Herbert von Karajan, y Heitor Villa-Lobos . Para cuando llegó a la Orquesta Arcaño y Sus Maravillas, la orquesta ya comenzaba a alejarse de sus raíces en la música de salón francés y se movía hacia un enfoque rítmico de más inspiración africana, fusionando el estilo danzón popular con una percusión sincopada. Juntos los hermanos López compusieron más de 3.000 danzones para el grupo, más notablemente el "Mambo" de 1938, que introdujo un ritmo atípicamente lento y pesado, y así galvanizaron la música cubana para generaciones venideras. Para cuando Cachao finalmente salió de la Orquesta Arcaño y Sus Maravillas en 1949, el mambo era prácticamente sinónimo de la música cubana. Durante la siguiente década, tocó con una serie de orquestas, sobre todo disfrutando de una temporada extendida con el director de orquesta, José Fajardo. Con el tiempo Cachao comenzó a organizar descargas que permitieron a los músicos reunidos experimentar con una variedad de estilos y configuraciones instrumentales. El enfoque de improvisación e inspirado por el jazz resultó tan gratificante que en 1957 Cachao comenzó a grabar las sesiones y lanzó con aclamación internacional el álbum del sello Pan Art, llamado Descargas en Miniatura, destacando a la leyenda de las congas, Tata Güines. La Revolución Cubana de 1959, sin embargo, significó el fallecimiento del reinado de La Habana como el centro de la música y la vida nocturna, y en 1962, después de salir del país con la Orquesta Duarte Ernesto para hacer una gira a España, Cachao no regresó a su tierra natal, y así comenzó un exilio que se extendería por el resto de su vida. Pronto se estableció en la ciudad de Nueva York, tocando y apoyando a Tito Rodriguez y más tarde a Eddie Palmieri. Cachao pasó gran parte de la década de los 1970 en Las Vegas, como cabeza de cartel en el MGM, Sahara, y los hoteles Tropicana, antes de establecerse en Miami en 1978. Aunque la región sureña de la Florida fue para entonces el hogar de una comunidad cada vez mayor de refugiados cubanos, Cachao pasó la década de los 1980 en una relativa oscuridad, a menudo tocando quinceañeras y bodas para mantenerse, mientras que la música latina se esforzó por recuperar su protagonismo comercial de antes. La suerte de Cachao cambió cuando en 1989 se hizo amigo del actor de origen cubano, Andy García, un fan declarado de la música del bajista. García se dedicó a montar un concierto de homenaje que se celebró en Miami en el verano del 1992. El actor también financió el documental llamado "Cachao: Como Su Ritmo No Hay Dos", y con el cofundador del Miami Sound Machine, Emilio Estefan, Jr, coprodujo el álbum de regreso de Cachao en 1994, Master Sessions, Vol. 1, que ganó un premio Grammy por Best Tropical Latin Performance. A medida que creció su perfil internacional, Cachao experimentó un resurgimiento creativo que culminó con Mambo Mass, una obra litúrgica atrevida que abarca elementos de la música afrocubana, la ópera, las tradiciones clásicas y que se estrenó en St. Vincent de Paul Catholic Church de Los Angeles, en el 2000. Lanzó ese mismo año el álbum Cuba Linda, y recorrió el mundo con una orquesta de 15 miembros, que a veces presentaba a García en los bongós. Cachao se asoció con los maestros cubanos, Bebo y Patato Valdés para El Arte del Sabor de 2003, y ganó un segundo Grammy por Best Traditional Tropical Latin Album, y ganó otro Grammy por el lanzamiento en solitario de 2005 de ¡Ahora Si! En 2006, Cachao fue honrado en dos conciertos de Jazz at Lincoln Center que presentaron la Afro-Latin Jazz Orchestra. Ese mismo año, también dirigió una banda mambo all-star en un programa de JVC Jazz Festival, en el Carnegie Hall. Cachao murió de insuficiencia renal en un hospital de Coral Gables, FL, el 22 de marzo de 2008. Tenía 89 años. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 12 de septiembre del año 1929, nace Roberto Angleró Pepín en Fajardo, Puerto Rico. Compositor, cantante, arreglista y director musical; notable por haber escrito varios temas exitosos al estilo del bolero, la salsa y otros géneros de múscia afro boricua. Se le conoce también por haber escrito varios de los temas más importantes de la música en español, tantos como "La pared", "Si Dios fuera negro", "La boda de ella", "Soy boricua" y más. Cantó con la Orquesta de Bobby Valentin y “La Panamericana” de Lito Peña y compuso varios temas para El Gran Combo de Puerto Rico.
Se ha reportado que para disuadirle a Roberto de perseguir sus aficiones en lugar de perseguir un oficio o una profesión, en 1942 su padre lo mandó a vivir con la familia en el Bronx, Nueva York, dónde llegó a ser mecánico, lo cual sería su profesión para toda la vida. Sin embargo, también durante esa época tuvo la oportunidad de probar su suerte como percusionista y bailarín en los clubes latinos del área, e incluso recibió clases de percusión de Max Roach. Durante su estancia en Nueva York, Angleró fue reclutado por el servicio militar obligatorio y se unió a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos donde sirvió cuatro años. Participó en la Guerra en Corea y finalmente fue estacionado en bases de la Fuerza Aérea en Alabama y en Texas. Según el mismo Angleró, enfrentó múltiples incidentes de discriminación racial durante su servicio militar en el sur de Estados Unidos y una particularmente mordaz se produjo en Baton Rouge, Louisiana, donde el propietario de un restaurante se negó a servirle la cena y más tarde llamó a la policía militar para que escoltara a Ánglero y a un amigo judío-estadounidense fuera del Estado. Angleró recuerda que, siendo un orgulloso veterano de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, incidentes como éste le hicieron convertirse en un ferviente partidario de la independencia de Puerto Rico. Estos incidentes también formaron sus puntos de vista sobre las relaciones raciales, la mayoría de los que se expresaron con humor en uno de sus grandes éxitos, un tema bomba puertorriqueña llamada Si Dios Fuera Negro, el cual cantó él mismo. Según Ánglero, la melodía de este tema le vino mientras soñaba. Después de regresar a Puerto Rico, y de haber superado el problema de miedo escénico que sufría, Angleró tocó con algunos tríos y cuartetos en Barrio Obrero, hasta que se hiciera integrante de la Orquesta Panamericana de Lito Peña. Con la orquesta de Peña, cantó, tocó percusión menor, y con la ayuda de Peña y su pianista de mucho tiempo, Héctor Urdaneta, comenzó a componer temas para la banda. Fue durante esta época que compuso su tema más conocido, "La Pared"; un bolero que ha sido versionado más de sesenta veces y cuyas versiones más conocidas, además de la original con la Panamericana (cantada por Yayo El Indio), cantaban Felipe Pirela (cuya versión encabezó las listas en Venezuela natal de Pirela durante tres meses), Roberto Ledesma Xiomara Alfaro y Armando Manzanero. Después de su tiempo con la Orquesta Panamericana, Angleró estableció una relación con El Gran Combo de Puerto Rico como compositor. Escribió una serie de canciones para El Gran Combo, incluyendo: Serrana (1968), Dos copas y un olé (1969), La salsa de hoy (1974), La soledad (1976), y dos grandes éxitos, Aquí no ha pasado nada (1978) y Las hojas blancas (1973). Muchos de estos temas han sido regrabados por El Gran Combo en versiones posteriores. Durante un breve tiempo, Angleró fue uno de los cantantes de la orquesta de Bobby Valentín. Después, empezó el primero de varios comienzos de su propia banda con un joven Marvin Santiago como su cantante principal. Se ha reportado que Angleró tuvo que cambiar el nombre de una de sus bandas, Angleró y Su Congregación, para no se pareciera una blasfemia, Marvin Santiago más tarde se unió a la banda de Valentín y llegó a ser su primer cantante destacado. Angleró, a su vez, escribió varias canciones para la orquesta de Valentín, tales como: Mírate al espejo, Amolador, Son son charari, y dos grandes éxitos: el himno "Soy boricua" (una canción patriótica puertorriqueña) y "La boda de ella", un gran éxito para la banda y luego un exitazo para el sonero Cano Estremera. Actualmente, Angleró está prácticamente jubilado del negocio de la música, pero todavía aparece de vez en cuando en programas de radio como comentarista. Apareció en un corto biopic filmado por WIPR-TV en 2003. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 11 de septiembre del año 1962, nace Isaac Felipe Delgado Ramirez “Isaac Delgado”, “El Chevere de la Salsa” en La Habana, Cuba. Bravo sonero especializado en la timba, de extraordinaria participacion con bandas como“Proyecto”, “NG” y quien ahora como solista sigue demostrando su enorme talento.
En 1983, Isaac propulsa su carrera profesional convirtiéndose en uno de los miembros de la "Orquesta de Pancho Alonso" como voz principal. Empezó a viajar por el mundo con la orquesta y grabó su primer disco compacto. A fines de los 80, Issac Delgado ya habría viajado extensamente. En 1987 se convierte en el vocalista de "Galaxia". En 1988, lidera el grupo "NG La Banda" como vocalista. Con este grupo consigue una gran fama. Grabó tres álbumes y fue galardonado con el premio EGREM 1990-1991, que les otorga los premios de mejor calidad musical y agrupación más popular de la nación. En 1991. crea su propia banda y graba el álbum, "Dando la Hora" bajo la dirección artística de Gonzalo Rubalcaba. Este álbum recibe el premio EGREM 1992. Posteriormente graban el álbum "Con Ganas" que recibe el premio EGREM 1993. En 1994 vuelve a recibir este premio por El Chévere de la Salsa y El Caballero del Son. Viaja a Estados Unidos donde actúa en el 'Festival de Salsa' en el neoyorquino Madison Square Garden con Celia Cruz, José Alberto "El Canario" y Grupo Niche. En Nueva York grabó otro álbum, titulado "Otra Idea". En 1997 actúa en el festival 'Guerra de la Salsa' con La India, Rey Ruiz y Tony Vega. En el 2006, cruzó la frontera EE.UU.-México y entró en Laredo, Texas y desertó, llevando con él sólo a su familia (su mujer Massiel Valdés, y sus dos hijas Dalina y Alessia). Su último disco fue lanzado en el 2010 titulado Love. Ahora vive en Tampa, Florida. En marzo del 2013, tras siete año sin visitar su país, regresa a La Habana debido a una invitación que le hace el cantautor Silvio Rodríguez y realiza junto a él un concierto en el barrio Tamarindo, del municipio Diez de Octubre. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Pequeño Johnny ha compartido su talento especial no solamente por todos los EE.UU., sino también por Canadá, Europa, África, Asia, el Caribe y el Pacífico Sur. El 8 de septiembre del año 1957, nace Johnny Rivero “Pequeño Johnny” en Nueva York de padres puertorriqueños. Excelso percusionista, productor, compositor y director de orquesta que compartiera por más de 16 años con“La Sonora Ponceña”. Luego ha laborado con Eddie Palmieri, Bobby Valentin, Celia Cruz, Dave Valentin, Tito Puente, Lucecita Benítez, “La RMM All-Stars Band”y su propia orquesta entre otras.
Si mal no recuerdo, fue en el 2006, después del lanzamiento de su álbum, Pasos Gigantes, que tuve la oportunidad de realizar una entrevista con este "pequeño" gigante de las congas. Era su primer lanzamiento en solitario y Johnny estaba muy emocionado. No sólo pude escuchar sus emociones durante la entrevista, pero hasta las sentía. ¡Johnny había escrito y producido todos los temas de etse álbum! ¡Razón de más por estar tan emocionado! La entrevista se realizó mucho antes de la popularidad de la música digital, así que yo sabía de este artista y su obra por la lectura de las notas discográficas de muchos cds. En efecto, esto es precisamente la razón por la que le había pedido la entrevista. Yo estaba encantado de que me hubiera dado ese honor, pero por desgracia, la entrevista no se grabó. En su juventud, a Johnny le atraía el jazz latino y los sonidos y ritmos de los rumberos en la Cuidad de Nueva York. Tanto así que a los 10 años empezó a practicar la percusión y muy pronto se hizo integrante de su banda escolar. Poco después, le dio el prurito de tomar clases de baile, lo que últimamente le abrió paso para actuaciones en el escenario con las bandas de la época en lugares tan famosos como el Manhattan Center, el Colgate Garden, la Copacabana, y el Palladium. A los 14 años, se hizo miembro de la Orquesta Colón, en esa época la banda latina más joven de la ciudad de Nueva York, y con ella grabó dos álbumes. Alrededor del 1973, Johnny se mudó a Puerto Rico con sus padres, y poco despúés, en el 1974, se unió a la Sonora Ponceña. Después de tocar los bongos con la Sonora Ponceña por un año y medio, decidió probar su suerte con las congas, lo cual reavivó el encanto que de niño pequeño había tenido por ellas. Siempre humilde, es a don Quique Lucca y su hijo Papo Lucca, a quienes Johnny les atribuye su profesionalidad y entendimiento de los varios ritmos de la salsa. Considera que estas cualidades comprenden el fundamento de su desarrollo artístico. Durante los 16 años que tocó con la Sonora Ponceña, viajó por todo el mundo e hizo 18 álbumes impresionantes. Las colaboraciones de Pequeño Johnny no se limite a la Sonora Ponceña. Ha colaborado con otros productores y artistas de renombre como Tito Puente, Eddie Palmieri, Bebo Valdés, Celia Cruz, Charlie Palmieri, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Brian Lynch, el Dr. Lonnie Liston Smith, Rubén Blades, Andy Montañez, Giovanni Hidalgo, Ray Barretto, Patato Valdez, Changuito, Tata Guines, John Santos Sergio George, Paquito D'Rivera. En mayo de 1997, Johnny se sintió privilegiado por poder compartir el escenario con su inspiración e ídolo, José Mangual. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 2 de septiembre del año 1958, nace Carlos Enrique Estremera Colon “Cano Estremera”, “El Dueño del Soneo”, “El Embajador de Barrio Obrero” en Barrio Obrero, Puerto Rico. Virtuoso sonero de destacadas participaciones con “La Mulenze”, “Orquesta de Bobby Valentín”, “Unisex Band” y su propia orquesta. Para muchos, es el mejor sonero de la actualidad.
Hijo de Aquilino Estremera y Juanita Colón; heredó esa condición congénita consistente en la incapacidad de producir pigmento por parte de las células de piel, cabello y ojos principalmente; que se conoce como albinismo. Aunque empezó como percusionista, posteriormente descubriría su vocación de sonero.Se inició en la música interpretando himnos religiosos, ya que era monaguillo.Luego de manera profesional hizo parte del grupo Barrio Latino y de la Organización Folklórica Los Pleneros Del Quinto Olivo. Sin embrago la gran oportunidad para Cano Estremera llegó de la mano del Productor y trombonista Cuto Soto, quien sirvió de puente para su ingreso a la Orquesta Mulenze (agrupación con la que alternó, pero nunca llegó a grabar un disco), ya que la vida le tendría reservado un encuentro con el gran Bobby Valentín. “El rey del Bajo” incluyó a Cano Estremera en su Producción de 1978, dónde el Albino dejó su registro vocal en los hoy clásicos: “La Boda De Ella”-y-“El Muñeco De La Ciudad”. Posteriormente vendrían una serie de aciertos musicales, consignados en seis larga duración (incluidos dos como solista invitado) que grabaran la Dupla: Valentín-Estremera.Asì se produjeron éxitos como: “El Gato” – “La Gringa” – “Buen Corazón” – “Manuel García” – “Porque Me Citas” – “Siénteme” y “Me Quedé Con Las Ganas” entre otros. Para finales de 1984 Cano Estremera decide probar en solitario, iniciando una carrera con su propia agrupación.En 1986 obtuvo el Premio Paoli como: Cantante de Salsa del Año y el Premio Orgullo de Caserío que entrega la Corporación de Renovación Urbana de Pto.Rico. En 1988 el albino se estrena como productor de sus propios discos con el álbum SALVAJE, que incluyó los temas: “Eres Tu-It’s You” (Original de Stevie Wonder) – “Ámame en Cámara Lenta” (Paz Martínez) – y – “Contigo” (Las Diego).La Producción contó con los arreglistas Julio Alvarado y Humberto Ramírez. En 1989 lanzó al mercado DUEÑO DEL SONEO, producción que marco el inicio de un ciclo de nuevas grabaciones.Este título serviría como apelativo del cantante boricua. El álbum trajo éxitos como: “Pero Me Hiciste Tuyo” – “Contigo” y “A Mí”. Al año siguiente se lanzó el Vol.2 de la serie DUEÑO DEL SONEO que incluyó como destacados los temas: “Amor A La Ligera” -Y- “Me Va A Extrañar”. A Inicios de la década del 90 publica el álbum EL NIÑO DE ORO, de allí recordamos: “Viernes Social” –y- “Pide y Toma”. En 1994 bajo el sello COMBO RECORDS salió al mercadoCAMBIO DE SENTIDO. Producción de Ralph y Derek Cartagena.Desafortunadamente casi nadie recuerda canciones como:”Con Ojos De Dólar”, “Después De Amar” y “Compañera De Trabajo”. Sus siguientes dos Producciones correspondientes a ésta década se titularon: PUNTO Y APARTE (1996) –y-DIFERENTE (1999), también editadas con COMBO. Cano Estremera es uno de los pocos “verdaderos soneros” que le quedan al género.Influenciado por vocalistas virtuosos como Ismael Rivera, Justo Betancourt y Pete Conde Rodríguez; el Albino ha sabido mantener un sello propio a la hora de improvisar y no tiene problema alguno en demostrar en cualquier tarima, porqué es llamado: El Dueño Del Soneo. Cano es un cantante de vanguardia que constantemente ésta creando distintas formas y estructuras melódicas del soneo. Incluso algunos le pueden tildar de “ excedido” cuando en tarima va creando versos muchas veces subidos de tono. El 21 De Noviembre de 2000 fue invitado a la grabación del disco: 45th. Aniversario de La Sonora Ponceña,donde magistralmente interpretó “Boranda”. En el año 2002 COMBO RECORDS sorprende con una nueva Producción de Cano Estremera,èsta vez realizando un Homenaje a su mayor influencia musical Ismael Rivera” El Sonero Mayor”.El disco se editó bajo el tituló de: OPERA ECUAJEY vol.1 ,lo que hace suponer que puede llegar un disco más.¿Cuando? OPERA ECUAJEY es una obra obligada para estudiosos y coleccionistas, que contiene temas clásicos del repertorio de Rivera y algunas narraciones de Elliot Pizarro. Lo más interesante del disco puede hallarse en que Cano no seleccionó el repertorio más difundido del desaparecido sonero, sino decidió incluir nuevas versiones de canciones como: “El Telegrama” – “Dolores”- “Lejos De Ti” –y- “Lo Que Dijo La Gitana”. En el año 2003 Cano hace parte del Disco de Puerto Rican Masters: La Historia de La Salsa, interpretando una sabrosa versión de los clásicos: “Cùcala”- y – “La Esencia Del Guaguancó”, y para terminar con broche oro, hace parte de la producción de Jose Lugo, titulada GUASABARA, en la cual interpreta El Muñeco; grabada a fines del primer trimestre del 2009 Aunque controvertido, Cano Estremera sigue siendo un genuino sonero, que aporta muchísimo a la salsa.Desde su escenario ha empezado a ejercer un papel casi de “fiscalizador” en defensa del género.Por ello mantiene la idea de publicar un libro, que sirva de autobiografía y modelo para quienes se inician en el difícil arte de sonear. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 2 de septiembre del año 1935, nace Eddie Orlando Pérez López “Eddie la Bala” (1935 - 2013) en Santurce, Puerto Rico. Legendario saxofonista fundador de “El Gran Combo de Puerto Rico” y quien también estuviera con “El Combo de Don Rafael Cortijo”.
Desde los 13 años de edad lo une un gran amor y lealtad a su más fiel acompañante: su saxofón, instrumento que Eddie “la Bala” Pérez ,uno de los fundadores e integrante de El Gran Combo de Puerto Rico, aseguró que lo dejaría de tocar el día que muriera. No hay duda de que así cumplió su deseo, porque ni el enfisema pulmonar que le aquejaba desde hacía 15 años había podido minar su enamoramiento con el saxofón. En total, contaba con 63 años de experiencia en el pentagrama musical. El veterano salsero, que gozaba de un buen sentido del humor y espontaneidad, estudió en la Escuela Libre de Música y fue a través de su profesor Luis González Peña que se enamoró del clarinete y luego del saxofón. Curiosamente, el salsero santurcino, criado en cuna humilde –su madre era costurera y su padre, chofer–, optó por no emprender una carrera en ingeniería tras haber sido aceptado en el Recinto Universitario de Mayagüez porque aseguró que “Dios me puso en la música”. Tras ganar experiencia en varias orquestas del patio, Eddie Pérez conformó la agrupación Cortijo y su Combo, de Rafael Cortijo, pero debido a diferencias en el conjunto, decidió con Rafael Ithier, Roberto Roena, Héctor Santos, Tito Vélez, Martín Quinones y Miguel Cruz salir del grupo, emprender un nuevo viaje en la música y funfdar en 1962 con sus colegas El Gran Combo de Puerto Rico, actualmente la principal institución musical de Puerto Rico. En el barrio que se crió, a Eddie le decían ‘Ese muchachito es una balita’ por ser ligerito corriendo. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 30 de agosto del año 1932, nace Victor Nicolas Paz Solanilla “Vitin”, “La Trompeta de America” en Ciudad de Panama, Panama. Virtuoso maestro de la trompeta de extraordinarias participaciones con la Orquesta de Tito Rodriguez, “La Perfecta” de Palmieri, “Orquesta de Tito Puente”, “Las Estrellas de Fania”, “Tico All Stars” y muchas otras incluyendo a los mas grandes exponentes del Jazz y el Latin/Jazz.
Vitín nació en medio de una familia de músicos. Su padre, Víctor Nicanor Paz, era trompetista, maestro de instrumentistas y director de la Banda de Música del Cuerpo de Bomberos de Panamá. Su madre, Silvia Solanilla de Paz, era educadora y aprendió solfeo con el pianista madrileño Ricardo Zozaya. A la par que aprendía música en su casa y practicaba en la banda con su papá, Vitín estudiaba y se graduó en las aulas del Instituto Nacional. Desde muy niño escuchaba con atención a su padre cuando le daba clases a sus discípulos. Su madre, dentro de sus posibilidades, le daba clases de solfeo con mucho aliento. Su contagio por la música era tal, que en tiempo de las fiestas de Navidad no pensaba en carros de bomberos o aviones de guerra, sino que le pedía a sus padres, que por lo menos, le regalaran un cajón para poder tocar. Sus hermanos también crecieron bajo el influjo del pentagrama. Comenta Vitín Paz, que su hermano fallecido, el patólogo Francisco Antonio Paz, tenía por costumbre quitarle la trompeta a su papá desde que tenía cuatro años. Un día, al acercarse la Navidad, Francisco dejó caer la trompeta y le hizo una pequeña boyadura. Para esa Pascua, “mis padres le regalaron una corneta a Francisco, y a mi otro hermano y a mí nos dieron una flauta de seis huecos de ébano”, recuerda Vitín Paz. Cuando mi mamá salió del cuarto me levanté y le cambié a mi hermano la corneta por la flauta, por lo que mi mamá me dijo: dale la corneta a tu hermano; y le respondí: ¿cómo tú sabes, si eso lo puso el niño Dios?” El embajador de la trompeta como se le conoce, tuvo la suerte de estar rodeado de músicos bien preparados como su papá, quien fue su mejor maestro de trompeta y él su mejor alumno, el más avanzado. “Esto lo he comprobado a través de los años. Lo que él me enseñó a mí no lo enseñan en las escuelas. Siempre recuerdo su primera y su última lección y tengo muchas cosas guardadas en la cabeza que ni siquiera las he puesto en uso”. Su primera salida de Panamá la hizo en 1951 a los 19 años, con la orquesta de Armando Boza, a Colombia. Luego, en 1952, lo contactó Avelino Muñoz, quien le consiguió un contrato en Venezuela, para que tocara con cantautores como Bobby Capó, y además, tenía la bendición de Clarence Martin. De esta manera, Vitín Paz inició su periplo por distintos países. En 1953 regresa a Panamá a tocar en el Hotel El Panamá, pero un año después, en 1954, sale a hacer una gira a Perú, a Maracaibo y Nueva York. En 1963 se va a Europa, Japón y Africa. Sin duda, Vitín Paz, ha tocado con los mejores músicos del mundo, “para muestra, un botón”. En su etapa como músico en Nueva York llegó a tocar con cantantes de la talla de Frank Sinatra, Nat King Cole, Dizzy Gillespie, Sammy Davis, Jr., The Jackson Five, Stevie Wonder, Dionne Worwick , Diana Ross (sola), entre otros. Entre los latinos, compartió escenarios con Beny Moré, Pedro Vargas, Celia Cruz, Daniel Santos, Ismael Rivera, Eddie Palmieri, Rolando La Serie, Tito Rodríguez, Las Estrellas de Fania, Lucho Gatica, Camilo Rodríguez, Tito Contreras, El Indio Araucano, Olga Guillot, Toña “La Negra”, Tongolele, Las Mulatas de Fuego de Cuba, Orlando Contreras, Alfredo Sadel, Roberto Carlos, Julio Iglesias, Marta Estela Paredes, Ruth Fernández, Danny Rivera, Rafael Cortijo, Libertad Lamarque, La Lupe y Bárbara Wilson. Vitin Paz también dejó huellas en Broadway, en donde trabajo en los siguientes espectáculos: “Barnum”, “Cabaret”, “Cats”, “Raisin in the Sun”, “Guys and Dolls”, “Sergeant Pepper”, “Liza Minelli: The Act”, y Marlene Dietrich. Convirtiéndose así en el más buscado de su tiempo para tocar con los mejores. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Sonero dominicano transplantado a Nueva York El 30 de agosto del año1957, nace Raulín Rosendo "El Sonero Enfadado" en Santo Domingo, República Dominicana. Exitoso sonero dominicano quien surgiera de la agrupación merenguera “Los Hijos del Rey” donde compartía con Fernandito Villalona.
El sonero dominicano transplantado a Nueva York y estrella de la salsa, Raulín Rosendo, nació en Santo Domingo el 30 de agosto de 1957. Influido por los ritmos de la música afro-antillana durante su infancia, comenzó su carrera a la edad de 12 años como miembro de un grupo de merengue, El chivo y su banda, que luego aparecería con actuaciones incluyendo a Fernandito Villalona, Conjunto Clásico y Los Vecinos. Conocido como "El sonero enfadado", Rosendo hizo su debut solista con "Salsa, Solamente Salsa" de 1991; en 1993 él estaba grabando en Nueva York con el productor Ricky González sus éxitos "Amor en secreto" y "Santo Domingo". El triunfo de los álbumes subsiguientes, incluyendo "¡Lo Máximo!", "Dominicano para el mundo" de 1996, ¡Contrólate!" de 1997, y "Llegó la ley" de 1998, lo puso entre los más grandes músicos de salsa del período. Luego vendría, "Donde me coja la noche" de 1999. De paso, hay que decir que "Donde me coja la noche" sigue siendo uno de los temas predilectos de este autor, El Caobo. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Tresista, percusionista, arreglista, compositor y director musical cubano El 30 de agosto del año 1911, nace Ignacio de Loyola Rodríguez Scull “Arsenio Rodríguez”, “El Cieguito Maravilloso”, “El Padre del Son Montuno” (1911 - 1970) en Matanzas, Cuba. Tresista, arreglista, compositor y director musical cubano. Auténtica leyenda, pionero y referencia indiscutible de la salsa. compuso alrededor de 2.000 temas salseros.
Arsenio Rodríguez, una de las más importantes figuras en la historia de la música cubana, fue un compositor prolífico, tresero, percusionista y líder de banda, cuyas innovaciones cambiaron la cara de la música bailable latina e hizo posible lo que eventualmente sería conocido como 'salsa'. Es considerado el padre del "conjunto", un formato instrumental que fue revolucionario para su tiempo porque introdujo el tambor de conga, que había sido previamente considerado prohibido por su origen africano. Sus composiciones, muchas de las cuales llegaron a ser típicas en los repertorios salseros de Cuba y Nueva York, enfatizan los elementos afrocubanos, esencialmente congoleses, en sus temas. Arsenio Rodríguez, descendiente de esclavos congoleses, nació el 30 de agosto de 1911 en Guira de Macurije en la provincial occidental de Cuba, Matanzas. A los siete años, Rodríguez quedó ciego por la patada de un caballo y sería más tarde conocido como "El Ciego Maravilloso". De niño, comenzó a tocar una variedad d einstrumentos, incluyendo tambores afro-cubanos y percusión, bajo, y tres, una guitarra cubana de seis cuerdas que llegaría a ser su instrumento principal. Algunos influencias importantes juveniles en el tres incluyen a Nene Malfugas, Isaac Oviedo y Eliseo Sirviera. Rodríguez comenzó a componer en su adolescencia y a comienzos de los años treinta formó El Sexteto Boston En 1937 se unió al Septeto Bellamar del trompetista José Interain. 1937 también vio las primeras grabaciones de las composiciones de Rodríguez; Miguelito Valdés cantaba "Bruca Manigua", "Ven acá, Tomás", y ""Funfuñando" con la Orquesta "Casino de la Playa". Durante este período el formato estándar para tocar son era el Setpteto, consistente en trompeta, quitarra, tres, bongoes, bajo, maracas y claves con dos o más miembros de la banda cantando. La tendencia general en los años treinta ha sido que el son se apartara en parte de sus raíces africanas, adoptando un sonido más apagado. Esto cambiaría totalmente a partir de 1940 cuando Rodríguez agregó tambor de conga, piano y una segunda (y hasta una tercera) trompeta al tipico ensamble de son , dando nacimiento al "conjunto". El formato del conjunto revolucionó el son con el agregado provisto por el tono profundo de la conga y el poder de la sección de trompetas. Por esta época, Rodríguez introdujo el son montuno, un son con una sección de montuno, donde se destacaban partes cantadas improvisadas (soneos) a cargo de la voz líder (sonero) sobre un coro repetido; solos de trompeta, tres y piano también eran frecuentes. Rodríguez es también el responsable, junto con Antonio Arcaño y Pérez Prado, de haber desarrollado el ritmo del mambo durantes este período. Otra innovación clave fue la adaptación de la bando del guaguancó en le formato del conjunto de baile. El guaguancó es un estilo afrocubano tradicionalmente ejecutado con voces y percusión; Rodríguez mezcló algunos de estos elementos formales y melodicios con los del son. Estas "afrocubanizaciones" del son están entre las contribuciones más duraderas e importantes de Rodríguez. El formato del conjunto, el son montuno y e lmambo son tres elementos esenciales de lo que luego se llamaría salsa. Los cuarenta fueron un periodo clásico en la carrera de Rodríguez y en la historia del son. Muchos de su más famosas composiciones se grabaron entonces, inclusive "A Belén le toca ahora", "La Yuca de Catalina", "Juventud Amaliana" y quizás su obra a más famosa, el bolero "La vida es un sueño" que fue escrita luego de un intento sin éxito de recuperar la vista en 1947. Entre los miembros de su banda durante los cuarenta hubo varias figuras claves en el desarrollo del son, tales commo los vocalistas Miguelito Cuní, Marcelino Guerra y René Scull, los trompetistas Féliz Cahppotin y Chocolate Armenteros, y la pianista Lilí Martinez. En 1953, Rodríguez se mudó a Nueva York, dejando a su conjunto en Cuba baja el liderazo del trompetista Chappotin, quien llegaria a ser una leyenda por derecho propio. Composiciones tales como "La Gente del Bronx" y "Como se goza en el barrio" continúan reflejando el don para escribir sobre cuestiones cotidianas. Su popularidad en Nueva York, si bien fuerte, nunca sería lo que había sido en Cuba. A mediados de los cincuenta fue lanzado el álbum "Sabroso y Caliente", donde agregó flauta y timbales al diseño del conjunto. "El Ciego Maravilloso" continuaría experimentando con diferentes instrumentaciones el resto de su carrera, a veces agregando uno o más saxos a su banda. A fines de los ’50, Rodríguez grabó "Primitivo" y apareció en el lanzamiento de Blue Note,"Palo congo", bajo el liderazgo del conguero Sabú Martínez y que tenía a sus hermanos y compañeros del conjunto, Quique y César Rodríguez. Este álbum incluye cantos de Palo congo, una religión afrocubana de origen congolés. A principios de los sesenta, Rodríguez grabó "Quindembo/AfroMagic", un albúm innovador y experimental en el cual escribió y cantó en todos las pistas. Rodríguez llamó a este estilo, que mezclaba influencias del jazz con son y más elementos religiosos afrocubanos autóctonos, "Quindembo", una palabra congolesa que significa una mezcla de muchas cosas. En sus años finales continuo experimentando, desarrollando un estilo que el llamó "swing son". El último disco grabado por Rodríguez fue "Arsenio Dice", un lanzamiento de 1968 para Tico. El 30 de diciembre de 1970 murió de neumonía en Los Ángeles. Como compositor, interprete y experimentador musical, Arsenio Rodríguez fue uno de los gigantes indudables de la música cubana. En los Estados Unidos, fue una decisiva influencia en el movimiento típico de los años ’60 y ’70, y su experimentación apuntaba a algunos de los desarrollos por los más aventurados arquitectos de la salsa, como Willie Colón. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El director y fundador del Gran Combo de Puerto Rico El 29 de agosto del año 1926, nace Rafael Ithier en Río Piedras, Puerto Rico. Brillante y talentoso pianista, compositor, arreglista, productor y director fundador de la Universidad de la Salsa “El Gran Combo de Puerto Rico”. Ex integrante de “Cortijo y su Combo”. Don Rafael Ithier es por mérito propio una auténtica leyenda viva de la salsa mundial.
La guerra de Corea era inminente. El joven soldado puertorriqueño Rafael Ithier, al servicio del ejército norteamericano, temía ser enviado al campo de batalla. Lo suyo era la música. Había sido pianista de varias agrupaciones en su natal San Juan antes del servicio militar. Su misión en esa época (año 1950) era organizar una orquesta para amenizar las fiestas de la base militar. Pero el grupo no progresaba porque el soldado con alma de músico no apuraba el acople de la incipiente banda. Quería ganar tiempo. “Lo siento mi sargento, el grupo no está listo para presentarse”, decía Ithier cada vez que lo requerían. Al final, su astucia lo salvó de la guerra. Varios de esos músicos conformarían luego la banda Borinqueña Mambo Boys. A partir de entonces Ithier se ganaría la vida en un piano. Con esa misma astucia, y después de seis años gloriosos y una dolorosa separación del Combo de Cortijo, uno de los conjuntos más exitosos de la música antillana, este músico autodidacta fundó al Gran Combo de Puerto Rico. Llamó a varios de los mejores músicos del desaparecido Combo y a dos cantantes muy jóvenes: Andy Montañez y Pellín Rodríguez. El 26 de mayo de 1962 marca la fecha de nacimiento de la orquesta, convertida hoy en una leyenda viviente del género, con 48 años de vigencia en el pentagrama musical de la salsa y 57 producciones discográficas. Desde su primera presentación en el salón Rock and Roll de Bayamón (Puerto Rico) el Gran Combo revolucionó la música antillana con un ritmo de clave innovador para entonces, que apuntaba al oído del bailador. Las letras jocosas de sus canciones en el vozarrón de Andy Montañez y de Pellín Rodríguez impactaron de entrada. A eso se sumaron una imagen fresca y sus vistosas coreografías, que pronto le dieron una identidad propia a la banda, en tiempos en que las orquestas proliferaban. Para su fundador, “la fidelidad a un estilo original, pero al mismo tiempo la adaptación a la evolución musical y la disciplina de grupo nos han permitido llegar hasta donde estamos hoy”, dice el director del grupo, de 84 años de edad. Con esta fórmula sobrevivieron a los tiempos difíciles de la industria, el género y el paso de los años y las modas. Uno de los momentos difíciles que recuerda Ithier fue cuando en los años setenta partieron las dos voces insignia del grupo. Según el músico, “muchos decretaron la muerte del Gran Combo”. Pero de nuevo la sapiencia del director salió a relucir al encontrar dos voces que se acoplaron al estilo de la banda. La llegada de los nuevos cantantes (Jerry Rivas y Charlie Aponte) refleja el conocimiento y liderazgo de Ithier para manejar su orquesta. Cuando Rivas, blanco y rubio, se presentó en reemplazo del estelar Andy Montañez, los demás músicos, la mayoría morenos, lo miraron con recelo. Ithier, con su tradicional buen humor, les salió al paso: “Ustedes quédense tranquilos, es un negro pintado de blanco”. En la cúspide del éxito hoy pocos recuerdan las vicisitudes para consolidarse, tras la desintegración de Cortijo y su Combo (por indisciplina de los músicos, entre ellos Ismael Rivera), de donde procedía la base de músicos del Gran Combo. Ithier recuerda cómo fueron tildados de “traidores” por el público y el medio musical. “Varias veces nos contrataron en clubes y cuando llegábamos a tocar y nos veían nos cerraban las puertas. Fueron tiempos difíciles, no teníamos ni dónde ensayar”. La orquesta estuvo a punto de desaparecer, cuenta su director, quien desilusionado se encerró en su casa, decidido a abandonar la música. “Los músicos me fueron a buscar y después de rogarme que dirigiera un tiempo, regresé. La verdad es que con tantos problemas pensé que el grupo duraría uno o dos años como máximo y mira donde estamos ahora”, confiesa Ithier. Pero la constancia, la férrea, pero amistosa disciplina y el virtuosismo de los 14 integrantes del grupo dieron sus frutos. Solo en 2005 se presentaron en 137 en todo el mundo. Ya son 48 años los que cumplen Los Mulatos del Sabor, La Bandera Musical de Puerto Rico o la Universidad de la Salsa, apelativos con los que se conoce al legendario grupo. La exitosa vida musical del Gran Combo de Puerto Rico está ligada en cada nota musical al estilo y la personalidad de su director y fundador Rafael Ithier. Este pianista se califica como un músico autodidacta que nunca pasó por un conservatorio. Su escuela musical fue la calle y su disciplina para aprender de los músicos de su época. Ithier, nacido en Río Piedras (Puerto Rico), en 1926, ha probado a lo largo de 63 años de carrera ser un visionario de la música latina. En los años sesenta, cuando fundó la agrupación, cimentó su propio estilo con base en los ritmos que dominaban la escena musical de la época como el bogaloo, el jala-jala, la bomba y la plena. En cuanto a él, siempre fue un pianista clásico. En los años setenta entendió el nuevo rumbo que tomó la música antillana, ya denominada salsa y se adaptó a los cambios. Introdujo el trombón a la sección de vientos para darle un sonido moderno. Treinta años después, cuando surgió la corriente de la salsa romántica el Gran Combo supo mantenerse vigente y trabajó en esta línea, aunque sin perder su estilo, pero aún así las críticas llegaron. “La música evoluciona como todo y nosotros nos adaptamos a los cambios. Muchos ortodoxos del género no lo aceptan y nos criticaron, pero por esta razón muchas orquestas desaparecieron”. Sin embargo, Ithier es uno de los defensores de la salsa clásica y un crítico de la llamada salsa monga (romántica), hoy en decadencia por el resurgimiento de la salsa dura. ”A esos chiquitos les falló la fórmula. No sabían lo que era la clave y le quitaron todo el sabor a nuestra música, todos hacían lo mismo y eso espantó al bailador. Hasta decían que la clave era un atraso en la música”. En los círculos del género y la industria musical latina, su influencia es más que reconocida. Fue a Ithier a quien buscó Gilberto Santa Rosa para pedirle consejo y apoyo para convertirse en solista tras pasar por orquestas como la de Willie Rosario. En la actualidad Rafael Ithier continúa en la dirección del Gran Combo y no tiene planes de retiro, aunque hace tres años no se sienta al piano debido a la pérdida de audición, según el mismo, “por una enfermedad mal cuidado por no dejar de viajar con la orquesta”. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Virtuoso bajista, chelista, pianista, arreglista, compositor y director musical. Hermano mayor de Cachao. El 29 de agosto del año 1908, nace Orestes López (1908 - 1991) en La Habana, Cuba: Virtuoso bajista, chelista, pianista, arreglista, compositor y director musical de destacada participación con “Antonio Arcaño y sus Maravillas”. Hermano mayor de Israel “Cachao” López. (También, se ha reportado la fecha de su nacimiento como el 28 de agosto.)
Con su madre estudió solfeo. Con su padre, el contrabajista Pedro López, estudió el contrabajo y con Fernando Carnicer estudió armonía y piano. En 1922 tocó su primer baile en la Sociedad El Pilar. Más tarde integró la orquesta de Miguel Vázquez (El Moro), y en 1924 trabajó como contrabajista de la Orquesta Filarmónica de La Habana, que dirigía el español Pedro Sanjuán. Fue cellista de la Orquesta de Armando Valdespí; contrabajista de los hermanos Contreras y de la orquesta de Armando Romeu, y en 1930 de la de Ernesto Muñoz Justiniani. También fue pianista de la Ideal, de Joseíto Valdés. A fines de la década del 20 fundó su primera agrupación. En 1933, la orquesta López-Barroso, integrada también por Raúl Valdés, Irael López (Cachao), Manolo Morales, Juan Pablo Miranda, Abelardo Barroso, Dargelez, Ángel López, y Abelardo Valdés. Gozó de gran popularidad en la década del 30, cuando estaba de moda el danzonete y Abelardo Barroso en el apogeo de su carrera artística. A mediados de la década del 30 creó la Orquesta Unión. Después, en 1937, integró la orquesta Arcaño y sus Maravillas, hasta su disolución en 1958, cuando pasó definitivamente a la Filarmónica. En la agrupación de Arcaño contribuyó a crear el danzón de nuevo ritmo. Para Orestes López, mambear quería decir: "Hacer otro danzón con el mismo ritmo del mambo. La primera parte del danzón era la del clarinete, la segunda la del violín, y, por último, la del mambo. Introduje el ritmo con el propósito de enriquecer los grupos musicales, porque antiguamente tocaban la parte final muy cortica, y no daban oportunidad a que ningún instrumento se luciera, ni a que los bailadores disfrutaran. Con la existencia del mambo ya comenzó un estado de ánimo diferente entre los bailadores: esperaban esa parte contentos de que fuera largo y sacaban pasillos... [...]." https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Bravo sonero de destacada participación con “La Orquesta Mulenze”, “La Puerto Rican Máster” y su propia orquesta El 28 de agosto del año 1952, nace Pedro Brull Irizarry “Pedro Brull”, “El Sonero del Peso Pesado” en Bayamón, Puerto Rico.
En 1979 tuvo la oportunidad de trabajar con el maestro Bobby Valentín, y fue entonces que conoció a Edwin Morales y la Mulenze, porque ellos estaban grabando en su estudio. Ese mismo año, grabó con la Mulenze y al siguiente año empezaron a trabajar juntos, lo que se prolongó hasta el 2004. Grabó con la Mulenze unos quince o dieciséis discos, además de hacerlo con Don Perignon y en otros trabajos que reunían a varios cantantes, y que le sirvieron para poder difundirlo a nivel internaciona”. Con la Mulenze grabó temas que se hicieron éxitos como Al pasar los años, Anoche aprendí, Me vinieron a decir, Para ti bailador, Mi negrita, Yo prometo, Con pocas palabras basta, Te damos las gracias, Puede, Buscando aventuras y otras más. Tuvo mucho éxito con la Mulenze. Llega un punto en el que cada cantante desea ser solista. La Mulenze siempre hizo cosas increíbles, pero hacía buen tiempo que no grababan nada, y Pedro tenía el deseo de hacer lo suyo. No existió nada personal en la decisión, porque Edwin Morales quien es director del conjunto es su compadre y consideró a cada uno de los integrantes de la orquesta como parte de su familia. La Mulenze sigue, porque el único que se salió fui Pedro; y tienen ahora un cantante talentosísimo que se llama Juan García. Entonces, Pedro Brull, llamado ‘El sonero de peso completo”, no sólo por su voluminosa figura, sino por la gran talla de su voz y su talento, se despidió de La Mulenze, para abrirse paso como solista, de la mano nada menos que de un caballero, el gran Gilberto Santa Rosa. "Soy el conejillo de indias de Gilberto Santa Rosa. Ahora canto en tonos más altos", dice ‘El sonero de peso completo’, quien tiene entre sus compositoras a la caleña María Isabel Saavedra. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 25 de agosto del año 1955, nace Jerry Louis Rivas Díaz “Jerry Rivas” en Tampa, Florida, pero a los 5 años se mudó a Puerto Rico y se crió en Cataño. Desde los 13 años vive en Bayamón.. Bravo y destacado sonero a quien le tocó reemplazar a Andy Montañez en “El Gran Combo de Puerto Rico”.
Se inició en la música a los 12 años de edad tocando rock con sus amigos en las fiestas de marquesina. Su formación musical es autodidacta y, además de cantar, toca guitarra, cuatro y tres. En su adolescencia ingresó al grupo Complicación como guitarrista y permaneció por tres años. Fue fundador del Conjunto Chaney en 1974. Este grupo surgió de "un golpe de Estado" que el músico y otros compañeros dieron al conjunto Cojoba, en el que participó de 1972 a 1974. Jerry Rivas se integró a El Gran Combo el 19 de abril de 1977, en sustitución de Andy Montañez, que había abandonado el grupo luego de aceptar una oferta en Venezuela para cantar con el grupo Dimensión Latina. "Curiosamente, quien me recomienda con Rafael Ithier fue don Quique Lucca, que me conocía porque me había escuchado cantar cuando estaba con (la orquesta) Latin Brass. Un día me llamó el (fenecido) timbalero Mike Marrero y me dijo que Rafa (Ithier) me quería ver y yo pensaba que era un vacilón, hasta que él me llamó y me regañó porque me estaba esperando y no llegaba", narra el cantante. En su primera cita con el director de El Gran Combo cantó el merengue "Compadre Pedro Juan". Luego fueron a un estudio de grabación, le pusieron una pista y cantó, mas los compañeros del grupo que lo escucharon no quedaron muy complacidos. "Aquel día los muchachos opinaron que era muy blanco y por eso Rafa decidió reunirlos y les puso un demo que yo le había dado. Los mismos que no habían quedado convencidos conmigo, preguntaron que quién cantaba y Rafa les contestó que era el mismo blanco que habían rechazado el día anterior", sostiene. Sus inicios con la orquesta no fueron fáciles, sobre todo por la asociación que le hacían con Andy Montañez. Pronto la percepción fue cambiando al lograr sus primeros éxitos: "Buscando ambiente", "Qué falta de respeto", "Pide perdón" y "No necesito nada", incluidos en el disco del 15 aniversario del grupo. Desde entonces su aportación a El Gran Combo ha sido monumental, dejando a su paso una secuela de éxitos que abonan al enriquecimiento del repertorio salsero de Puerto Rico y el mundo. Su primer éxito internacional fue "La clave y el bongó", incluido en el álbum "El Gran Combo en Las Vegas". Luego llegó "El menú", del disco "Happy days", con el que se consagró como figura salsera. Ha grabado por lo menos 30 discos con El Gran Combo. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 24 de agosto del año 1967, nace Luis Quintero “Luisito” en Caracas, Venezuela. Destacado y virtuoso percusionista que ha trabajado con “Orquesta de Oscar de León”, “Orquesta de la India”, “Orquesta de Marc Anthony”,“Black Sugar Sextet”, “Pornoson” entre otros.
Quintero es un timbalero que se destaca sobremanera del resto y que no es segundo de nadie. En efecto, Quintero, es un apellido relacionado directamente con la música, la calidad y el swing. La dinastía Quintero esta conformada por Doña Zoila de Quintero y Vicente Armando Quintero, y de esta unión nacieron seis hijos, cinco varones y una hembra. El primero es Luis Quintero, amante de la percusión y las cuerdas, su segundo hijo es Carlos "Nené" un excelente músico y percusionista, muy solicitado al momento de forma una agrupación o de hacer una banda, el tercer hijo fue Ricardo, ejecutante del tres, la guitarra, el bajo, compositor y cantante, Jesús "Chú" Quintero es su cuarto hijo, considerado por muchos un músico completo, multiinstrumentista y cantante. El quinto es Rafael, por supuesto que músico nato, compositor, sonero y que se ha ganado el corazón de los franceses y por último Rosalía su sexta hija, la cual a trabajado como corista de grandes luminarias, se casó con nuestro amigo el bongosero Charles Peñalver. Doña Zoila falleció en 2003 y todos sabemos que ahora está al lado de su esposo y sus hijos Ricardo y Jesús " Chú", fallecidos en la tragedia del Orinoco, el 15 de Agosto de 1980. Luis Quintero Jr., nació en la populosa barriada caraqueña de San Agustín, un 24 de Agosto de 1967, sus padres Luis Quintero Sr. y María Vega de Quintero. Sus primeros pasos fueron en el ambiente de la parranda, gaita y aguinaldos en una agrupación llamada "Los Supertrema", de su tíos Ricardo y Jesús. Pasa luego a la agrupación dirigida por Jesús Blanco "Totoño" y llamada "La Nueva Generación", donde ejecutaba el bongó y el timbal siendo un niño de tan solo a ocho años de edad. Luego sale a formar parte de la orquesta de Manuel Guerra denominada "Fa Menor". De allí, con tan solo 12 años de edad, pasa a formar parte de una de las orquestas más representativas y con mayor vigencia, El Trabuco Venezolano. Luego forma parte de la Orquesta denominada "Siete Cuero", con Alberto Borregales y otros. Un día en una de esas descargas la cual era parte del show, motiva al músico y director del Grupo Daiquiri Alberto Slezynger, quien estaba presente como publico y lo motivo a componer el tema, "Chamito Candela". Este se convierte en un éxito y con la participación de Luisito, dejando escuchar los solos magistrales de ese chamaquito. Luego forma parte de la orquesta del sonero del mundo, Oscar D´Leon. Con éste duró aproximadamente 10 años, haciendo paralelamente grabaciones para otros músicos de la época como Yordano, Ilan, Ildemaro, Evio de Marzo y otros más. En esos diez años, fueron muchos los países visitados y mucha la experiencia ganada. Vale destacar que Oscar se convirtió en un padre adoptivo, su tutor y hasta tuvo que firmar un permiso para poder viajar al extranjero. En uno de eso viajes, visitaron la isla de Cuba. Estando en Cuba, Luisito se enferma de neumonía, por supuesto que esto llama la atención de todo el personal del centro médico, pues el solo hecho de ver a Oscar allí pendiente de su hijo, era ya un gran acontecimiento. En 1987, graba su primera producción titulada "Luis Quintero" donde lo acompaña el sonero venezolano Antonio Ramos "Yeci", como voz líder toda la grabación fue para el sello discográfico Sonográfica. En 1992, fija residencia en Nueva York, donde realiza trabajos para grandes luminarias como Natalie Cole, David Sanborn, Diana Kroll, George Benson y muchos otros. En 1993, se convierte en el director musical de La India, una relación de trabajo y sentimental que duró siete años. Quintero admiró siempre al desaparecido Ernest "Tito" Puente, onsiderado como uno de los mejores percusionistas del mundo al lado de Giovanni Hidalgo, Pequeño Johnny , Raphy Irizarry, Nicky Marrero, Tito de Gracia, Marc Quiñones, Bobby Allende, Jimmy Delgado y otros. Quintero también ha grabado al lado de Gonzalo Rubalcaba, La Combinación Perfecta, Isidro Infante y La Élite, Celia Cruz, Tito Puente, Isaac Delgado y muchos otros. En 2004 se convierte en director musical de la agrupación de Jerry Rivera. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 23 de agosto del año 1915, nace Graciela Pérez Grillo “Graciela”, “La 1era Dama del Latín/Jazz” (1915 - 2010) en La Habana, Cuba. Hermana menor de Frank Grillo “Machito” y quien lo acompañara con “Machito y sus Afrocubans”. Fundadora de la Orquesta de mujeres “Anacaona” y auténtica referencia del son y el Latín/Jazz.
Graciela Pérez Grillo creció en Jesús María, un barrio afrocubano. Comenzó a cantar desde temprana edad, animada por su hermano mayor adoptivo, Frank “Machito” Grillo, e inspirada por músicos que pasaban por allí. A los 17 años se unió a la pionera orquesta femenil Anacaona, grabando y viajando al extranjero a lugares como Puerto Rico, Nueva York y París. En 1943, el director de orquesta Mario Bauzá la llamó a la Ciudad de Nueva York para reemplazar provisionalmente a Machito en su orquesta Machito and his Afro-Cubans, porque éste había sido reclutado por el Ejército de los Estados Unidos. Un año después cuando él regresó, Machito y Graciela comenzaron a compartir el role de primera voz, formando una relación de colaboración que duraría más de tres décadas. Con Machito y Bauzá, Graciela fue reconocida nacionalmente en los Estados Unidos, interpretando para artistas del jazz como Stan Kenton y Dizzy Gillespie. Machito and his Afro-Cubans fue una de las primeras grandes orquestas que incorporó ritmos latinos en los arreglos de jazz, logrando el reconocimiento popular para este nuevo estilo del mambo. Graciela fue quizás la primera mujer que infiltró el mundo del jazz latino dominado por hombres. En 1950, Machito y Graciela triunfaron en el escenario del famoso Palladium Ballroom junto a otros como Tito Rodríguez y Tito Puente, tocando para públicos no segregados. En 1963, después de grabar numerosos álbumes con Machito and his Afro-Cubans, ella hizo su debut como solista conEsta es Graciela, y le siguió con Íntimo y Sentimental en 1965. Ambos álbumes tuvieron éxito comercial. En 1973 Graciela y Bauzá se separaron de Machito, formando una nueva gran orquesta que recogería múltiples nominaciones al premio Grammy a lo largo de los años 1970 y 1980, hasta la muerte de Bauzá en 1993. Graciela continuó grabando esporádicamente después de su retiro en 1993 y su álbum Inolvidable obtuvo una nominación al premio Grammy en 2005. En 2007 Graciela fue honrada con el Premio Grammy Lifetime Achievement Award. Conocida como la “Primera Dama del Jazz Latino” y “Reina del Jazz Afro-Cubano”, Graciela murió a la edad de 94 años en 2010. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com #ElCaobo | #HistoriadelaSalsa
El 22 de agosto del año 1942, nace José Luis Pastrana Santos “Joey Pastrana” en Santurce, Puerto Rico. Bravo y original percusionista, compositor y director musical. Auténtico pionero del genero bogaloo con “Joey Pastrana y su Orquesta”.
La década de los 60’s desencadenó una interesante oleada de propuestas y paradigmas en el escenario mundial de las artes. Ya el desarrollo tecnológico comenzaba a dar algunas luces. Observar la posibilidad de llegar a conquistar la luna, fue tan sorprendente como la hazaña musical planetaria alcanzada por aquellos cuatro excéntricos chicos de Liverpool. Y vaya que sí hubo cambios. La avanzada musical definitivamente sería otra a partir de aquellos días. Era el preludio de un “Woodstock” girando en torno a una joven generación de talentos, que sin dejar de ser leales a sus raíces latinas, definieron muy bien su concepto musical como auténtica expresión del Harlem de Nueva York. Así surgiría el Boogaloo y el Shingaling, como una corriente con claros elementos del Pop moderno fusionada con un evidente aire de ritmo cubano. En el ambiente del “Latin Soul” americano, un grupo de jóvenes había tomado por asalto un nuevo reducto musical con personalidad propia. En consecuencia, la propuesta presentaría una opción de baile como interpretación local. Se insiste en que la inspiración parte de una “Guajira in Blue”. Como quiera que sea, algunos de estos noveles músicos —que se habían nutrido de las influencias de los tres grandes y las clásicas orquestas cubanas de los 40’s y 50’s- intuyeron la necesidad de tender un puente, entre el cadencioso ritmo afrocubano, y el abrumador movimiento Pop americano, donde este último en particular centraría su intención de ritmo en un atractivo sentido hacia el baile. El éxito del ritmo era el producto de su propia figura de baile. Y esto no es sólo un axioma comercial discográfico. Los negros americanos y los descendientes de latinos en NYC habían encontrado un modo común de interpretar su propia mezcla rítmica y vocal: el Boogaloo. Joey Pastrana es uno de aquellos legendarios chicos que a mediados de la fulgurante década de los 60’s, dirigió su dotación y estilo de banda hacia la interpretación del moderno acento de “Latin Soul” conocido como Boogaloo. Es probable que cualquier conjunto clásico de Salsa de NYC de aquella época pudiera fácilmente —y con toda propiedad— interpretar y ejecutar los rudimentos del Boogaloo; sin embargo, no todas las agrupaciones nacientes del género Boogaloo podían hacer lo mismo frente a los ritmos cubanos usualmente abordados en la “Salsa”. No obstante, Joey Pastrana sería una excepción. Él supo mantener un discreto equilibrio en su interpretación de ambos géneros. Tal vez su “Rumbón Melón” se ha convertido en una de las más difundidas antologías del sonido tradicional de la Salsa de NYC. El reconocido músico y director de orquesta venezolano, Johnny Sedes, en una entrevista para la radio expresó: “La aparición de los temas ‘Fango’ y ‘Rumbón Melón’ fijaron las directrices de cómo tenía que ‘sonar’ la Salsa de NYC. A partir de estos temas, algunos conjuntos del Son Moderno de Nueva York (Salsa) siguieron esa ruta: el tipo de sonido, arreglos, acento, estilo, dotación, etc”. Particularmente pienso que esta reflexión del Maestro Johnny Sedes es digna de ser apreciada y valorada en su contexto. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com #ElCaobo | #HistoriadelaSalsa
El 22 de agosto del año 1928, nace Pacho Alonso en Santiago de Cuba, Cuba). Virtuoso guarachero y sonero que se inicia con la “Orquesta Chepín Chovén”, “Orquesta Jazz Band de Mariano Mercerón” y sus Banda “Pacho Alonso y sus Modernistas”, “Pacho Alonso y sus Bocucos”, “Pacho Alonso y sus Pachucos”.
Excelente vocalista de extraordinaria afinación, fraseo y métrica perfecta al cantar. creador de un estilo propio, lo mismo para cantar boleros que los ritmos bailables, especialmente el son. Fue también un sobresaliente director de orquesta y de diferentes agrupaciones musicales. Interpretaba una especie de estampas musicales costumbristas que relataban momentos y personajes de su ciudad natal. Llegó a marcar un estilo “a lo Pacho”. Desde muy pequeño comenzó a hacer presentaciones con una compañía de teatro infantil que actuaba en el antiguo Teatro Coliseo de su ciudad natal. Su debut artístico profesional se produjo en 1945 en un programa de la emisora CMCK, en Santiago de Cuba, al sustituir a un hermano. Le siguieron entonces las presentaciones de la Cadena Oriental de radio CMKW. Antes de ser artista, ejerció el magisterio y fue en las aulas de primaria donde comprendió que su verdadera vocación estaba en el escenario y el pentagrama. A los 18 años conoció a José Antonio Méndez, quien lo presentó en la conocida Emisora Mil Diez de La Habana. De regreso a Santiago concluyó los estudios de magisterio, sin abandonar sus actuaciones en Cadena Oriental de Radio. Accedió al mundo soñado en 1951 al ser contratado como vocalista en la orquesta de Mariano Mercerón, ocasión en que grabó sus primeros discos. También eran cantantes de esta orquesta en esa época Fernando Álvarez y Benny Moré. Pacho era el cancionero; Fernando, el bolerista y Benny, la estrella; popularmente conocidos como Los tres Mosqueteros. El primer grupo creado por el músico se denominó Pacho Alonso y sus Modernistas en 1952, con residencia en Santiago de Cuba. Esta agrupación se reestructuró cuatro años después y ya en La Habana cambió su nombre por el de Pacho Alonso y sus Bocucos y más tarde creó otra agrupación: Pacho Alonso y sus Pachucos. A mediados de la década de los cincuenta grabó su primer disco: Cha-Cha-Cha de la Reina, exitosa creación de Enrique Bonne acompañado por la orquesta de Mercerón. En 1957 se radicó en la capital de la Isla, y amenizó bailables en centros nocturnos y sociedades de recreo; paralelamente se presentaba en radio y televisión. Cantó también en los carnavales capitalinos. A fines de 1958, llegó a la cima de la popularidad con Enfermo del Alma y Dame un chance de Electo Rosell Chepín. Entre los éxitos más importantes de Pacho Alonso a lo largo de toda su carrera se incluyen Yo no quiero piedra en mi camino, de Enrique Bonne, y los boleros Imágenes, Tú no sospechas y Nieblas del riachuelo, temas grabados por la disquera RCA Víctor, que en 1960 le otorgó el Disco de oro por La Pachanga, de gran popularidad entonces en Cuba y otros países de la América Latina, principalmente Colombia. Una noche en el Scheherezada fue su primer disco de larga duración, en el que se muestra como uno de los más grandes cultivadores del bolero y enseguida le siguió Que me digan feo. La agrupación Pacho Alonso y sus Bocucos trabajó estrechamente con Faustino Oramas, el Guayabero, Ibrahim Ferrer y Carlos Querol. Con Enrique Bonne, incorporó un nuevo ritmo: Pilón, modalidad con antecedentes en el órgano oriental, y toma su nombre del instrumento donde se descascara el café. En 1967 forma un nuevo grupo llamado Pacho Alonso y sus Pachucos, dando muestras de su gran versatilidad y destacada creatividad. El dueto Bonne-Alonso logró que nuevas modalidades gozaran de popularidad, como el ritmo Simalé y el UPA UPA, aunque nunca con el extraordinario éxito del Pilón. Pacho Alonso cosechó aplausos viajando por varios países de América, Europa y África. A finales de los años setenta incorporó a su hijo Pachito, ya destacado pianista y arreglista, a quien entregó la conducción de la orquesta antes de su repentina muerte. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com #ElCaobo | #HistoriadelaSalsa |
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