El 26 de septiembre del año nace Ray Rodríguez en Aguadilla, Puerto Rico. Excelso saxofonista, flautista, líder y director de “Swing Sabroso”.
Ray Rodrígueznació en Aguadilla, Puerto Rico, el lugar de nacimiento de Rafael Hernández, principal compositor de Puerto Rico, y se crió en la ciudad de Nueva York, en Spanish Harlem, tierra natal de Tito Puente, Ray Barretto y muchos otros iconos de la salsa A temprana edad, comenzó su carrera musical y se fue a estudiar en el famoso Conservatorio de Música de Brooklyn, donde se especializó en teoría de la música, contrapunto, armonía y arreglos. Posteriormente, siguió estudiando en Bronx Community College y con instructores privados. Ray también vivió en Brooklyn Nueva York y desde el 1980 hasta el 1988 era líder de "La Herencia Latina", una orquesta de 13 músicos radicada en Brooklyn que grabó para RCA International con mucho éxito. Ray ha tocado y grabado como acompañante con muchas orquestas de Nueva York y Nueva Jersey, pero se siente más cómodo como el líder de su propia orquesta que ha sido por la mayoría de su carrera musical. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 26 de septiembre del año 1934, nace Frank Hernández “El Pavo Frank” (1934 - 2009) en Villa de Cura, Venezuela. Legendario y decano percusionista venezolano de extraordinaria participación en múltiples bandas como “Orquesta Habana Cuban Boys”, “La Orquesta de Pedro José Belisario”, “La Orquesta del Maestro Luis Alfonso Larrain”, “Orquesta de Tito Puente”, “Orquesta de Jose Fajardo”,“Orquesta de Pérez Prado”. Auténtico ícono de la salsa y el jazz latino.
A los 12 año, El Pavo se mudó a Caracas y al poco tiempo empezó a estudiar batería con Germán Suárez. A los 15 debuta en la orquesta de Manuel Ramos y, por su corta edad, sus compañeros le bautizaron con el nombre que lo identificaría profesionalmente: "El Pavo Frank". En 1953 integró la orquesta del afamado músico y director venezolano, Aldemaro Romero. También trabajó con los maestros Jesús "Chucho" Sanoja, Luis Alfonso Larrain, Ha alternado con Tito Puente, "El Rey del Timbal"; Dámaso Pérez Prado "El Rey del Mambo"; Mongo Santamaría, Machito, Dizzie Gillespie y Chick Corea, entre otras grandes celebridades. Es uno de los grandes percusionistas de Venezuela y ha contribuido enormemente con la salsa, el jazz y el jazz latino como géneros musicales. En Venezuela ha sido reconocido con importantes premios en reconocimiento a su dilatada y excelente carrera musical. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 23 de septiembre del año 1942, nace Wuelfo Gutiérrez López (1942 - 2005) “El Último de los Matanceros” en La Habana, Cuba. Bravo sonero de destacada participacion con “La Sonora Matancera”, “La Banda de Javier Vásquez” y“Orquesta Harlow”.
Desde muy joven, Wuelfo empezó a participar en un cuarteto cubano infantil donde sirvió de cantante, pero sus mejores momentos llegaron después de irse de su linda patria para Estados Unidos en el inicio de la década de los sestenta donde trabajó con unas cuantas bandas pequeñas antes de integrar la recién formada banda del pianista Javier Vázquez en 1966. Fue con la banda de Vázquez que Wuelfo hizo sus primeras grabaciones en solitario. Durante este mismo época, grabó con la orquesta del judío maravilloso, Larry Harlow. En 1973, Wuelfo y Javier Vázquez integraron la Sonora Matancera, donde Wuelfo tuvo la oportunidad de destacarse como la estrella que era. Con el celebrado conjunto Gutiérrez grabó un total de 20 temas entre los que se recuerdan son A burujón puñao, La hija de Lola y El alacrán. En 1976, Wuelfo dejó la Sonora Matancera y se fue para México donde residiría permanentemente. Creó su propio grupo en la capital de México y por muchos años produjo varios álbumes e hizo muchas presentaciones. En México, llevó una vida artística muy activa. Wuelfo partició en la celebración de 50 aniversario de la Sonora Matancera,.en una gira que llevó al grupo a través de varios países. Tambén formó parte del selecto elenco de invitados que se presentó en los conciertos “65 Aniversario de la Sonora Matancera”, realizados en Carneqie Hall y el Central Park el primero y 3 de junio del año 1989, respectivamente. Falleció la tarde del martes 31 de mayo a consecuencia de un "accidente cerebro-vascular", según informaron fuentes del Hospital de Oncología del Centro Médico Nacional Siglo XXI. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Trompetista, compositor, director musical y vocalista; pionero de la evolución de la salsa puertorriqueña El 22 de septiembre del año 2006, muere Ángel Tomás “Tommy” Olivencia Pagán (1938 - 2006) a los 68 años. Trompetista, compositor, director musical y fundador de “La Primerísima de Puerto Rico” también reconocida como“La Escuelita” por la enorme cantidad y calidad de Soneros y Músicos que han desfilado por ella.
Tommy Olivencia fue pionero en la evolución de la puertorriqueña. Su legendario combo, La Primerísima, fue la plataforma de lanzamiento para futuras estrellas incluyendo a Frankie Ruiz, Gilberto Santa Rosa, y Marvin Santiago, entre otros. Nacido el 15 de mayo del año 1938 en la sección de Santurce, San Juan, Puerto Rico, Ángel Tomás Olivencia Pagán pasó gran parte de su adolescencia en la ciudad de Arecibo, donde aprendió a tocar la trompeta. Por su adolescencia, era un elemento básico de las orquestas de baile locales, y en 1960 fundó su primer grupo, La Primerísima Orquesta de Puerto Rico. Con su fusión de los metales con el swing y los ritmos latinos, La Primerísima emergería como la banda puertorriqueña premier de su generación, tanto por su sonido influyente, como su elenco virtuoso. En cuanto a cantantes y soneros, en varios momentos Olivencia empleó a cantantes y soneros de la talla de Chamaco Ramírez, Sammy "el Rolo" González, Simón Pérez, Paquito Guzmán, Ubaldo "Lalo" Rodríguez, Héctor Tricoche, Carlos Alexis, Héctor "Pichie" Pérez, Paquito "junior" Acosta, y Mel Martínez, efectivamente la nata de la formación de la salsa de la época. Al momento de firmar con el sello Inca, Olivencia anotó su primer gran éxito en 1972 con "Secuestro", el cual dio paso a una sarta de exitazos como Juntos de nuevo (1974) y Planté bandera (1975). El un lapso de cuatro décadas, grabó cerca de dos docenas de discos, deleitando a su público con clásicos como Casimira, Como lo hace, y Trucutú. En agosto de 2000, celebró su 40 aniversario con una presentación especial de La Primerísima en el Teatro Tito Puente en San Juan. Murió de insuficiencia cardíaca y renal en su casa en Carolina el 22 de septiembre de 2006. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Milton Cardona (1944 - 2014); percusionista de renombre Según las publicaciones de varias personas respetadas que acabo de leer en los medios sociales, lamento reportar que parece cierto que ha fallecido Milton Cardona (1944 - 2014), llamado el "Latin New Yorker" por algunos. Este gran percusionista participó en más de 700 grabaciones a lo largo de su carrera con otros artistas de renombre como Cachao, Celia Cruz, Eddie Palmieri, Larry Harlow, Willie Colón, Héctor Lavoe, Frankie Dante, Jerry González, Johnny Colón, el director cinematográfico, Spike Lee y muchos más.
No he encontrado la corroboración de esta triste noticia en los medios de comunicación convencionales. Por lo tanto, los detalles que rodean su muerte, de ser cierto, no se conocen en el momento, al menos no son conocidos por mí. En su juventud, Milton Cardona estudió el violín durante 7 años y después trabajó como bajista profesional. Sin embargo, a fin de cuentas, las descargas callejeras en Nueva York acabaron por atraerlo a la percusión, siendo la música de Mongo Santamaría su gran influencia. Cardona fue eminente entre los percusionistas y directores de orquesta que han desarrollado nuevos conceptos personales basados en la música afrocaribeña tradicional y el jazz. Por un lado, mezclaba los sonidos de Puerto Rico con los de Manhattan, y por otro mezclaba los ritmos yoruba y orishas del culto Santena con un innovador estilo vocal así a veces evocando el canto "doo wop" de los años 50. Sus principales instrumentos, aparte de las congas, fueron las batás, un tambor de doble cabeza, una a cada extremo de un barril estrecho, que se toca horizontalmente. Las batás son los instrumentos básicos de la santería, que después de la revolución cubana se extendieron ampliamente por el resto de América Central y por algunas partes de Estados Unidos. Cardona fue un sacerdote lucumí ordenado de la santería y se considerbaba la autoridad principal sobre las canciones y ritmos rituales. Su primer trabajo en solitario, Bembé, es de una ceremonia de santería auténtica. Aparte de tocar en este estilo culto tradicional, Cardona fue muy buscado para sesiones de salsa y jazz latino. En su papel de músico salsero, tocó durante mucho tiempo en las orquestas de Willie Colón y Héctor Lavoe, y también en la Orquesta Flamboyán de Frankie Dante, en el Grupo Folklórico Experimental Neoyorquino, la orquesta de Eddie Palmieri y fue uno de los primeros músicos en la Fort Apache Band de Jerry González. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 19 de septiembre del año 2010, muere Max Salazar Fuente (1932 - 2010) en Nueva Jersey. Historiador, periodista, musicólogo, investigador y escritor de la salsa. Su libro “Mambo Kingdom: Latín Music in New York” es una referencia obligada para los interesados en el tema de la música del Caribe.
Max Salazar nació en la ciudad de Nueva York y es de ascendencia puertorriqueña. Comenzó su carrera periodística con la revista original "Latin New York" en 1968. Ha escrito artículos sobre la historia de la música latina, biografías y opiniones sobre conciertos y otras presentaciones para varios revistas y periódicos. También organizó el "Latin Musicians Show" por WBAI y WKCR en la Ciudad de Nueva York ". Durante los últimos cincuenta años, Max Salazar se ha convertido en probablemente una de las mayores autoridades en la musicología y el estudio del jazz latino. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 18 de septiembre del año 1914, nace Roberto Faz Monzón “El Cabezón” (1914 - 1966) en Regla, Cuba. Bautizado así por el mismísimo Benny Moré, fue un gran sonero que compartió con “El Conjunto Kubavana” y “El Conjunto Casino”.
En el 2010 se conmemoraron en Regla y en Cuba varios acontecimientos musicales: Roberto Faz el 26 de abril cumplió 44 años de fallecido. Y el 4 de febrero se celebró el 54 cumpleaños del estreno del conjunto de Roberto Faz en el Liceo de Regla. También hace 44 años que Faz difundió en Cuba el ritmo dengue, creado por Dámaso Pérez Prado. El ultramarino pueblo de Regla cuenta con muchas figuras musicales: Francisco Albo Salazar –Siglo XIX- (Pancho Majagua), Familia Romeu, Tania Castellanos, Emelina López y Sergio Farías, y Antonio Arcaño residió un buen tiempo en esta localidad. Roberto Faz nació el 18 de septiembre de 1914 en el ultramarino pueblo de Regla, en la calle Calixto García 62 entre Céspedes y Agramonte. Está inscrito entre los grandes cantantes soneros y boleristas de Cuba, y se le conoce como la voz del pueblo ultramarino de Regla, su querido rincón habanero. Naturalidad, carisma y sencillez lo hacían uno de preferidos, en casi todas las encuestas. Su origen fue muy humilde y desempeñó diversas labores, entre ellas las de conductor de ómnibus y cantinero. a la vez que descargaba, guitarra en mano, por los bares de su pueblo; eran los días gloriosos de la explosión del son en la capital. Aunque también en la zona de Regla y Guanabacoa había un ambiente folclórico de toques y cantos de bembé de las potencias ñáñigas; unido a las rumbas y congas de comparsas que eran un plato fuerte en esta zona. El doctor Carlos González describe a Roberto Faz: "bajito, ojos color castaño, cabeza grande –le llamaban cariñosamente el cabezón-, mucho pelo, castaño claro y a menudo con bigote. No era grueso, ni delgado, aunque por su estatura daba la impresión de ser más bien envuelto. Tez blanca y sonrisa fácil. Le faltaba un dedo en la mano izquierda. Donde quiera que se presentara había lleno total, pues era muy querido por su pueblo". Para ponerse a la moda de la época se integró en 1927 a un septeto infantil llamado Champán Sport, de Carlos Toledo, con el trompetista Félix Chapotín. "Yo le fui enseñando a Robertico –contaba Chapotín- los trucos de la música y el padre me servía un buen almuerzo todos los domingos". Después el Tropical y el de Ricardo Cabana, que organizaba su propio padre, un famoso cartero del pueblo. "Mi padre Pascual era como un representante mío –me dijo el sonero en una ocasión-, él metía cabeza donde quiera para que yo fuera cantante a toda costa y lo logró. Pero te digo que también aprendí a tocar todos los instrumentos de la percusión, esa era una de las distracciones de los jóvenes en aquellos tiempos". Ya en 1930 Robertico fue reclamado en diversos septetos como el Ultramar, que también estaba en manos de su padre y ya en 1932 se profesionalizó como cantante en un cabaret llamado Hit. Con ese entrenamiento llegó a cantar en la orquesta Habana, en 1938; en la Cosmopolita, y Los Hermanos Palau, en el aristocrático cabaret Sans Souccí, lo más grande del show en aquellos tiempos. En 1939 –cuando se creó Tropicana- llegó a ser artista exclusivo de la CMQ de Prado y Monte. Se presentó en 1941 en el cabaret del Hotel Nacional con la orquesta de Osvaldo Estivil, en la cual también cantó Tito Gómez. Y en 1944 se encontraba nada menos que con Alberto Ruiz en el conjunto Kubavana, que actuaba en el cabaret Zombie Club de Zulueta entre Trocadero y Ánimas, el antiguo Edén Concert. Robertico era un estilo que influyó a casi todos los boleristas en la manera de cantar: fluida, callejera y natural, y que seguirían Orlando Vallejo, Fernando Álvarez y muchos más. En ese mismo año de 1944 llegó para Roberto Faz la gran oportunidad de su vida: el conjunto Casino de Roberto Espí, con las voces de Rolito Reyes y Agustín Ribot; un ensemble que haría época en salones y sociedades cubanas. "En el Casino coloqué éxitos con boleros, guarachas y canciones de los filineros como Quiéreme y verás, y Realidad y fantasía, de Portillo de la Luz; A romper el coco, guaracha de Otilio Portal, y Que se corra la bola, guaracha de Alberto Ruiz. Con el Casino viajó a Estados Unidos y América Latina. En 1948 grabaron para la RCA Víctor; dominaron la radio y la televisión. Se mantuvieron un tiempo en la marquesina del Hotel Saratoga y en Radio Cadena Habana, la emisora musical de Cuba. Todo eso fue hasta el fin de año de 1955, en que el Casino tuvo cambios en su elenco. Roberto Faz organizó entonces su propio conjunto, con el cual debutó el 4 de febrero de 1956, durante un baile espectacular en el Liceo de Regla, con éxitos como Deuda de Luis Marquetti –apoyados por la Panart- que marcó un hito en el conjunto del reglano. En esa etapa viajaron a Cayo Hueso, Tampa y Panamá, mientras que en 1958 realizaron una gira por Centro y Sudamérica con un soberano éxito. Estuvieron una temporada en 1957 en el cabaret Alí Bar, donde ya el Benny Moré era el Rey. Hay una foto de ambos que queda para la historia. En 1961 grabó el bolero Comprensión de Cristóbal Dobal, un súper éxito; Como vivo en Luyanó, son de René Barrera y Cositas que tiene mi Cuba, son-montuno de Parmenio Salazar. En la última etapa del conjunto de Roberto Faz se puso de moda en 1966 el dengue con su tiqui tiqui y la llanta de automóvil y el conjunto tomó un nuevo aire: Dengue de la caña, Dengue del pollo, y Dengue en Fa que arrasó en los carnavales habaneros. También asumieron los ligaditos de boleros con el coro de los trompetistas. El 26 de abril de 1966, en pleno auge del mozambique y el dengue falleció Roberto Faz. Tres años atrás había desaparecido Benny Moré. La década del 1960 tuvo dos bajas muy duras para la música cubana, dos clásicos que decían adiós a las armas. El musicólogo Helio Orovio cataloga a Faz "con su peculiar voz, una de las figuras más completas y aglutinantes que ha conocido nuestra música popular". Abelardo Barroso lo definía como "amigo intachable y uno de los mejores soneros". Tito Gómez: "El mejor sonero blanco que dio Cuba". Miguelito Cuní: "Hombre, amigo, compañero, como sonero, extraordinario. Fue el primer blanco en cantar sones". Roberto Espí: "Uno de los grandes valores, su nombre esta al lado de Benny Moré y otras grandes figuras". Pacho Alonso: "Uno de los cantantes más completos del género popular". https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 17 de septiembre del año 1948, nace Rafael Ángel Leavitt Rey “Raphy Leavitt” en Puerta de Tierra, barrio de San Juan, Puerto Rico. Emblemático pianista, arreglista, compositor y director fundador de “La Orquesta La Selecta”. Estuvo en sus inicios con “El Combo Los Reyes”, “La Banda Latina”. Auténtica leyenda viva de la salsa.
Raphy quedó huérfano de madre cuando apenas tenía tres años de edad. Una década más tarde, en plena preadolescencia, el sentido de pérdida lo volvió a impactar al morir su padre. Recibió su educación elemental, intermedia y secundaria en el colegio San Agustín, localizado en el mismo barrio donde nació. Al graduarse de la Escuela Superior recibió el honor de "Excelencia General". Ingresó en la Universidad de Puerto Rico con matrícula de honor, donde estudió Administración Comercial, especializándose en Administración de Negocios y Contabilidad. Desde muy temprano en su adolescencia, Raphy Leavitt dejó sentir su inquietud por la música popular. Inicialmente estudió acordeón en la Academia de George Kudirka. Posteriormente formó el conjunto musical Los Señoriales y en 1966, fundó La Banda Latina. En esta etapa de su carrera Raphy sólo interpretaba los éxitos de otras orquestas. Pero la informalidad de muchos de los integrantes de ambos grupos llevó al joven músico a buscar una forma más seria de abordar la salsa. Al llegar a sus años universitarios, comienza a despertar en Raphy el deseo de aportar algo positivo al género afrolatino, el cual era considerado escandaloso y sin sentido. En esta etapa de su vida, Raphy se propuso demostrar que dicha música podía enriquecer a la sociedad con canciones que llevaran un mensaje, sin necesidad de recurrir a la chabacanería. En 1971, el joven pianista Rafael Leavitt Rey decidió organizar una orquesta de salsa desafiando los moldes rítmicos de las bandas que, hasta entonces, dominaban el mercado musical. Su propuesta, que contrastaba el trabajo que realizaban las agrupaciones que operaban bajo la égida del sello Fania, consistió en trastocar las sonoridades afrocaribeñas dominantes en la rítmica salsera de Nueva York para incorporar al repertorio del género la herencia de la música campesina, despertando la memoria de las grandes aportaciones de nuestro cancionero autóctono, con énfasis en la décima y el seis chorreao. Esta acción, además de sellar el distintivo de identidad de la naciente orquesta, imprimió a la salsa un estilo único que enriqueció el género. Así surgió La Selecta, una agrupación que en términos líricos se enfocó en interpretar canciones para "despertar la conciencia de un pueblo en su lucha por la justicia social". Así que cuando en 1971 la salsa dominaba el pentagrama puertorriqueño era un hecho consumado, Raphy Leavitt apareció con una nueva orquesta de jóvenes talentosos llamada La Selecta. Su primera composición se titulo "Payaso", un bolero montuno cuya grabación marcó un triunfo trascendental para la novel orquesta La Selecta. En esta composición Raphy introdujo a la música de la salsa la utilización de soneos (inspiraciones del vocalista) en forma de décimas puertorriqueñas. Con esta selección La Selecta se colocó entre las principales orquestas de Puerto Rico; trascendió en el pentagrama con canciones como "Te equivocaste" y "Lamento rumbero" y recibió los galardones Disco de Oro y 45 de Oro. En 1972, al cumplir La Selecta su primer aniversario, surgió de la inspiración de Leavitt, su segundo super éxito "Jíbaro soy". Canción que marca el período de la afirmación nacional en la salsa de los 70's, "Jíbaro soy" reafirmó la fuerza de La Selecta y la encumbró nuevamente hacia primeros lugares. Debido al éxito de esta canción, la orquesta salió en gira artística por el este de los Estados unidos, sin haber terminado la grabación del disco de larga duración donde aparecía "Jíbaro soy". Desafortunadamente el grupo tuvo un fatal accidente automovilístico en Connecticut en el que perdió la vida el trompetista de la orquesta Luisito Maisonet, mientras el propio Leavitt quedó al borde de la muerte. Tanto Raphy como otros tres integrantes de la orquesta permanecen hospitalizados por seis largos meses. Pero mientras se recuperaba de las heridas, le surgió la inspiración para uno de los éxitos más impactantes de su trayectoria: "La cuna blanca". Como homenaje póstumo a la memoria de Luisito, esta composición se difundió con fuerza en territorio nacional, así como trascendió en países como Panamá, Venezuela, Colombia y en el mercado latino de los Estados Unidos. "La cuna blanca" le dio Raphy su segundo Disco de Oro. Pero además le mereció el premio "Compositor del Año" y el "Busto de Oro Rafael Hernández". En el primer concierto de Nueva York, luego del accidente, recibió la "Placa de Bronce del Madison Square Garden". En su visita a Panamá se le otorgaron los premios Búho de Oro, Grupo Orquestal más popular y Orquesta Internacional más Popular. Produce en 1976 el cuarto éxito de La Selecta; "El buen pastor", por el cual recibió un 45 de Oro y entró de lleno al mercado de Venezuela. La Selecta recibió en 1987 el Premio Diplo como Orquesta del Año. Tras 19 años de labor profesional, Raphy Leavitt comenzó en la década del 90, estableciendo su propio sello disquero, identificado como R.L. Récords. "Café colao", "Soldado", "Amor y paz", Lamento Jíbaro", "Dueña y señora" y "A la sombra del flamboyán", han sido algunos de los éxitos musicales que han coronado la labor de Raphy Leavitt y su orquesta La Selecta. Esta agrupación, que ha contado con las voces de figuras como Sammy Marrero, Tony Vega, Carlitos Ramírez, Osvaldo Díaz, se ha mantenido firme en su propósito de no recurrir a la vulgaridad o a temas de doble sentido para ganar popularidad. "En una etapa de mi carrera vi que era el momento preciso para incluir lo nuestro y no dejarlo rezagado, porque nuestra música típica es tan sabrosa como otra y no hay por qué centrarse solamente en los ritmos afroantillanos", sostiene Raphy. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 17 de septiembre del año 1936 nace Pablo Branda Villanueva “Melcochita” en el Perú. Bravo y legendario sonero y humorista peruano.
El nombre artístico de Pablo se lo debe a Augusto Ferrando, quien lo bautizó con el apelativo de Melcochita porque la primera vez que se presentó ante la audiencia, este endulzó al público (en el Perú la melcocha es un dulce). En la década de 1950, conocido como Pacocha, formó al lado de sus hermanos el grupo musical Son Cubillas. En la década de 1960, el Perú, especialmente Lima estaba en un 'boom' de rock and roll y garage rock. Melcochita no fue ajeno a este escena rica en música para el Perú pues en 1969 grabó las voces del tercer LP de la banda de Los York's con quienes ya había colaborado antes en los coros e instrumentos, y ese mismo año colaboró también en la percusión del primer disco Virgin del grupo limeño Traffic Sound. En 1970 lanzó un sencillo "La cosecha de mujeres nunca se acaba" un cover de un tema tradicional colombiano y en el lado B un tema de su inspiracion "La reforma" en referencia a la reforma agraria peruana. También sería en esa misma década donde junto a la orquesta de salsa y boogaloo llamada Karamanduka, grabaría el LP Acabo Con Lima Huyo Pa´New York para la disquera MAG Records. En la década de 1980 fue el primer latino en ser invitado a un programa norteamericano como El Show de David Letterman por el año 1983. Como sonero y salsero ha participado y actuado junto a artistas como Johnny Pacheco, Willie Colón, Tito Puente, Celia Cruz entre otros. La prensa de espectáculos o prensa rosa lo ha mantenido como un personaje mediático por temas de su vida personal. Ha actuado en la televisión peruana en los programas A Reir, Estrafalario, Risas y Salsa y Recargados de risas. En ese sentido, se le considera una de las personalidades más populares en el Perú. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 16 de septiembre del año 2007, muere Generoso Jiménez (1917 - 2007) en Miami, USA. Virtuoso trombonista cubano que compartiera con la “Orquesta de Benny More”, “Orquesta Aragón”, “Tropicana All Stars”. Fue ganador de premio “Grammy” en el año 2005.
Nace el 17 de julio de 1917 en Cruces, Las Villas y llega a La Habana, por los días en que lo hace Benny Moré. En el 2002, por iniciativa del trombonista exiliado Juan Pablo Torres y el productor alemán Detlef Englerhard, se grabó en La Habana Generoso, que bueno toca usted, nominado al Grammy en el 2003, ceremonia a la que asiste en Nueva York. En noviembre del 2003, retorna a Estados Unidos para cumplir una invitación artística y decidió quedarse para siempre. En el 2005, la Academia Latina de Grabaciones Musicales (LARAS) le otorgó un Premio Grammy Honorario a la Excelencia Artística durante una ceremonia en Los Ángeles. En esa ocasión pudo reunirse a descargar en el escenario con dos de sus viejos amigos, Israel López al contrabajo y Bebo Valdés al pìano. Pasó sus últimos años de vida en Miami, junto a una de sus hijas.A Generoso lo sobreviven sus hijos Ricardo, Rubén, Regla y Raquel, en Miami; y Regina y Raúl, en Cuba. Además, siete nietos y ocho biznietos. Inició sus estudios de piano con Carmen Avellano, con la que también estudió armonía. En 1928, como educando, ingresó en la Banda de Música de Cruces, con la que el 20 de mayo del mismo año tocó su primer concierto. En 1931 formó parte de la Orquesta Jakiky, y en 1935, ingresó en la orquesta de su antigua profesora, Carmen Avellano; en 1939 se disolvió esta agrupación, y en unión de Gilberto la Rosa, integra, como pianista y arreglista, la Rítmica del 39 (posteriormente Orquesta Aragón); en 1941 integra la Cienfuegos Jazz Band. En 1943 se traslada para La Habana, donde el 24 de julio debuta en el Cabaret Tropicana, cuya orquesta dirigía Armando Romeu; en 1945 ingresa, como trombonista solista y orquestador, en la Banda de la Policía. En 1949, por sugerencia de Enrique González Mántici, se incorpora a la orquesta del Programa Trinidad y Hermano, dirigida por Carlos Ansa; allí conoció a Orlando Guerra , al cual le hizo varias obras y arreglos de Ignacio Villa para una gira. A fines de 1949, formó parte de la orquesta del Circo Ringling Brothers. Trabajó también con la orquesta que acompañaba el show del Teatro Negrete, dirigida por el compositor y pianista Dámaso Pérez Prado. Además trabajó, entre 1947 y 1948, con las orquestas Casino de la Playa (sustituyó por un tiempo a Dámaso Pérez Prado), Hermanos Martínez, La Happy de Ulacia, Los Diplomáticos (de Lorenzo Pego). En 1951 comenzó a hacer grabaciones con Arturo O’Farrill, Obdulio Morales y Las Estrellas de Bebo Valdés, con quien, a fines de ese año, ejecutan el ritmo batanga, de Bebo, en un programa de Cadena Azul; en este período conoce a Benny Moré, para cuya orquesta realiza algunos arreglos, y en 1955 se incorpora como músico fijo de la banda del Benny. Paralelamente, grababa descargas con Orestes e Israel López, Gustavo Tamayo, güirista, y otros. En 1958 formó parte de la Orquesta de Mario Romeu, que acompañó al cantante chileno Lucho Gatica en el programa Escuela de Televisión, de Gaspar Pumarejo; a la vez trabaja con el Benny en el show del Cabaret Tropicana. En diciembre de 1958, actuó con la Banda Gigante de Benny Moré en el Roof Garden del Hotel Lido, de Nueva York. Durante su carrera como músico, grabó Generoso y su danzonera, Ritmo, La reina del guaguancó (Celeste Mendoza), El trombón majadero; además hizo grabaciones con las orquestas Riverside, Sensación, Hermanos Castro, el conjunto Chappottín; así como con Rolando Baró y Andrés Hechavarría . Entre 1966 y 1978 (año en que se jubila), integró la orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión (ICRT). Realizó orquestaciones para los cantantes Miguel de Gonzalo, Rolo Martínez, Rolando Laserie y Pacho Alonso. Fue director de las orquestas de Radio Rebelde, y de los cabarets Sierra y Las Vegas. Fallece el 15 de septiembre de 2007 en Miami, Estados Unidos. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 16 de septiembre del año 1968, nace Marco Antonio Muñiz “Marc Anthony” en Manhattan, Nueva York, de padres puertorriqueños. Extraordinario cantante que se inicia de la mano del sello RMM propiedad del empresario dominicano Ralph Mercado. También interpretó la vida de Héctor Lavoe en su film biográfico.
Su verdadero nombre es Marco Antonio Muñiz, que eligió su padre, Felipe, por el famoso cantante mexicano del mismo nombre, (con quien también comparte apellido), más tarde él se lo cambiaría a Marc Anthony para evitar confusiones. Marc tuvo una niñez normal y feliz llena de música, de reuniones de amigos y familiares, que se juntaban a conversar y cantar. Al parecer, este artista siempre supo lo quería. Con tan sólo siete años, Marc le pidió a su padre que lo inscribiera en la escuela de música de East Harlem. Para Felipe Muñiz esto fue una bendición, porque siempre soñó con ser cantante. Su orgullo de padre creció al saber que su hijo era uno de los mejores de la clase, por lo que le brindó todo su apoyo, Marc creció escuchando rock y ritmos de blues, y empezó a cantar en inglés en diferentes clubes de Nueva York, donde se reunían más de 500 espectadores, cuando para Marc consideraba una buena noche. Él se especializó en crear música y bailar un estilo minimalista, llamada “musica house”, donde se parafraseaban y repetían las canciones una y otra vez, a través de un ritmo variado con el compas de temas ritmicos. En sus inicios incursionó en el canto dentro de una banda, llamada Latin Rascals, con quienes trabajo a lado del productor 'El pequeño' Louie Vega. Cuando Vega recibió un contrato con la compañía Atlantic Records, Marc fue llamado por él mismo para que iniciará su carrera como solista. Ninguno de sus álbumes anteriores, tuvieron tanto éxito como Rebel, que fue todo un hitdentro de las discoteques y clubes. Los días de Marc en los clubes terminaron y en 1992, el legendario percusionista latino Tito Puente invitó a Vega y Anthony para abrir una de sus presentaciones en el Madison Square Garden. Ellos fueron todo un éxito y Marc encontró su sello musical personal, al poner en ambiente el recinto de Nueva York. Fue entonces cuando su carrera empezó a dar resultados, pegando fuertemente en las primeras oportunidades en la radio estadounidense. Su manager lo sugirió cantar en español, pero a Marc no le interesaba. Entonces un día, mientras manejaba en su automóvil por Manhattan. Marc escuchó un tema musical del cantante Juan Gabriel, “Hasta que te conocí”, al que Marc tradujó “Until I Met You", para interpretarla. El éxito llegó de una forma tan vertiginosa, que Anthony lo describe de esta manera: "Vi mi vida totalmente cambiada". En 1993, grabó la canción que escuchó en el coche. Su manager le organizó una presentación en una convención de música llamada Radio y Música. Como ganaba muy poco dinero, fue a la presentación con un DAT y la ropa prestada. La mayoría de los asistentes eran disc jockeys. Cuando Anthony subió al escenario sólo se oyó el aplauso de una persona, le temblaban las manos en el micrófono. Cerró los ojos y empezó a imaginarse que estaba cantándole a su madre en casa, al terminar dejó el escenario tan rápidamente que su manager lo tuvo que parar y mostrarle la ovación del público. Algunos de los disc jockeys ya estaban llamando a sus emisoras desde sus teléfonos celulares, para asegurarse que programaran el CD de Marc Anthony. Ese mismo día, se presentó en un programa de televisión llamadoCarnaval Internacional, que se transmite a todo el mundo. "En un día, mi vida cambió para siempre", dice. "Empecé a hacer giras, Panamá, Ecuador, Argentina. Puerto Rico, Miami, Los Ángeles. Me desperté una noche y no sabía dónde estaba, llamé a mi hermano y le pregunté ¿Dónde estamos?. Me dijo 'Mira por la ventana'. Todo lo que vi fue una ciudad, cuando me di cuenta que era Tokio, me pregunté ¿Cómo sucedió esto?, no lo podía creer". Anthony fue el primer actor que Paul Simon contrató para actuar en The Capeman. Simon había ido a una tienda para comprar los discos de los mejores cantantes jóvenes de salsa. "Me vendieron los discos de tres cantantes", recuerda Simon, "Pero cuando escuché el de Marc, me dije, este es muy bueno, en realidad es el mejor". Al mismo tiempo que Anthony ensayaba para la obra de Broadway, se estaba lanzando el álbum Contra La Corriente, el cual superó el status de Disco de Oro. Debido a obligaciones no pudo promover el disco, entonces dio un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa se había presentado en el Madison. Anthony llenó el teatro y repitió la hazaña el año siguiente. Una de las sensacionales presentaciones en vivo de Marc Anthony, fue filmada para un programa especial de televisión de la cadena HBO: Marc Anthony: The Concert from Madison Square Garden, el cual fue transmitido el día de San Valentín del¿ 2000. El especial fue producido y dirigido por Marty Callner para Cream Cheese Productions, quien anteriormente había producido, para HBO, especiales con Madonna, Garth Brooks y Jerry Seinfeld. El especial incluyó sus éxitos en inglés pero también algunos temas de los álbumes de salsa en español, los cuales lo han establecido como el cantante de salsa número uno en ventas en el mundo. Marc Anthony ha logrado en total nueve Discos de Oro y Platino: sus álbumes Contra La Corriente,Todo A Su Tiempo y Marc Anthony, han obtenido discos de oro; con éste último obtuvo cuatro discos de Platino, y los temas "I Need To Know" y "You Sang To Me" también recibieron Discos de Oro. Su álbum Contra La Corriente fue galardonado con un premio Grammy como Mejor Álbum Latino Tropical en 1998. Su disco Desde El Principio, un álbum con sus mejores éxitos de salsa, estuvo en la primera casilla de Billboard Latin 50, durante siete semanas, y de acuerdo con la firma SoundScan fue el álbum #1 en el listado de ventas de álbumes de música latina. Sin embargo, el éxito de Marc Anthony no se ha limitado al mundo de la música. El legendario músico Paul Simon lo escogió para participar en el musical de Broadway The Capeman. Marc también debutó en la pantalla grande representando papeles importantes en las películas Bringing Out the Dead(1999), dirigida por Martin Scorsese, y Big Night (1996) dirigida por Stanley Tucci. Marc también actúo en las películas The Substitute (1996) y Hackers (1995). Las obligaciones adquiridas con el musical The Capeman, impidieron que Marc pudiera promover su tercer álbum de salsaContra La Corriente durante su periodo de lanzamiento (aún así éste obtuvo un Disco de Oro inmediatamente). Para despedirse temporalmente de la salsa Marc ofreció un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa había reservado éste escenario anteriormente, excepto como parte de una revista musical. Marc logró agotar todas las entradas - a partir de entonces el cantante habría de repetir lo mismo cada año. Durante el invierno y el verano del 2000 Marc realizó una gira musical a lo largo y ancho de Norteamérica, agotando localidades y deleitando a grandes multitudes con una serie de conciertos muy exitosos. En lugares donde se habla español, y especialmente en Puerto Rico, Marc es considerado un verdadero ídolo. Una reseña de su concierto publicada en El Nuevo Día, el diario número uno de Puerto Rico, lo califica como "profeta en su tierra". Así mismo en una reseña publicada en The New Yorker, un residente de Harlem dijo que Marc "Es como una llama de fuego que camina". Marc canta "con el corazón tanto en inglés como en español" y su triunfo en ambos idiomas y ambos mercados, con total naturalidad y sin que uno descuide al otro, o sea más importante que el otro, es motivo de comentario. "Marc sí que lo ha hecho bien, pues es igual de admirado entre anglos como hispanos. Y para él ambos públicos son igual de importantes.". ¿Y el secreto de su "sex appeal"? Marc ríe cuando se le menciona y casi lo quiere obviar con un gesto. Quizá se deba a que cuando tenía 15 años un día su papá le dijo bien claro, "Mi hijo, eres feo, así que concéntrate en tener una buena personalidad''. Y explica que a partir de ese día desarrolló una gran confianza en sí mismo y "trabajó" en su carácter. "Puede ser que éso sea lo que la gente encuentra sexy"- explica sin vanidad alguna-"Tengo mucha confianza en mí mismo y creo que esa confianza es algo sexy ¿No crees?" A pesar de que se le ha ligado sentimentalmente con distintas mujeres. Tiene 3 hijos, Ryan y Christian (que cada día se parece mas a su papá) y su primogénita, Arianna Muñiz, (nacida de su noviazgo de cuatros años con una policía de Nueva York, Debbie Rosado). La ruptura de esta relación dejó marcadas cicatrices en el corazón del intérprete, sobre todo por lo que significaba separarse de su pequeña. "Mi hija es todo, no sé cómo explicarlo, ella es mi vida, mi inspiración más grande. Si la vieran con mis zapatos, cómo me envuelve con sus palabras, es maravillosa y yo la amo con toda mi alma; a ella le escribí 'My Baby You'", afirma. Y después de proclamar a los cuatro vientos que estaba solo y no tenía planes cercanos de bodas, llegó Dayanara Torres (ex Miss Universo 1995). El 10 de mayo de 2000 Marc Anthony se casó con la ex Miss Universo puertorriqueña en Las Vegas. Tras una separación amistosa, regresaron para contraer matrimonio, esta vez religioso y por todo lo alto (fue una de las bodas del año) en la Catedral de San Juan de Puerto Rico. E igual de sonado fue su divorcio y posterior boda secreta con Jennifer Lopez, el que dicen es su gran amor de juventud. Marc prefiere no hablar de ello "mis cosas privadas son mías, no crean todo lo que lean". Cantante y también excelente actor de cine lo que "le fascina cada día más". Trabajó en 2001 junto a Salma Hayek en El Tiempo de las Mariposas. Y su ultima película Man on Fire (2004), junto a Denzel Washington (un éxito para Marc según la crítica). En 2004, el 8 de junio lanzó Amar Sin Mentiras y el 27 de juliodel mismo año, Valió la Pena, de baladas y de salsa. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 15 de septiembre del año 1983, muere William Correa “Willie Bobo” (1934 - 1983) en Nueva York. Bravo percusionista que se destacó principalmente en el Latín/Jazz acompañando a “Mongo” Santamaría, Tito Puente, Cal Tjader y la banda de George Shearing entre otras.
En el candente universo de la rumba y el jazz, Willie Bobo (n. en Harlem, Nueva York, febrero 28, 1934 - m. en Los Á ngeles, California, EE.UU, septiembre 15, 1983) es venerado como uno de los más extraordinarios percusionistas de todos los tiempos. En el ámbito de la música afrocubana, es considerado un bongosero y timbalero fuera de serie. Como baterista, en el panorama del jazz, una referencia obligada. De origen muy humilde, se asegura que jamás fue a la escuela y que su formación académica - apenas aprendió a leer - y musical fue eminentemente autodidáctica. Fue el tercero y único varón de los cinco hijos procreados por el matrimonio que formaron el arecibeño Pedro «Pop»Correa y la catañés Faustina Gómez. Su padre era buen guitarrista y cantante especializado en la segunda voz. Desde muy joven encabezó conjuntos, pero siempre tuvo que alternar su vocación artística con otro empleo para procurarse el sustento. Fue durante un baile que amenizó en Cataño que conoció a quien sería la madre de sus retoños. A raíz de que ambos se casaran, en 1923 marcharon a Brooklyn, Nueva York, respondiendo a la convocatoria de una refinería de azúcar que solicitaba trabajadores. En este condado nacieron sus dos primeras niñas: Anna y Pura. Un accidente laboral en el que perdió la mitad del dedo pulgar de la mano izquierda lo hizo acreedor de una compensación económica que le permitió mudarse a un apartamento localizado entre la Calle 115 y la Avenida Lenox, en el Barrio Latino - entiéndase Este de Harlem - de Manhattan. Exactamente allí, a través de una partera, nuestro biografiado vio la primera luz. Posteriormente vendrían Helen y Laura. Para aquella época, debido a la Gran Depresión económica que abatió a la Nación, Pedro «Pop» Correa organizó un trío junto a un vocalista y maraquero y un ejecutante de la primera guitarra. Frente a aquella formación trabajaba los fines de semana en restaurantes de la zona, casi siempre por propinas. Tal fue su único medio de ingresos durante mucho tiempo.mientras tanto, cuando el pequeño William tenía cinco años, lo inició en el aprendizaje de los bongoes… aunque en lugar de estos tambores utilizaba unas latas vacías de alimentos con que la Cruz Roja socorría a los menesterosos. Más adelante, forzado por la pobreza, William comenzó a deambular por las calles junto a Víctor Pantojas «El Negrito Pantoja», un amigo y vecino con las mismas inquietudes musicales, cantando y tocando rústicos tambores con la intención de que quienes los escucharan los compensaran con monedas. En 1941 eran habituales en la estación del tren de la Séptima Avenida. Narciso «Papi» Torres y Federico «Papi» Pagani Jr. se les unían con bastante frecuencia. Entonces contaba siete años de edad. Poco después de haber cumplido trece, 1947, el ya famoso sonero cubano Francisco Grillo «Machito» le brindó la oportunidad de convertirse en su band boy. Y, aunque el interés principal del prometedor y jovencísimo músico era poder entrar a los salones donde aquel se presentaba frente a sus Afro Cubans y que, por razones de edad, se le prohibía la entrada, Machito, a quien se referiría como “mi primer mentor”, le pagaba, pues ya tenía referencias de su talento.Gracias a aquella experiencia, por fin pudo adquirir unos bongoes verdaderos. No pocas veces, Machito le permitió hacer gala de sus habilidades en funciones presentadas en el Park Plaza, el Hunts Point Place y el Tropicana Club de Bronx acompañado por su poderoso bandón. Entonces también se incorporó oficialmente al grupo de su progenitor. Y, recomendado por el irrepetible sonero y líder, su actividad como percusionista se formalizó y comenzó su ascenso. Así fue requerido para integrar los conjuntos formados para acompañar a los cantantes que se presentaban en los teatros Apollo,Puerto Rico, Jefferson y Triborough. En 1950 tuvo la dicha de conocer a dos geniales percusionistas cubanos, Ramón «Mongo» Santamaría Rodríguez yArmando Peraza, quienes llegaron a Nueva York procedentes de México, integrando el espectáculo Black Diamonds.Ambos optaron por permanecer en esta plaza. Y al quedar impresionados por el talento de Willie, se convirtieron en sus maestros, depurándole la técnica y adentrándolo en los secretos de la música yorubá y el jazz. Igualmente, le enseñaron a leer y hasta lo iniciaron en la Santería. De ahí que, durante largo tiempo, muchos lo llamaran por el apodo de «Babalú»,que también cargaba el consagrado rumbero Miguelito Valdés. La vinculación e identificación con el primero de aquellos maestros fue mucho más prolongada que con Peraza, pues éste prefirió proseguir su carrera en la Costa Oeste. Volvería a compartir con él algunos años después. Recomendado por Mongo, durante el período 1950-1953 Willie agotó pasantías por las orquestas de José Bidet, Marcelino Guerra y el bien cotizado conjunto Johnny Seguí y Los Danddys. También, en junio de 1951, intervino por primera vez en una sesión de grabación, que fue con la cantante y pianista Mary Lou Williams y que Asch Records editaría al año siguiente. Y fue precisamente aquella diva del jazz quien le estampó el nombre de Willie Bobo que lo identificaría durante el resto de su vida… y hasta el día de hoy. El 1952, Mongo reemplazó a Frankie Colón en la ya reconocida orquesta de Tito Puente. Algunos meses más tarde, ya entrado 1953, el bongosero de esta organización, José Manuel «Manny» Oquendo, renunció a su posición por discrepancias con su patrón. El ilustre conguero cubano se apresuró entonces a recomendar a Willie Bobo. Conciente de que si Mongo lo consideraba capacitado para llenar la vacante era porque, indiscutiblemente, era muy bueno, Puente lo aceptó de immediato. Respecto a la noche de su debut con esta súper banda, acontecido en el mítico Palladium Ballroom de Broadway, una anécdota quedó perpetuada en la historia. Resulta que, por alguna razón, Tito Puente no llegaba a cumplir su compromiso, mientras que los músicos se sentían muy presionados e impacientes ante el reclamo de los bailadores. Así las cosas, estimulado por su mentor, Willie Bobo tomó los timbales, marcó la entrada de Mambo Inn e inició el primer set. Y, provindencialmente, mientras ejecutaba una explosiva descarga que provocaba el frenesí del público, apareció Puente.Éste permaneció en la entrada del salón impresionado con el trabajo de su nueva adquisición. Al finalizar la pieza se le acercó y le comentó: “apenas acabas de llegar y ya quieres quitarme la orquesta”. Con Mongo y él, Tito completó una de las trilogías más extraordinarias que haya tenido sección rítmica en una orquesta, tanto en la música afrocubana como en el jazz. Se denominó Ti-Mon-Bo - o sea, Tito, Mongo & Bobo - que quedó plasmada en una decena de producciones discográficas editadas por Tico Records y RCA Victor, así como evocada en uno de los mambos clásicos de la orquesta. Aunque colaborarían en proyectos afiliados hasta adentrados los ‘60, las permanencias de Mongo y Willie en la orquesta de Puente culminaron en 1958. El cubano organizó su propio trabuco, en cuya discografía esencial el boricua sería puntal, aunque pronto éste se vinculó al quinteto del vibrafonista Cal Tjader -con quien había grabado un año antes - , estableciéndose en San Francisco, California. Tal fue el punto de partida de su consagración. En este conjunto coincidió con su amigo de la infancia Víctor Pantojas. Willie Bobo participó como baterista, timbalero y bongosero en la discografía representativa de Tjader, junto a quien viajó extensamente. Paralelamente, acumuló un impresionante historial como instrumetista de sesión (o “de estudio”).Intervino en grabaciones de numerosas estrellas del jazz, la música afrocabana, el R&B, el soul y la onda pop. Desde 1962 y hasta después de 1970 colaboró en los estudios con el flautista Herbie Mann. También lo acompañó en varias giras por América y Europa. Además, en diversos y programas televisivos, no pocas veces reforzó las orquestas de los cubanos René Blosch, René Touzet, Marco Rizo Ayala y el argentino Lalo Schiffrin. Sin frenar su trabajo como sesionista, en 1965 organizó su propia orquesta de salsa y jazz latino. Durante los próximos tres años se desplazaría constantemente entre Nueva York y California, pues le surgió un ventajoso contrato como atracción permanente del Jazz Club que Count Basie mantenía en Harlem, mientras que los productores de Verve Records, que editaban sus grabaciones, requerían su presencia en los estudios de la compañía en Los Á ngeles. Cumplido aquel compromiso, regresó a California, estableciéndose de manera definitiva en Los Á ngeles. Uno de los trabajos más interesantes que realizó entonces fue en calidad de actor, formando parte del elenco habitual de la serie humorística The Bill Cosby Show / COS, de NBC TV (1969-1971), caracterizándose a sí mismo. Dentro de esta nueva faceta en su trayectoria artística, Willy Bobo dio vida a «Johnny Mayfield» en la película Game Show Models (comedia de David Neil Gottlieb Productions, 1977); apareció en las teleseries Chico and the Man (NBC TV, 1976); The Tonight Show Starring Johnny Carson (NBC TV, 1977) y Ad Lib (Yorkshire Television / YTV, 1981). También apareció en el documental Soul to Soul (Ghana Arts Council & Nigram Productions, 1971), dirigido por Dennis Sanders. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 15 de septiembre del año 1945 nace Lenin Francisco Domingo Cerda “Frankie Dante” (1945 - 1993) en Santo Domingo, República Dominicana. Bravo sonero, compositor y director musical de su propia orquesta “La Orquesta Flamboyán” que se caracterizaba por su postura inconforme y rebelde, impregnada del sabor del barrio latino en Nueva York.
Frankie Dante es poseedor de su propio estilo musical, aunque se dice que su fuentes de inspiración fueron los trombones de "La Perfecta" de Palmieri, la banda de Willie Colón y la voz de Ismael Quintana. Su temática se inclinó principalmente por lo social y la situación política mundial de la época: en contra de la guerra, la discriminación social y principalmente contra la clase política de los países latinoamericanos. Se destacó musicalmente en la ciudad de Nueva York, entre los años 1968 y 1979. Durante ese período grabó y publicó nueve álbumes con el sello Cotique, de los productores George Goldner y Stan Lewis. Uno de esos álbumes es una recopilación con algunos de sus mejores éxitos. Dante bautizó su agrupación con el nombre de Orquesta Flamboyán. Sus ocho grabaciones musicales, una obra pequeña en proporción con otros compositores y cantantes, son: Los Coquetones, Different Directions, Se Viste De Gala, Orquesta Flamboyán con Larry Harlow, Markolino Dimond Con Frankie Dante Beethoven's V, Orquesta Flamboyán Los Salseros De Acero, que contó con la participación de Tito Puente y Charlie Palmieri como artistas Invitados, The Flamboyán All Star Band Frankie Be Bop y Los Rebeldes. En sus grabaciones, Frankie contó con la participación de grandes representantes de la salsa, como Ángelo Rodríguez, Milton Cardona, Ismael "Pat" Quintana, Joe Mannozzi, Harry Vigianno, Ray Romero, Jerry González, Larry Harlow, Marcolino "Mark" Dimond, Chivirico Dávila, Mike Collazo, Eddie "Guagua" Rivera, Yayo "El Indio", Larry Spencer, Milton Cardona y José Mangual Jr. La música y la voz de Frankie Dante ha dado mucho de qué hablar. Es amado por unos y odiado por otros, un personaje polémico en lo que respecta a su estatus de salsero. Pero la verdad es que en el mundo de la "máxima expresión del barrio latino" la obra de Frankie Dante merece un lugar destacado, y sus canciones hacen parte del legado de nuestra cultura musical. Durante su carrera realizó presentaciones en los principales clubes nocturnos en Nueva York. Falleció el mes de marzo de 1993. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 14 de septiembre del año 1918, nace Israel “Cachao” López (1918 - 2008) en La Habana, Cuba. Virtuoso bajista, arreglista y director musical, ganador de un par de Premios Grammy (1995 & 2005). Genuino inventor del “Mambo” y de las denominadas descargas o “Jam Sessions”. Auténtico baluarte del género afro caribeño.
Junto con su hermano multiinstrumentista Orestes, el bajista Israel "Cachao" López introdujo a la música cubana los ritmos africanos que transformaron el danzón tradicional de la isla en lo que hoy se conoce como el mambo. También fue pionero en la Descarga, las sesiones de noche que revolucionaron el sonido y el alcance de pop y jazz afrocubanos. Cachao fue el producto de una familia musical extensa y multigeneracional. A los ocho años se unió al septeto de niños local que presentó al cantante, Roberto Faz, también figura importante en la historia musical cubana. Un año se asoció con otra leyenda del futuro, el pianista, Ignacio Villa (también conocido como Bola de Nieve) para hacer presentaciones en el cine de su barrio y hacer más digestibles las películas mudas. Como adolescente y antes de unirse a la Orquesta Arcaño y Sus Maravillas con su hermano, Orestes en 1937, tocó el contrabajo con la Orquesta Filarmónica de la Habana, apoyando a los directores invitados que incluían a Igor Stravinsky, Herbert von Karajan, y Heitor Villa-Lobos . Para cuando llegó a la Orquesta Arcaño y Sus Maravillas, la orquesta ya comenzaba a alejarse de sus raíces en la música de salón francés y se movía hacia un enfoque rítmico de más inspiración africana, fusionando el estilo danzón popular con una percusión sincopada. Juntos los hermanos López compusieron más de 3.000 danzones para el grupo, más notablemente el "Mambo" de 1938, que introdujo un ritmo atípicamente lento y pesado, y así galvanizaron la música cubana para generaciones venideras. Para cuando Cachao finalmente salió de la Orquesta Arcaño y Sus Maravillas en 1949, el mambo era prácticamente sinónimo de la música cubana. Durante la siguiente década, tocó con una serie de orquestas, sobre todo disfrutando de una temporada extendida con el director de orquesta, José Fajardo. Con el tiempo Cachao comenzó a organizar descargas que permitieron a los músicos reunidos experimentar con una variedad de estilos y configuraciones instrumentales. El enfoque de improvisación e inspirado por el jazz resultó tan gratificante que en 1957 Cachao comenzó a grabar las sesiones y lanzó con aclamación internacional el álbum del sello Pan Art, llamado Descargas en Miniatura, destacando a la leyenda de las congas, Tata Güines. La Revolución Cubana de 1959, sin embargo, significó el fallecimiento del reinado de La Habana como el centro de la música y la vida nocturna, y en 1962, después de salir del país con la Orquesta Duarte Ernesto para hacer una gira a España, Cachao no regresó a su tierra natal, y así comenzó un exilio que se extendería por el resto de su vida. Pronto se estableció en la ciudad de Nueva York, tocando y apoyando a Tito Rodriguez y más tarde a Eddie Palmieri. Cachao pasó gran parte de la década de los 1970 en Las Vegas, como cabeza de cartel en el MGM, Sahara, y los hoteles Tropicana, antes de establecerse en Miami en 1978. Aunque la región sureña de la Florida fue para entonces el hogar de una comunidad cada vez mayor de refugiados cubanos, Cachao pasó la década de los 1980 en una relativa oscuridad, a menudo tocando quinceañeras y bodas para mantenerse, mientras que la música latina se esforzó por recuperar su protagonismo comercial de antes. La suerte de Cachao cambió cuando en 1989 se hizo amigo del actor de origen cubano, Andy García, un fan declarado de la música del bajista. García se dedicó a montar un concierto de homenaje que se celebró en Miami en el verano del 1992. El actor también financió el documental llamado "Cachao: Como Su Ritmo No Hay Dos", y con el cofundador del Miami Sound Machine, Emilio Estefan, Jr, coprodujo el álbum de regreso de Cachao en 1994, Master Sessions, Vol. 1, que ganó un premio Grammy por Best Tropical Latin Performance. A medida que creció su perfil internacional, Cachao experimentó un resurgimiento creativo que culminó con Mambo Mass, una obra litúrgica atrevida que abarca elementos de la música afrocubana, la ópera, las tradiciones clásicas y que se estrenó en St. Vincent de Paul Catholic Church de Los Angeles, en el 2000. Lanzó ese mismo año el álbum Cuba Linda, y recorrió el mundo con una orquesta de 15 miembros, que a veces presentaba a García en los bongós. Cachao se asoció con los maestros cubanos, Bebo y Patato Valdés para El Arte del Sabor de 2003, y ganó un segundo Grammy por Best Traditional Tropical Latin Album, y ganó otro Grammy por el lanzamiento en solitario de 2005 de ¡Ahora Si! En 2006, Cachao fue honrado en dos conciertos de Jazz at Lincoln Center que presentaron la Afro-Latin Jazz Orchestra. Ese mismo año, también dirigió una banda mambo all-star en un programa de JVC Jazz Festival, en el Carnegie Hall. Cachao murió de insuficiencia renal en un hospital de Coral Gables, FL, el 22 de marzo de 2008. Tenía 89 años. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Esta arreglista cubano era el 'Rey del Mambo', con sus metales ardientes y percusión fascinante. El 14 de septiembre del año 1989, muere Dámaso Pérez Prado “El Cara de Foca” (1916 - 1989) a causa de un para cardíaco en Ciudad de México, México. Aventajado pianista, arreglista, compositor y director musical del fenómeno musical “El Mambo”. Hay al menos 5 versiones de su fecha de nacimiento. QEPD.
Universalmente conocido como el Rey del Mambo, Pérez Prado fue el músico más importante involucrado en la manía de este baile latino muy popular. Se discute mucho si en realidad creó el mambo, pero es muy claro que Prado lo desarrolló en un estilo brillante, con swing y con un atractivo enorme para los bailarines de todos los orígenes. En Matanzas, Cuba, donde nació y se crió, estudió piano, composición y arreglos, para desempeñarse como pianista es su ciudad con orquestas locales. En 1941, emigra a La Habana donde interpretó con muchos ensambles, entre ellas Cubaney de Pilderó, el de Paulina Álvarez y CMQ Radio, en los cabarets Kursaal, cercano al puerto de La Habana Vieja, y Pennsylvania de la playa de Marinao. En 1943 lo tenemos como pianista de la recordada orquesta Casino de la Playa, arregla también, notándose en ella, el inicio de su futuro estilo producto de experimentos con elementos del Jazz, ritmos y melodías cubanas. Poco después, para 1945 aproximadamente orquesta su primer grupo que llamó Conjunto Pérez Prado, graba algunos discos para el sello RCA Víctor sin mayor trascendencia exceptuando el No. 230463A que con creación de Faustino Miró y Pepé Delgado, la voz, nada menos que de la portorriqueña Myrta Silva, se dejan oír con el famoso tema “El tumbaíto”. Una guaracha-son que nuestra América bailó. Por el lado opuesto, Myrta de su inspiración, en tiempo de guaracha interpreta “Aquí estoy”. Puede ser este 78RPM el primero de su vasta discografía.Durante este mismo período se dedica como arreglista a trabajar para otros. En Caracas, Venezuela, aseguran estudiosos de la música lo hacía para la legendaria orquesta caraqueña de Alfonso Larrain. Concebido ya su Mambo con elementos básicos del que nosotros conocemos lo presenta como proyecto a la misma RCA y es rechazado por falta de entendimiento. Optimista viaja a México aconsejado por Francisco “Kiko” Mendive que figura era en la patria de Juárez. Así llega al Distrito Federal mexicano en 1946. Se hace arreglista y pianista de varias orquestas locales. Asistido por Kiko, Ninón Sevilla, vedette, actriz cubana, que tenía a Hispanoamérica embrujada con sus caderosos bailes en películas mexicanas, y el bongocero Clemente “Chicho” Piquero que consigue permiso migratorio y del Sindicato de Músicos del Distrito Federal, igual que lo hizo para Benny Moré, se estabiliza. Este cuarteto de cubanos se acentúa conforme el tiempo, Clemente se hace su bongocero, Kiko cantante, Ninón bailarina, mientras afianza su idea creativa y orquesta. Para 1948 el Mambo en México comienza a gustar entre el público general. Hace con Joaquín Pardavé la película “Del Can-Can al Mambo”, actúan también Abel Salazar y Pedro Vargas cantando. Aquí Dámaso nos regala: ¡Qué rico el Mambo”, “Mambo Latino”, “La chula linda”, “Mambo Baklán”, “Muchachita”y “Mambo en Sax”. En el filme “El pecado de ser pobre”, Bobby Capó pone voz por primera vez al Mambo en películas porque en vivo Kiko Mendive lo hacía. Mendive, posterior daría paso a Benny Moré. Chicho Piquero con su bongó pone distinción al sabroso y rítmico tema “Caballo negro”. Actúa en el Teatro Margo llenando diario y alternando con Luis Arcaraz. En 1949 hace arreglos para la película “Perdida” en que Agustín Lara, Ninón Sevilla y el torero del momento, Antonio Velázquez, forman el triángulo amoroso básico del drama. Ninón dobla la voz de Rita Montaner y Pérez Prado hace solos de piano, participan también Pedro Vargas, Los Panchos con Hernando Avilés que canta canción tema del filme. Coopera, asimismo en la cinta “Aventurera”. Es también el año en que el Mambo cruza fronteras mexicanas con el 78 RPM “Qué rico Mambo” y “Mambo No.5”. El mundo comienza la Mambomanía. Las Dollly Sisters, dos hermanas cubanas bien formadas y bellas se convierten en las primeras Mamboletas. Inicia viajes por todo el país dándole mayoría de edad a su ritmo. El Car’efoca, como lo apodan, con pleno dominio secciona su invención en dos: “Mambo Kaém” cuando lento y melódico, ejemplo “La chula linda”, y “Mambo Batiri” cuando rápido y rítmico, “Martinica y Batiri RCA”, lo son. En 1950 filma su cinta por excelencia “Al Son del Mambo”, en que se sobra con el piano, actúan Adalberto Martínez “Resortes”, Rita Montaner y Las Dolly Sisters (hermanas Vásquez). Luego hace “Dancing” (Salón de baile), Fernando Fernández canta con la banda y Gonzalo Curiel con su orquesta hace presencia. En “Víctimas del pecado” (1953), Ninón, Rita Montaner y él mismo se roban el espectáculo. Sin embargo, las primeras grabaciones de Pérez Prado para la RCA Víctor mexicana las hizo en 1948 con piano y ritmos solamente en los temas “El manicero” y “Tacuba”, seguidas por “José” y “Macome”, ya como Kaém. A lo largo de su fructífera carrera desarrolló otros subgéneros como LA CHUNGA, EL SUBY, EL TACONAZO, hasta llegar entrados los sesenta que con EL DENGUE se ayuda a permanecer en el estrellato. En EL DENGUE introduce un elemento rítmico nuevo al usar un ring de hierro, de los camiones de antes, que percutido bajo una misma composición rítmica, sistemática y constante, hace sonar el Mambo en forma diferente, rica, auténtica, ejemplo “El tartamudo”. Su carrera fue polémica, pero no su vida privada que fue muy correcta por cierto. El primer debate es por la nacionalidad del Mambo, mientras los cubanos se la acreditan por ser el ritmo cubano básico en su invención y por ser Pérez Prado natural de la isla. Los mexicanos afirman que Cuba lo rechazó y en México formó su banda con elementos nacionales, grabó sus discos, proyectó con películas y abrió todas las puertas posibles. Por otra parte los estadounidenses reclaman que es una progresión del Jazz. Todos tienen razón, lo dicho por cada uno de los tres bandos es cierto. Por eso compuso e interpretó “El Mambo es Universal”. Otro debate, entre los cubanos, es una corta lista de célebres músicos que se autoproclamaron y aún lo hacen creadores del Mambo. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 12 de septiembre del año 1929, nace Roberto Angleró Pepín en Fajardo, Puerto Rico. Compositor, cantante, arreglista y director musical; notable por haber escrito varios temas exitosos al estilo del bolero, la salsa y otros géneros de múscia afro boricua. Se le conoce también por haber escrito varios de los temas más importantes de la música en español, tantos como "La pared", "Si Dios fuera negro", "La boda de ella", "Soy boricua" y más. Cantó con la Orquesta de Bobby Valentin y “La Panamericana” de Lito Peña y compuso varios temas para El Gran Combo de Puerto Rico.
Se ha reportado que para disuadirle a Roberto de perseguir sus aficiones en lugar de perseguir un oficio o una profesión, en 1942 su padre lo mandó a vivir con la familia en el Bronx, Nueva York, dónde llegó a ser mecánico, lo cual sería su profesión para toda la vida. Sin embargo, también durante esa época tuvo la oportunidad de probar su suerte como percusionista y bailarín en los clubes latinos del área, e incluso recibió clases de percusión de Max Roach. Durante su estancia en Nueva York, Angleró fue reclutado por el servicio militar obligatorio y se unió a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos donde sirvió cuatro años. Participó en la Guerra en Corea y finalmente fue estacionado en bases de la Fuerza Aérea en Alabama y en Texas. Según el mismo Angleró, enfrentó múltiples incidentes de discriminación racial durante su servicio militar en el sur de Estados Unidos y una particularmente mordaz se produjo en Baton Rouge, Louisiana, donde el propietario de un restaurante se negó a servirle la cena y más tarde llamó a la policía militar para que escoltara a Ánglero y a un amigo judío-estadounidense fuera del Estado. Angleró recuerda que, siendo un orgulloso veterano de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, incidentes como éste le hicieron convertirse en un ferviente partidario de la independencia de Puerto Rico. Estos incidentes también formaron sus puntos de vista sobre las relaciones raciales, la mayoría de los que se expresaron con humor en uno de sus grandes éxitos, un tema bomba puertorriqueña llamada Si Dios Fuera Negro, el cual cantó él mismo. Según Ánglero, la melodía de este tema le vino mientras soñaba. Después de regresar a Puerto Rico, y de haber superado el problema de miedo escénico que sufría, Angleró tocó con algunos tríos y cuartetos en Barrio Obrero, hasta que se hiciera integrante de la Orquesta Panamericana de Lito Peña. Con la orquesta de Peña, cantó, tocó percusión menor, y con la ayuda de Peña y su pianista de mucho tiempo, Héctor Urdaneta, comenzó a componer temas para la banda. Fue durante esta época que compuso su tema más conocido, "La Pared"; un bolero que ha sido versionado más de sesenta veces y cuyas versiones más conocidas, además de la original con la Panamericana (cantada por Yayo El Indio), cantaban Felipe Pirela (cuya versión encabezó las listas en Venezuela natal de Pirela durante tres meses), Roberto Ledesma Xiomara Alfaro y Armando Manzanero. Después de su tiempo con la Orquesta Panamericana, Angleró estableció una relación con El Gran Combo de Puerto Rico como compositor. Escribió una serie de canciones para El Gran Combo, incluyendo: Serrana (1968), Dos copas y un olé (1969), La salsa de hoy (1974), La soledad (1976), y dos grandes éxitos, Aquí no ha pasado nada (1978) y Las hojas blancas (1973). Muchos de estos temas han sido regrabados por El Gran Combo en versiones posteriores. Durante un breve tiempo, Angleró fue uno de los cantantes de la orquesta de Bobby Valentín. Después, empezó el primero de varios comienzos de su propia banda con un joven Marvin Santiago como su cantante principal. Se ha reportado que Angleró tuvo que cambiar el nombre de una de sus bandas, Angleró y Su Congregación, para no se pareciera una blasfemia, Marvin Santiago más tarde se unió a la banda de Valentín y llegó a ser su primer cantante destacado. Angleró, a su vez, escribió varias canciones para la orquesta de Valentín, tales como: Mírate al espejo, Amolador, Son son charari, y dos grandes éxitos: el himno "Soy boricua" (una canción patriótica puertorriqueña) y "La boda de ella", un gran éxito para la banda y luego un exitazo para el sonero Cano Estremera. Actualmente, Angleró está prácticamente jubilado del negocio de la música, pero todavía aparece de vez en cuando en programas de radio como comentarista. Apareció en un corto biopic filmado por WIPR-TV en 2003. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 12 de septiembre del año 2010 se realizó un homenaje a Roberto Roena, "El Señor Bongó" con la develación de un busto en La Plaza de los Salseros en Santurce, Puerto Rico.
Roberto Roena (nacido el 16 de enero 1938 en Mayagüez, Puerto Rico) es percusionista, director de orquesta, y bailarín. Fue uno de los miembros originales de El Gran Combo, primera exitosa orquesta de salsa de Puerto Rico. Más tarde, llegaría a ser el líder de su propia orquesta, "Roberto Roena y Su Apollo Sound", sin duda una de las mejores bandas de salsa en Puerto Rico. También ha sido un miembro de largo plazo de la Fania All Stars, un supergrupo de salsa que ha disfrutado de un éxito por todo el mundo desde la década de 1970. Roena dio sus primeros pasos en el arte del baile mediante la organización de rutinas de baile con su hermano Cuqui en su ciudad natal. Cuando Roberto tenía nueve años, su familia se estableció en Santurce, donde los hermanos continuaron perfeccionando sus rutinas de mambo y cha-cha-chá, deleitando a su público en concursos de talento. Esto llevó a su contrato de actuaciones semanales en el programa de televisión "La Taberna India" en WKAQ-TV. Durante las transmisiones, el percusionista Rafael Cortijo vio a Roena en acción. Roena, aparte de ser un bailaín, tocaba muy bien las congas. Cortijo lo tomó bajo su ala y le enseño a tocar los bongós para que más tarde llegara a ser el bongocero para su banda. Cuando Roberto tenía 16 años, a Cortijo le hacía falta un bongocero para un grupo en ciernes de formarse. La visión de Cortijo era tener un bongocero que podría bailar y tocar los bongós y cencerro al mismo tiempo. Cortijo se decidió por reclutar a Roberto para su nueva banda, y personalmente enseñó a Roberto cómo se tocan los dos instrumentos. El nombre del grupo deriva del nombre de una banda existente denominada "El Combo" en el que muchos de los miembros originales de la banda habían estado involucrados. Durante siete años, Roena fue parte del grupo de Cortijo y su Combo, con Ismael Rivera como vocalista. Con esa alineación, recorrieron las principales tarimbas de los Estados Unidos, Europa, y América del Sur. Vale la pena señalar que "Cortijo y Su Combo", mayormente compuesta por músicos negros de origen puertorriqueño, fue el primero de su tipo para lograr el accesso a los estadios donde sólo los artistas blancos se presentaban, dentro y fuera de Puerto Rico. Con la detención de su cantante, Ismael Rivera, por cargos de posesión de drogas, terminó la buena fortuna del Cortijo y su Combo. Durante la ausencia de "El Sonero Mayor", los músicos de Cortijo discutieron la posibilidad de quedarse juntos. Algunos miembros del grupo optaron por distanciarse de su cantante encarcelados, y así nació "El Gran Combo". Por gratitud y lealtad para con Rafael Cortijo, su mentor, Roena no se unió de inmediato al nuevo Combo. Finalmente Cortijo se fue a Nueva York en busca de nuevos músicos, y después de nueve meses, Roberto, que se había quedado en Puerto Rico, decidió unirse a "El Gran Combo" que luego fue dirigido por el pianista Rafael Ithier. El Gran Combo se convirtió en la nueva sensación de la música latina, y Roena formó parte del grupo hasta 1969, Con deseos de establecer su propia orquesta de salsa, Roberto formó "Los Megatones" en 1967, tocando durante el miércoles de Latin Jazz en un club local. Dos años después de la formación de "Los Megatones", como resultado de diferencias personales con Andy Montañez, uno de los vocalistas de "El Gran Combo", Roberto dejó "El Gran Combo". En 1969, Roena pasó a formar una banda con el nombre de "Roberto Roena y Su Apollo Sound", durante esa época una de las mejores bandas de salsa en Puerto Rico. La nueva orquesta se bautizó "El Apollo Sound", porque el lanzamiento de la misión lunar Apolo 11 de la NASA coincidió con el día del primer ensayo de la banda. La banda grabó varios éxitos como Y tu loco loco, Traición, Que se sepa y Herencia rumbera. Roena también ha sido miembro de largo plazo de la Fania All Stars, el grupo de escaparate para el sello Fania Records, que ha disfrutado de mucho éxito por todo el mundo desde la década de 1970. Grabó el tema "Coro Miyare", con el grupo; y las actuaciones en vivo de la canción aparece Roena tocando los bongós y bailando con su tío, el legendario bailarín de salsa Aníbal Vázquez, en una sección coreografiada que casi siempre recibió ovaciones de pie por parte del público. En la misma década, de los 1970, Roena dio un paso gigantesco en la fusión de la salsa con el jazz, al juntar fuerzas con la superestrella de África, el saxofonista Manu Dibango de "Soul Makossa". Incluso sin saber leer ni escribir música, y probablemente a causa de ello, Roena sabía rodearse de excelentes músicos y arreglistas. "Apollo Sound" contó con músicos del conjunto de Tito Puente, "Cortijo y su Combo", "El Gran Combo" y "Los atardeceres", entre otros. Algunos más de los arreglistas y compositores que nutrieron el repertorio de Roena fueron Mario Ortiz, Bobby Valentín, Elias Lopes, Luis "Perico" Ortiz y Papo Lucca. Con "Apollo Sound", Roberto presentó un "nuevo" sonido de la música salsa mediante la utilización de dos trompetas, un trombón y un saxofón, una combinación que tomó de la influencia de la sección de viento del grupo de rock Blood, Sweat and Tears. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 12 de septiembre del año 1988, muere Carlos Manuel Palmieri Maldonado “Charlie Palmieri”, “El Gigante de las Blancas y las Negras” (1927 - 1988) en el Bronx, New York, a los 60 años. Aventajado pianista, arreglista, compositor, productor, y director de su “Orquesta La Duboney” y de las Estrellas Alegre.
Charlie Palmieri, hermano mayor del pianista Eddie Palmieri, nació en la ciudad de Nueva York. Subió por los rangos del circuito de orquestas de bailes latinos y bandas de hotel en los años 50 y lideró grupos con formato de conjunto, con trompetas ocupando el primer plano. El día de año nuevo de 1959, Palmieri presentó la banda Charanga Duboney, una charanga al estilo cubano con flauta y cuatro violines al frente, que eventualmente transformaría la música latina en Nueva York. La Charanga Duboney, teniendo como atracción a Johnny Pacheco en la flauta, era inmensamente popular a comienzos de los años 60, a veces tocando hasta cuatro veces por noche. La misma revivió el sonido de la Orquesta Aragón de Cuba y trajo una nueva corriente en el sonido de la música latina en Nueva York. Al revivir la charanga, Palmieri también abrió camino para híbridos de vanguardia jazzisticos. En 1961 se convirtió en el director musical de las Estrellas Alegre, un grupo de músicos, cubanos, puertorriqueños y neoyorkinos que combinaban mambos con solos de jazz extendidos en discos para el sello Alegre. En The Latin Tinge, donde se provee una historia de la música latina en Estados Unidos, John Store Roberts describe esas sesiones como “un balance casi perfecto entre el jazz y elementos latinos”. También dice que la media docena de sesiones de grabación que se dieron “estimularon cien imitaciones”. La Charanga Duboney y las Estrellas Alegre establecieron a Charlie Palmieri como uno de los líderes indiscutibles de la música latina. Se presentó con sus propios grupos, como invitado especial, con jazzistas como Cal Tjader y en conciertos que reunían la cumbre pianística con su hermano Eddie. En los años 70 y a comienzos de los 80 dividió su tiempo entre Puerto Rico y Nueva York, pero luego de mudarse al Bronx nuevamente formó El Combo Gigante, con la atracción de Jimmy Sabater como vocalista. Luego de un ataque al corazón se le dijo al maestro Palmieri que no podría recobrar el uso normal de sus manos, pero regresó de manera regular a los estudios de grabación y actuaciones. Su último álbum fue A Giant Step. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 11 de septiembre del año 1962, nace Isaac Felipe Delgado Ramirez “Isaac Delgado”, “El Chevere de la Salsa” en La Habana, Cuba. Bravo sonero especializado en la timba, de extraordinaria participacion con bandas como“Proyecto”, “NG” y quien ahora como solista sigue demostrando su enorme talento.
En 1983, Isaac propulsa su carrera profesional convirtiéndose en uno de los miembros de la "Orquesta de Pancho Alonso" como voz principal. Empezó a viajar por el mundo con la orquesta y grabó su primer disco compacto. A fines de los 80, Issac Delgado ya habría viajado extensamente. En 1987 se convierte en el vocalista de "Galaxia". En 1988, lidera el grupo "NG La Banda" como vocalista. Con este grupo consigue una gran fama. Grabó tres álbumes y fue galardonado con el premio EGREM 1990-1991, que les otorga los premios de mejor calidad musical y agrupación más popular de la nación. En 1991. crea su propia banda y graba el álbum, "Dando la Hora" bajo la dirección artística de Gonzalo Rubalcaba. Este álbum recibe el premio EGREM 1992. Posteriormente graban el álbum "Con Ganas" que recibe el premio EGREM 1993. En 1994 vuelve a recibir este premio por El Chévere de la Salsa y El Caballero del Son. Viaja a Estados Unidos donde actúa en el 'Festival de Salsa' en el neoyorquino Madison Square Garden con Celia Cruz, José Alberto "El Canario" y Grupo Niche. En Nueva York grabó otro álbum, titulado "Otra Idea". En 1997 actúa en el festival 'Guerra de la Salsa' con La India, Rey Ruiz y Tony Vega. En el 2006, cruzó la frontera EE.UU.-México y entró en Laredo, Texas y desertó, llevando con él sólo a su familia (su mujer Massiel Valdés, y sus dos hijas Dalina y Alessia). Su último disco fue lanzado en el 2010 titulado Love. Ahora vive en Tampa, Florida. En marzo del 2013, tras siete año sin visitar su país, regresa a La Habana debido a una invitación que le hace el cantautor Silvio Rodríguez y realiza junto a él un concierto en el barrio Tamarindo, del municipio Diez de Octubre. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Pequeño Johnny ha compartido su talento especial no solamente por todos los EE.UU., sino también por Canadá, Europa, África, Asia, el Caribe y el Pacífico Sur. El 8 de septiembre del año 1957, nace Johnny Rivero “Pequeño Johnny” en Nueva York de padres puertorriqueños. Excelso percusionista, productor, compositor y director de orquesta que compartiera por más de 16 años con“La Sonora Ponceña”. Luego ha laborado con Eddie Palmieri, Bobby Valentin, Celia Cruz, Dave Valentin, Tito Puente, Lucecita Benítez, “La RMM All-Stars Band”y su propia orquesta entre otras.
Si mal no recuerdo, fue en el 2006, después del lanzamiento de su álbum, Pasos Gigantes, que tuve la oportunidad de realizar una entrevista con este "pequeño" gigante de las congas. Era su primer lanzamiento en solitario y Johnny estaba muy emocionado. No sólo pude escuchar sus emociones durante la entrevista, pero hasta las sentía. ¡Johnny había escrito y producido todos los temas de etse álbum! ¡Razón de más por estar tan emocionado! La entrevista se realizó mucho antes de la popularidad de la música digital, así que yo sabía de este artista y su obra por la lectura de las notas discográficas de muchos cds. En efecto, esto es precisamente la razón por la que le había pedido la entrevista. Yo estaba encantado de que me hubiera dado ese honor, pero por desgracia, la entrevista no se grabó. En su juventud, a Johnny le atraía el jazz latino y los sonidos y ritmos de los rumberos en la Cuidad de Nueva York. Tanto así que a los 10 años empezó a practicar la percusión y muy pronto se hizo integrante de su banda escolar. Poco después, le dio el prurito de tomar clases de baile, lo que últimamente le abrió paso para actuaciones en el escenario con las bandas de la época en lugares tan famosos como el Manhattan Center, el Colgate Garden, la Copacabana, y el Palladium. A los 14 años, se hizo miembro de la Orquesta Colón, en esa época la banda latina más joven de la ciudad de Nueva York, y con ella grabó dos álbumes. Alrededor del 1973, Johnny se mudó a Puerto Rico con sus padres, y poco despúés, en el 1974, se unió a la Sonora Ponceña. Después de tocar los bongos con la Sonora Ponceña por un año y medio, decidió probar su suerte con las congas, lo cual reavivó el encanto que de niño pequeño había tenido por ellas. Siempre humilde, es a don Quique Lucca y su hijo Papo Lucca, a quienes Johnny les atribuye su profesionalidad y entendimiento de los varios ritmos de la salsa. Considera que estas cualidades comprenden el fundamento de su desarrollo artístico. Durante los 16 años que tocó con la Sonora Ponceña, viajó por todo el mundo e hizo 18 álbumes impresionantes. Las colaboraciones de Pequeño Johnny no se limite a la Sonora Ponceña. Ha colaborado con otros productores y artistas de renombre como Tito Puente, Eddie Palmieri, Bebo Valdés, Celia Cruz, Charlie Palmieri, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Brian Lynch, el Dr. Lonnie Liston Smith, Rubén Blades, Andy Montañez, Giovanni Hidalgo, Ray Barretto, Patato Valdez, Changuito, Tata Guines, John Santos Sergio George, Paquito D'Rivera. En mayo de 1997, Johnny se sintió privilegiado por poder compartir el escenario con su inspiración e ídolo, José Mangual. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 2 de septiembre del año 2003, muere Néstor Sánchez “El Albino Divino”, “Maestro de Soneros” en el Bronx, USA. Excelente sonero que trabajo entre otros con “Orquesta La Protesta”, “El Conjunto Candela”, “Orquesta Harlow”, “Orquesta de Tito Puente” y “Orquesta de Bobby Valentín.
Sánchez, conocido con el apodo artístico de El Albino Divino, grabó más de 200 discos en su carrera, que comenzó en Nueva York en 1971 con la orquesta La Protesta, de Tony Pabón. Luego se integró al Conjunto Candela, que formó el pianista Héctor Castro, tras dejar la orquesta de Johnny Pacheco, y en 1976 se unió a la del Judío Maravilloso, el salsero neoyorquino Larry Harlow. Al llegar a la orquesta del pianista Harlow sustituyó a Júnior González como su vocalista principal y pasó a ser una de las estrellas del sello Fania. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 2 de septiembre del año 1958, nace Carlos Enrique Estremera Colon “Cano Estremera”, “El Dueño del Soneo”, “El Embajador de Barrio Obrero” en Barrio Obrero, Puerto Rico. Virtuoso sonero de destacadas participaciones con “La Mulenze”, “Orquesta de Bobby Valentín”, “Unisex Band” y su propia orquesta. Para muchos, es el mejor sonero de la actualidad.
Hijo de Aquilino Estremera y Juanita Colón; heredó esa condición congénita consistente en la incapacidad de producir pigmento por parte de las células de piel, cabello y ojos principalmente; que se conoce como albinismo. Aunque empezó como percusionista, posteriormente descubriría su vocación de sonero.Se inició en la música interpretando himnos religiosos, ya que era monaguillo.Luego de manera profesional hizo parte del grupo Barrio Latino y de la Organización Folklórica Los Pleneros Del Quinto Olivo. Sin embrago la gran oportunidad para Cano Estremera llegó de la mano del Productor y trombonista Cuto Soto, quien sirvió de puente para su ingreso a la Orquesta Mulenze (agrupación con la que alternó, pero nunca llegó a grabar un disco), ya que la vida le tendría reservado un encuentro con el gran Bobby Valentín. “El rey del Bajo” incluyó a Cano Estremera en su Producción de 1978, dónde el Albino dejó su registro vocal en los hoy clásicos: “La Boda De Ella”-y-“El Muñeco De La Ciudad”. Posteriormente vendrían una serie de aciertos musicales, consignados en seis larga duración (incluidos dos como solista invitado) que grabaran la Dupla: Valentín-Estremera.Asì se produjeron éxitos como: “El Gato” – “La Gringa” – “Buen Corazón” – “Manuel García” – “Porque Me Citas” – “Siénteme” y “Me Quedé Con Las Ganas” entre otros. Para finales de 1984 Cano Estremera decide probar en solitario, iniciando una carrera con su propia agrupación.En 1986 obtuvo el Premio Paoli como: Cantante de Salsa del Año y el Premio Orgullo de Caserío que entrega la Corporación de Renovación Urbana de Pto.Rico. En 1988 el albino se estrena como productor de sus propios discos con el álbum SALVAJE, que incluyó los temas: “Eres Tu-It’s You” (Original de Stevie Wonder) – “Ámame en Cámara Lenta” (Paz Martínez) – y – “Contigo” (Las Diego).La Producción contó con los arreglistas Julio Alvarado y Humberto Ramírez. En 1989 lanzó al mercado DUEÑO DEL SONEO, producción que marco el inicio de un ciclo de nuevas grabaciones.Este título serviría como apelativo del cantante boricua. El álbum trajo éxitos como: “Pero Me Hiciste Tuyo” – “Contigo” y “A Mí”. Al año siguiente se lanzó el Vol.2 de la serie DUEÑO DEL SONEO que incluyó como destacados los temas: “Amor A La Ligera” -Y- “Me Va A Extrañar”. A Inicios de la década del 90 publica el álbum EL NIÑO DE ORO, de allí recordamos: “Viernes Social” –y- “Pide y Toma”. En 1994 bajo el sello COMBO RECORDS salió al mercadoCAMBIO DE SENTIDO. Producción de Ralph y Derek Cartagena.Desafortunadamente casi nadie recuerda canciones como:”Con Ojos De Dólar”, “Después De Amar” y “Compañera De Trabajo”. Sus siguientes dos Producciones correspondientes a ésta década se titularon: PUNTO Y APARTE (1996) –y-DIFERENTE (1999), también editadas con COMBO. Cano Estremera es uno de los pocos “verdaderos soneros” que le quedan al género.Influenciado por vocalistas virtuosos como Ismael Rivera, Justo Betancourt y Pete Conde Rodríguez; el Albino ha sabido mantener un sello propio a la hora de improvisar y no tiene problema alguno en demostrar en cualquier tarima, porqué es llamado: El Dueño Del Soneo. Cano es un cantante de vanguardia que constantemente ésta creando distintas formas y estructuras melódicas del soneo. Incluso algunos le pueden tildar de “ excedido” cuando en tarima va creando versos muchas veces subidos de tono. El 21 De Noviembre de 2000 fue invitado a la grabación del disco: 45th. Aniversario de La Sonora Ponceña,donde magistralmente interpretó “Boranda”. En el año 2002 COMBO RECORDS sorprende con una nueva Producción de Cano Estremera,èsta vez realizando un Homenaje a su mayor influencia musical Ismael Rivera” El Sonero Mayor”.El disco se editó bajo el tituló de: OPERA ECUAJEY vol.1 ,lo que hace suponer que puede llegar un disco más.¿Cuando? OPERA ECUAJEY es una obra obligada para estudiosos y coleccionistas, que contiene temas clásicos del repertorio de Rivera y algunas narraciones de Elliot Pizarro. Lo más interesante del disco puede hallarse en que Cano no seleccionó el repertorio más difundido del desaparecido sonero, sino decidió incluir nuevas versiones de canciones como: “El Telegrama” – “Dolores”- “Lejos De Ti” –y- “Lo Que Dijo La Gitana”. En el año 2003 Cano hace parte del Disco de Puerto Rican Masters: La Historia de La Salsa, interpretando una sabrosa versión de los clásicos: “Cùcala”- y – “La Esencia Del Guaguancó”, y para terminar con broche oro, hace parte de la producción de Jose Lugo, titulada GUASABARA, en la cual interpreta El Muñeco; grabada a fines del primer trimestre del 2009 Aunque controvertido, Cano Estremera sigue siendo un genuino sonero, que aporta muchísimo a la salsa.Desde su escenario ha empezado a ejercer un papel casi de “fiscalizador” en defensa del género.Por ello mantiene la idea de publicar un libro, que sirva de autobiografía y modelo para quienes se inician en el difícil arte de sonear. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 2 de septiembre del año 1935, nace Eddie Orlando Pérez López “Eddie la Bala” (1935 - 2013) en Santurce, Puerto Rico. Legendario saxofonista fundador de “El Gran Combo de Puerto Rico” y quien también estuviera con “El Combo de Don Rafael Cortijo”.
Desde los 13 años de edad lo une un gran amor y lealtad a su más fiel acompañante: su saxofón, instrumento que Eddie “la Bala” Pérez ,uno de los fundadores e integrante de El Gran Combo de Puerto Rico, aseguró que lo dejaría de tocar el día que muriera. No hay duda de que así cumplió su deseo, porque ni el enfisema pulmonar que le aquejaba desde hacía 15 años había podido minar su enamoramiento con el saxofón. En total, contaba con 63 años de experiencia en el pentagrama musical. El veterano salsero, que gozaba de un buen sentido del humor y espontaneidad, estudió en la Escuela Libre de Música y fue a través de su profesor Luis González Peña que se enamoró del clarinete y luego del saxofón. Curiosamente, el salsero santurcino, criado en cuna humilde –su madre era costurera y su padre, chofer–, optó por no emprender una carrera en ingeniería tras haber sido aceptado en el Recinto Universitario de Mayagüez porque aseguró que “Dios me puso en la música”. Tras ganar experiencia en varias orquestas del patio, Eddie Pérez conformó la agrupación Cortijo y su Combo, de Rafael Cortijo, pero debido a diferencias en el conjunto, decidió con Rafael Ithier, Roberto Roena, Héctor Santos, Tito Vélez, Martín Quinones y Miguel Cruz salir del grupo, emprender un nuevo viaje en la música y funfdar en 1962 con sus colegas El Gran Combo de Puerto Rico, actualmente la principal institución musical de Puerto Rico. En el barrio que se crió, a Eddie le decían ‘Ese muchachito es una balita’ por ser ligerito corriendo. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El primero de septiembre del año 2006, muere Eduardo Richard Egües Martínez “Richard Egües” en La Habana, Cuba. Talentoso y legendario flautista de la charanga y el son cubano. Participó con la “Orquesta Monterrey”,“Orquesta Hermanos García”, “Orquesta Ritmo y Alegría” y “La Orquesta Aragón”.
Nació en Cruces el 26 de octubre de 1926. Comienza desde muy temprana edad a estudiar guitarra, flauta, piano y clarinete con su padre. A los 14 años integra como pianista la orquesta "Monterrey" y a los 16 años toca en la Orquesta "Hermanos García" y en la "Ritmo y Alegría”" En 1952 comienza a trabajar como flautista en la Orquesta Aragón donde permanece hasta 1985 que funda su propia orquesta. Con Richard Egües y Rafael Lay, la orquesta "Aragón" llegó a adquirir una sonoridad y sello propios, convirtiéndose en una de las principales orquestas típicas del siglo XX en Cuba. Sus improvisaciones en la flauta se hicieron tan famosas que casi todos los flautistas de orquestas típicas, tanto en Cuba como en el extranjero, comienzan a imitarle. Como compositor alcanzó los mayores éxitos con varios cha-cha-chá, entre ellos: "El bodeguero", "Bombón chá", "Picando de vicio", "Por qué me tienes así". También sus sones montunos "El qüini tiene bandera", "El trago", "La cantina", y "Maloja" obtuvieron un alto nivel de popularidad y difusión en Cuba. Compuso danzones cantados, entre los cuales, "Gladys" y "Cero penas" son los más famosos. También compuso canciones, boleros, guarachas, guajiras, baladas y otros géneros de la música popular. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El primero de septiembre del año 2005, muere Mario Álvarez Cora “Mario Cora” (1926 - 2005) en Connecticut, USA. Legendario trompetista de la “Orquesta de Tito Rodríguez, “El Combo de Rafael Cortijo” y “El Apollo Sound” con quienes estuvo por espacio de 15 años.
Mario Álvarez Cora se destacó en la salsa como trompetista, percusionista y cantante. Nacido en Arroyo, Puerto Rico, el 17 Octubre 1926, ingresó de niño a la Banda Escolar del Municipio de Arroyo. En 1943 integra el grupo de Lucas Texidor y luego la orquesta de William Manzano. En 1945 viaja a New York y se establece en Brooklyn trabajando con Johnny Concord, el Sexteto Puerto Rico de Toñito Ferrer, Marcelino Guerra, Arsenio Rodríguez, Machito y Mario Bauzá. En la época del Palladium ingresa a la banda estelar de Tito Rodríguez, donde tocaba trompeta y se hacía cargo de los boleros. En 1958 ingresa al Combo de Rafael Cortijo, donde permanece por más de una década hasta que en 1969 es miembro fundador del Apollo Sound de Roberto Roena, el cual integraría hasta 1984. En la isla alternó en los grupos de Moncho Usera, Mario Román, Héctor Narváez y Myrta Silva, mientras que en el ámbito de la Salsa fue un valioso apoyo en la Orquesta Cábala de su hijo Mickey Cora. Además grabó coros con Cheo Feliciano, Willie Rosario, Frankie Ruiz, Raphy Leavitt, entre otros. En sus últimos días Cora sufría de Alzheimer y estaba internado en un hospital en la ciudad de Bloomfield, en Connecticut, donde residía hace más de una década. Falleció a las 9:30 horas del 1 septiembre y fue enterrado en Puerto Rico. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com |
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