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EL GRAN COMBO DE PUERTO RICO:  JERRY RIVAS

8/25/2014

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El 25 de agosto del año 1955, nace Jerry Louis Rivas Díaz “Jerry Rivas” en Tampa, Florida, pero a los 5 años se mudó a Puerto Rico y se crió en Cataño. Desde los 13 años vive en Bayamón.. Bravo y destacado sonero a quien le tocó reemplazar a Andy Montañez en “El Gran Combo de Puerto Rico”.

Se inició en la música a los 12 años de edad tocando rock con sus amigos en las fiestas de marquesina.

Su formación musical es autodidacta y, además de cantar, toca guitarra, cuatro y tres.

En su adolescencia ingresó al grupo Complicación como guitarrista y permaneció por tres años.

Fue fundador del Conjunto Chaney en 1974. Este grupo surgió de "un golpe de Estado" que el músico y otros compañeros dieron al conjunto Cojoba, en el que participó de 1972 a 1974.

Jerry Rivas se integró a El Gran Combo el 19 de abril de 1977, en sustitución de Andy Montañez, que había abandonado el grupo luego de aceptar una oferta en Venezuela para cantar con el grupo Dimensión Latina.

"Curiosamente, quien me recomienda con Rafael Ithier fue don Quique Lucca, que me conocía porque me había escuchado cantar cuando estaba con (la orquesta) Latin Brass. Un día me llamó el (fenecido) timbalero Mike Marrero y me dijo que Rafa (Ithier) me quería ver y yo pensaba que era un vacilón, hasta que él me llamó y me regañó porque me estaba esperando y no llegaba", narra el cantante.

En su primera cita con el director de El Gran Combo cantó el merengue "Compadre Pedro Juan".

Luego fueron a un estudio de grabación, le pusieron una pista y cantó, mas los compañeros del grupo que lo escucharon no quedaron muy complacidos.

"Aquel día los muchachos opinaron que era muy blanco y por eso Rafa decidió reunirlos y les puso un demo que yo le había dado. Los mismos que no habían quedado convencidos conmigo, preguntaron que quién cantaba y Rafa les contestó que era el mismo blanco que habían rechazado el día anterior", sostiene.

Sus inicios con la orquesta no fueron fáciles, sobre todo por la asociación que le hacían con Andy Montañez. Pronto la percepción fue cambiando al lograr sus primeros éxitos: "Buscando ambiente", "Qué falta de respeto", "Pide perdón" y "No necesito nada", incluidos en el disco del 15 aniversario del grupo.

Desde entonces su aportación a El Gran Combo ha sido monumental, dejando a su paso una secuela de éxitos que abonan al enriquecimiento del repertorio salsero de Puerto Rico y el mundo.

Su primer éxito internacional fue "La clave y el bongó", incluido en el álbum "El Gran Combo en Las Vegas". Luego llegó "El menú", del disco "Happy days", con el que se consagró como figura salsera.

Ha grabado por lo menos 30 discos con El Gran Combo.


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BENNY MORÉ

8/24/2014

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Cantante y compositor cubano 

El 24 de agosto del año 1919, nace Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez “Benny Moré”, “El Bárbaro del Ritmo” (1919 - 1963) en Santa Isabel de Las Lajas, Cuba.  Fue uno de los pioneros  más destacados del soneo. Tuvo el privilegio de bautizar a Don Ismael Rivera como “El Sonero Mayor”. Extraordinario intérprete del son y pionero de la actual salsa brava quien estuvo con “El Conjunto Cauto”, “Conjunto Matamoros”,“Orquesta de Bebo Valdés”, “La Orquesta Aragón” y su priopia “Banda Gigante”.

En 1935, con 16 años, forma parte del primer grupo musical serio. Se va con su hermano Teodoro a cortar caña a la central Jaronú y conoce a Castellanos y Víctor Landa, que le ayudan a empezar a tocar la guitarra. Al año siguiente, 1936, se traslada a La Habana. Vive de vender frutas y viandas golpeadas o deterioradas y yerbas medicinales. En 1939 Bartolomé enferma de fiebre palúdica. Durante cuatro años vive como puede, tocando y cantando en bares y cafés que lo echaban a la calle para que no molestara a la clientela. 

A comienzos de los 40, en la emisora CMQ comienza un programa titulado Corte Suprema del Arte, en el que concursa todo tipo de artistas. Los que triunfan son contratados por empresarios sin escrúpulos, que los explotan, otros no tienen tanta suerte y su participación en el concurso es cortada de forma brusca y humillante por medio del toque de una campana. Bartolomé se presenta al concurso, nada más empezar a cantar le tocan la campana. Más adelante volvió a participar en este programa y ganó el primer premio. 

Su primer trabajo estable fue con el conjunto Cauto, que dirigía Mozo Borgellá. En la emisora CMZ cantó con el sexteto Fígaro, de Lázaro Cordero. En 1944 debuta en la emisora 1010, con un gran éxito, actuando con el septeto Cauto. Por entonces, Siro Rodríguez, del Trío Matamoros, lo escucha cantar en el bar El Temple, causándole una gran impresión. Algo después, el Conjunto Matamoros tienen que cantar en la emisora 1010 pero Miguel Matamoros está afónico y le pide a Mozo Borgellá (director del septeto Cauto), que le preste a uno de sus cantantes. Borguellá envío a Bartolomé, que se quedó con Matamoros, grabando varios discos. El conjunto estaba formado por Miguel, Siro y Rafael (voces), Ramón Dorca (piano), José Macúias y José Quintero (trompetas), Cristóbal Mendive (contrabajo) y Agustín Gutierrez (bongó). Al entrar Bartolomé pasa a ser la voz prima, substituyendo en este cometido a Miguel Matamoros, que se dedica a dirigir el conjunto. 

Benny Moré fue por primera vez a México el 27 de abril de 1945. Llegaba como cantante principal del Conjunto Matamoros para cantar en una serie de presentaciones en la XEW y los centros nocturnos El Patio y Follies. Al concluir estos compromisos y marcharse Miguel Matamoros a España, decidió quedarse. Don Pancho Aguirre, empresario y dueño del Río Tosa y Montparnasse, le contrató y además le ayudó para que trabajara en el Waikikí. En ese centro lo escucharon los dueños del Ciro's de Tijuana, quienes lo contrataron por un año. 

Benny Moré se destacó como compositor. En ese apartado recibió el apoyo de Graciela Olmos, La Bandida, que gustaba de componer -ella es autora de La enramada, entre otros éxitos- y rodearse de gente con talento musical. Así, las canciones de Benny se empezaron a conocer entre las mujeres galantes y noctívagos desmadrosos. Curiosamente, la que más le solicitaban era Desdichado, la primera que compuso, cuando tenía 14 años. Las grabaciones se hicieron algo común. Su genio seguía floreciendo. Benny no cesaba de componer, aunque muchas melodías llevadas a los discos habían nacido en los años difíciles de su vida, como la que le dedicara a su pueblo natal, San Isabel de las Lajas, o aquellas otras como Amor fugaz y Dolor y perdón, que le inspiró Margarita Bocanegra, la enfermera y auxiliar del doctor Ortiz Tirado, con quien contrajo matrimonio el 25 de agosto de 1945. 

Muchas de sus composiciones le brotaban en los momentos y lugares más inesperados, mientras se bañaba o a la hora de comer. "Alcánzame un papel y un lápiz que se me acaba de ocurrir una melodía", le decía a Margarita. Y así surgió Bonito y sabroso. Analfabeto musical, Benny era capaz de dictar a sus arreglistas lo que imaginaba, con fabuloso sentido de la armonía, los timbres, la rítmica. Y la voz, densa pero lírica, alegre o melancólica, sensual y violenta. 

En su terruño asimiló la música religiosa de los congos, la rumba negra y la trova tradicional. Era poco menos que imposible bailar con la música del Benny sin caer en la tentación de observar al mismo tiempo lo que hacía sobre el escenario. El uso de ciertas vestimentas en ocasiones lindantes con lo estrafalario, contribuía también a realzar sus actuaciones. Y es que el factor escénico, tal como lo empleaba Benny Moré, fue consustancial a su arte, aun cuando su singularidad de creador musical jamás dependió de extravagancias ni de elementos extramusicales para ponerse de realce. 

En La Habana se hizo maestro del género dominante, el bolero. Durante su estancia en México quedó deslumbrado con las grandes orquestas, de ahí su interés por participar con las mejores. Gana montones de dinero pero así mismo lo derrocha en francachelas de juego, licor y mujeres. Una de esas noches se sentó a la mesa de juego con Memo Salamanca "Pistachito" a las seis de la tarde del lunes y solo soltaron las fichas el miércoles a las ocho de la mañana. Estos excesos de licor, tabaco y peripecias de alcoba sumados al trabajo y las noches sin dormir terminaron de minar su salud ya resentida por las privaciones de la pobreza que sufrió de niño y adolescente. 

Viajó a Estados Unidos como cantante de la Orquesta de Luis Arcaraz, considerada como una de las mejores del mundo, con la que actuó en una ceremonia para los asistentes a la entrega del precioso Oscar del cine, en Los Angeles. Su estancia en México por alrededor de 15 años, con sus obligadas visitas a Cuba, fue placentera. Pero la nostalgia por su islita, por su gente y su conuco le obligaron a marcharse justo al triunfo de la Revolución, permaneciendo allí hasta el día de su muerte. Los interesados han dicho que Benny no se fue de Cuba porque no se lo permitieron. 

El 16 de febrero de 1963, tres días antes de morir en La Habana, Benny actúa en Palmira. 

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LUIS QUINTERO

8/24/2014

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El 24 de agosto del año 1967, nace Luis Quintero “Luisito” en Caracas, Venezuela.  Destacado y virtuoso percusionista que ha trabajado con “Orquesta de Oscar de León”, “Orquesta de la India”, “Orquesta de Marc Anthony”,“Black Sugar Sextet”, “Pornoson” entre otros.

Quintero es un timbalero que se destaca sobremanera del resto y que no es segundo de nadie. En efecto, Quintero, es un apellido relacionado directamente con la música, la calidad y el swing. La dinastía Quintero esta conformada por Doña Zoila de Quintero y Vicente Armando Quintero, y de esta unión nacieron seis hijos, cinco varones y una hembra.  El primero es Luis Quintero, amante de la percusión y las cuerdas, su segundo hijo es Carlos "Nené" un excelente músico y percusionista, muy solicitado al momento de forma una agrupación o de hacer una banda, el tercer hijo fue Ricardo, ejecutante del tres, la guitarra, el bajo, compositor y cantante, Jesús "Chú" Quintero es su cuarto hijo, considerado por muchos un músico completo, multiinstrumentista y cantante. El quinto es Rafael, por supuesto que músico nato, compositor, sonero y que se ha ganado el corazón de los franceses y por último Rosalía su sexta hija, la cual a trabajado como corista de grandes luminarias, se casó con nuestro amigo el bongosero Charles Peñalver. 

Doña Zoila falleció en 2003 y todos sabemos que ahora está al lado de su esposo y sus hijos Ricardo y Jesús " Chú", fallecidos en la tragedia del Orinoco, el 15 de Agosto de 1980. 

Luis Quintero Jr., nació en la populosa barriada caraqueña de San Agustín, un 24 de Agosto de 1967, sus padres Luis Quintero Sr. y María Vega de Quintero. Sus primeros pasos fueron en el ambiente de la parranda, gaita y aguinaldos en una agrupación llamada "Los Supertrema", de su tíos Ricardo y Jesús.  


Pasa luego a la agrupación dirigida por Jesús Blanco "Totoño" y llamada "La Nueva Generación", donde ejecutaba el bongó y el timbal siendo un niño de tan solo a ocho años de edad.  Luego sale a formar parte de la orquesta de Manuel Guerra denominada "Fa Menor".  De allí, con tan solo 12 años de edad, pasa a formar parte de una de las orquestas más representativas y con mayor vigencia, El Trabuco Venezolano.  Luego forma parte de la Orquesta denominada "Siete Cuero", con Alberto Borregales y otros.  Un día en una de esas descargas la cual era parte del show, motiva al músico y director del Grupo Daiquiri Alberto Slezynger, quien estaba presente como publico y lo motivo a componer el tema, "Chamito Candela".  Este se convierte en un éxito y con la participación de Luisito, dejando escuchar los solos magistrales de ese chamaquito. 

Luego forma parte de la orquesta del sonero del mundo, Oscar D´Leon.  Con éste duró aproximadamente 10 años, haciendo paralelamente grabaciones para otros músicos de la época como Yordano, Ilan, Ildemaro, Evio de Marzo y otros más. 

En esos diez años, fueron muchos los países visitados y mucha la experiencia ganada.  Vale destacar que Oscar se convirtió en un padre adoptivo, su tutor y hasta tuvo que firmar un permiso para poder viajar al extranjero.  En uno de eso viajes, visitaron la isla de Cuba.  
Estando en Cuba, Luisito se enferma de neumonía, por supuesto que esto llama la atención de todo el personal del centro médico, pues el solo hecho de ver a Oscar allí pendiente de su hijo, era ya un gran acontecimiento. 

En 1987, graba su primera producción titulada "Luis Quintero" donde lo acompaña el sonero venezolano Antonio Ramos "Yeci", como voz líder toda la grabación fue para el sello discográfico Sonográfica. 

En 1992, fija residencia en Nueva York, donde realiza trabajos para grandes luminarias como Natalie Cole, David Sanborn, Diana Kroll, George Benson y muchos otros. 

En 1993, se convierte en el director musical de La India, una relación de trabajo y sentimental que duró siete años. 

Quintero admiró siempre al desaparecido Ernest "Tito" Puente, onsiderado como uno de los mejores percusionistas del mundo al lado de Giovanni Hidalgo, Pequeño Johnny , Raphy Irizarry, Nicky Marrero, Tito de Gracia, Marc Quiñones, Bobby Allende, Jimmy Delgado y otros. 


Quintero también ha grabado al lado de Gonzalo Rubalcaba, La Combinación Perfecta, Isidro Infante y La Élite, Celia Cruz, Tito Puente, Isaac Delgado y muchos otros. 

En 2004 se convierte en director musical de la agrupación de Jerry Rivera.


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GRACIELA PÉREZ GRILLO

8/23/2014

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El 23 de agosto del año 1915, nace Graciela Pérez Grillo “Graciela”, “La 1era Dama del Latín/Jazz” (1915 - 2010) en La Habana, Cuba. Hermana menor de Frank Grillo “Machito” y quien lo acompañara con “Machito y sus Afrocubans”. Fundadora de la Orquesta de mujeres  “Anacaona” y auténtica referencia del son y el Latín/Jazz.

Graciela Pérez Grillo creció en Jesús María, un barrio afrocubano.  Comenzó a cantar desde temprana edad, animada por su hermano mayor adoptivo, Frank “Machito” Grillo, e inspirada por músicos que pasaban por allí. A los 17 años se unió a la pionera orquesta femenil Anacaona, grabando y viajando al extranjero a lugares como Puerto Rico, Nueva York y París.

En 1943, el director de orquesta Mario Bauzá la llamó a la Ciudad de Nueva York para reemplazar provisionalmente a Machito en su orquesta Machito and his Afro-Cubans, porque éste había sido reclutado por el Ejército de los Estados Unidos. Un año después cuando él regresó, Machito y Graciela comenzaron a compartir el role de primera voz, formando una relación de colaboración que duraría  más de tres décadas.

Con Machito y Bauzá, Graciela fue reconocida nacionalmente en los Estados Unidos, interpretando para artistas del jazz como Stan Kenton y Dizzy Gillespie. Machito and his Afro-Cubans fue una de las primeras grandes orquestas que incorporó ritmos latinos en los arreglos de jazz, logrando el reconocimiento popular para este nuevo estilo del mambo. Graciela fue quizás la primera mujer que infiltró el mundo del jazz latino dominado por hombres. En 1950, Machito y Graciela triunfaron en el escenario del famoso Palladium Ballroom junto a otros como Tito Rodríguez y Tito Puente, tocando para públicos no segregados.  En 1963, después de grabar numerosos álbumes con Machito and his Afro-Cubans, ella hizo su debut como solista conEsta es Graciela, y le siguió con Íntimo y Sentimental en 1965. Ambos álbumes tuvieron éxito comercial.

En 1973 Graciela y Bauzá se separaron de Machito, formando una nueva gran orquesta que recogería múltiples nominaciones al premio Grammy a lo largo de los años 1970 y 1980, hasta la muerte de Bauzá en 1993. Graciela continuó grabando esporádicamente  después de su retiro en  1993 y su álbum Inolvidable obtuvo una nominación al premio Grammy en 2005.  En 2007 Graciela fue honrada con el Premio Grammy Lifetime Achievement Award. Conocida como la “Primera Dama del Jazz Latino” y “Reina del Jazz Afro-Cubano”, Graciela murió a la edad de 94 años en 2010.


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JOEY PASTRANA

8/22/2014

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El 22 de agosto del año 1942, nace José Luis Pastrana Santos “Joey Pastrana” en Santurce, Puerto Rico.  Bravo y original percusionista, compositor y director musical. Auténtico pionero del genero bogaloo con “Joey Pastrana y su Orquesta”.

La década de los 60’s desencadenó una interesante oleada de propuestas y paradigmas en el escenario mundial de las artes. Ya el desarrollo tecnológico comenzaba a dar algunas luces. Observar la posibilidad de llegar a conquistar la luna, fue tan sorprendente como la hazaña musical planetaria alcanzada por aquellos cuatro excéntricos chicos de Liverpool. Y vaya que sí hubo cambios. La avanzada musical definitivamente sería otra a partir de aquellos días. Era el preludio de un “Woodstock” girando en torno a una joven generación de talentos, que sin dejar de ser leales a sus raíces latinas, definieron muy bien su concepto musical como auténtica expresión del Harlem de Nueva York. Así surgiría el Boogaloo y el Shingaling, como una corriente con claros elementos del Pop moderno fusionada con un evidente aire de ritmo cubano.

En el ambiente del “Latin Soul” americano, un grupo de jóvenes había tomado por asalto un nuevo reducto musical con personalidad propia. En consecuencia, la propuesta presentaría una opción de baile como interpretación local. Se insiste en que la inspiración parte de una “Guajira in Blue”. Como quiera que sea, algunos de estos noveles músicos —que se habían nutrido de las influencias de los tres grandes y las clásicas orquestas cubanas de los 40’s y 50’s- intuyeron la necesidad de tender un puente, entre el cadencioso ritmo afrocubano, y el abrumador movimiento Pop americano, donde este último en particular centraría su intención de ritmo en un atractivo sentido hacia el baile. El éxito del ritmo era el producto de su propia figura de baile. Y esto no es sólo un axioma comercial discográfico. Los negros americanos y los descendientes de latinos en NYC  habían encontrado un modo común de interpretar su propia mezcla rítmica y vocal: el Boogaloo.

Joey Pastrana es uno de aquellos legendarios chicos que a mediados de la fulgurante década de los 60’s, dirigió su dotación y estilo de banda hacia la interpretación del moderno acento de “Latin Soul” conocido como Boogaloo. Es probable que cualquier conjunto clásico de Salsa de NYC de aquella época pudiera fácilmente —y con toda propiedad— interpretar y ejecutar los rudimentos del Boogaloo; sin embargo, no todas las agrupaciones nacientes del género Boogaloo podían hacer lo mismo frente a los ritmos cubanos usualmente abordados en la “Salsa”. No obstante, Joey Pastrana sería una excepción. Él supo mantener un discreto equilibrio en su interpretación de ambos géneros.

Tal vez su “Rumbón Melón” se ha convertido en una de las más difundidas antologías del sonido tradicional de la Salsa de NYC. El reconocido músico y director de orquesta venezolano, Johnny Sedes, en una entrevista para la radio expresó: “La aparición de los temas ‘Fango’ y ‘Rumbón Melón’  fijaron las directrices de cómo tenía que ‘sonar’ la Salsa de NYC. A partir de estos temas, algunos conjuntos del Son Moderno de Nueva York (Salsa) siguieron esa ruta: el tipo de sonido, arreglos, acento, estilo, dotación, etc”. Particularmente pienso que esta reflexión del Maestro Johnny Sedes es digna de ser apreciada y valorada en su contexto.


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PACHO ALONSO

8/22/2014

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El 22 de agosto del año 1928, nace Pacho Alonso en Santiago de Cuba, Cuba). Virtuoso guarachero y sonero que se inicia con la “Orquesta Chepín Chovén”, “Orquesta Jazz Band de Mariano Mercerón” y sus Banda “Pacho Alonso y sus Modernistas”, “Pacho Alonso y sus Bocucos”, “Pacho Alonso y sus Pachucos”.

Excelente vocalista de extraordinaria afinación, fraseo y métrica perfecta al cantar. creador de un estilo propio, lo mismo para cantar boleros que los ritmos bailables, especialmente el son. Fue también un sobresaliente director de orquesta y de diferentes agrupaciones musicales. Interpretaba una especie de estampas musicales costumbristas que relataban momentos y personajes de su ciudad natal. Llegó a marcar un estilo “a lo Pacho”.

Desde muy pequeño comenzó a hacer presentaciones con una compañía de teatro infantil que actuaba en el antiguo Teatro Coliseo de su ciudad natal. Su debut artístico profesional se produjo en 1945 en un programa de la emisora CMCK, en Santiago de Cuba, al sustituir a un hermano. Le siguieron entonces las presentaciones de la Cadena Oriental de radio CMKW. Antes de ser artista, ejerció el magisterio y fue en las aulas de primaria donde comprendió que su verdadera vocación estaba en el escenario y el pentagrama. A los 18 años conoció a José Antonio Méndez, quien lo presentó en la conocida Emisora Mil Diez de La Habana. De regreso a Santiago concluyó los estudios de magisterio, sin abandonar sus actuaciones en Cadena Oriental de Radio. Accedió al mundo soñado en 1951 al ser contratado como vocalista en la orquesta de Mariano Mercerón, ocasión en que grabó sus primeros discos. También eran cantantes de esta orquesta en esa época Fernando Álvarez y Benny Moré. Pacho era el cancionero; Fernando, el bolerista y Benny, la estrella; popularmente conocidos como Los tres Mosqueteros. El primer grupo creado por el músico se denominó Pacho Alonso y sus Modernistas en 1952, con residencia en Santiago de Cuba. Esta agrupación se reestructuró cuatro años después y ya en La Habana cambió su nombre por el de Pacho Alonso y sus Bocucos y más tarde creó otra agrupación: Pacho Alonso y sus Pachucos.

A mediados de la década de los cincuenta grabó su primer disco: Cha-Cha-Cha de la Reina, exitosa creación de Enrique Bonne acompañado por la orquesta de Mercerón. En 1957 se radicó en la capital de la Isla, y amenizó bailables en centros nocturnos y sociedades de recreo; paralelamente se presentaba en radio y televisión. Cantó también en los carnavales capitalinos. A fines de 1958, llegó a la cima de la popularidad con Enfermo del Alma y Dame un chance de Electo Rosell Chepín. Entre los éxitos más importantes de Pacho Alonso a lo largo de toda su carrera se incluyen Yo no quiero piedra en mi camino, de Enrique Bonne, y los boleros Imágenes, Tú no sospechas y Nieblas del riachuelo, temas grabados por la disquera RCA Víctor, que en 1960 le otorgó el Disco de oro por La Pachanga, de gran popularidad entonces en Cuba y otros países de la América Latina, principalmente Colombia. Una noche en el Scheherezada fue su primer disco de larga duración, en el que se muestra como uno de los más grandes cultivadores del bolero y enseguida le siguió Que me digan feo.

La agrupación Pacho Alonso y sus Bocucos trabajó estrechamente con Faustino Oramas, el Guayabero, Ibrahim Ferrer y Carlos Querol. Con Enrique Bonne, incorporó un nuevo ritmo: Pilón, modalidad con antecedentes en el órgano oriental, y toma su nombre del instrumento donde se descascara el café. En 1967 forma un nuevo grupo llamado Pacho Alonso y sus Pachucos, dando muestras de su gran versatilidad y destacada creatividad. El dueto Bonne-Alonso logró que nuevas modalidades gozaran de popularidad, como el ritmo Simalé y el UPA UPA, aunque nunca con el extraordinario éxito del Pilón.

Pacho Alonso cosechó aplausos viajando por varios países de América, Europa y África. A finales de los años setenta incorporó a su hijo Pachito, ya destacado pianista y arreglista, a quien entregó la conducción de la orquesta antes de su repentina muerte.



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GILBERTO SANTA ROSA

8/21/2014

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El 21 de agosto del año 1962, nace Gilberto Santa Rosa “El Caballero de la Salsa” en Carolina, Puerto Rico. Extraordinario y versátil sonero de destacadísima participación con Bandas como “La Orquesta de Mario Ortiz”,“La Grande Orquestra”, “La Puerto Rico All Stars”, “Orquesta Willy Rosario”, “La Puertorriqueña”, “La Primerísima de Puerto Rico”, “El Combo del ayer” y su propia Orquesta. En la actualidad es el máximo referente junto a Oscar de León de la Salsa Mundial.

Gilberto Santa Rosa Cortés nació en Puerto Rico el 21 de agosto de 1962, hijo de Don Gilberto, un delineante de planos de ingenieros y Ana María, operadora de las primeras computadoras IBM de la isla.

Santa Rosa tuvo una niñez feliz, llena de cariño y amor. Era un chico tímido, pero con suficiente carácter para tomar decisiones desde muy corta edad. También fue muy consentido, ya que era el único varón entre dos hermanas.

"Fui un niño feliz, tuve una infancia bastante normal, llena de estabilidad emocional. Mis padres, gracias a Dios, aún están juntos; por ellos soy tan familiar, trato de llevar mi vida de acuerdo a los valores que tengo desde que era un nene", afirma.

Su carrera musical inició a mediados de la década de los años 70 cuando participó en las orquestas De Mario Ortíz, La Grande Orquesta, y con la Orquesta de Willie Rosario con las que da sus primeros pasos.

A mediados de los años 80 decide formar su propia orquesta, y empieza a generar una serie de éxitos que le darían gran fama y popularidad, tales como De amor y salsa, Punto de vista, Vivir sin ella y Perspectiva, entre muchos otros.

La década de los 90 continuó con la publicación de exitosos discos, sencillos que llegaron a los primeros lugares de popularidad y una gran cantidad de premios, reconocimientos y colaboraciones con muchos artistas de diversos géneros.

En 1995 Gilberto se convirtió en el primer cantante de salsa que se presentó en el prestigioso teatro Carnegie Hall, en Nueva York.

Otro de los logros de Gilberto es el haber descubierto e impulsado la carrera de Víctor Manuell, que con el paso del tiempo se convertiría en un reconocido cantante de salsa, y con el que editara el disco conjunto Dos soneros, una historia, en el 2005.

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EDGAR JOEL

8/20/2014

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El 20 de agosto del año 1961, nace Edgar Joel en Philadelphia, USA .  Intérprete de la llamada salsa romántica.

Edgar Joel nació en Filadelfia, de padres originarios de la “Isla del Encanto”, Puerto Rico. Mostró un interés en la música desde los primeros años de su vida. Si bien en la escuela secundaria, comenzó a organizar grupos musicales para actuar en bailes y fiestas locales. A continuación, pasó a formar parte de un popular grupo musical llamado “La Combinación Latina”. Con entusiasmo, deseo de superación, disciplina y dedicación que se caracteriza por ser un artista latino de primera clase, Edgar Joel formó una asociación con un joven vocalista con talento, Anthony Colón. Ritmo, melodía, letras románticas, y una manera de personalizar el sonido de la salsa; lo tiene Edgar Joel y su Orquesta.

Su primera producción “En el tope” lanzó los éxitos “Hechizo de luna”, “El reto”, “Me acordaré de ti”, “Ya soy tuyo”, “Shower me with love you”. Luego, lanzó la producción “Hasta el sol de hoy”, ha llegado a incluir éxitos “Hasta el sol de hoy”, “Si tuviera tus ojos”, “Cómo en los cuentos”, “Lo que no harías por amor”, “Cómo será”. Edgar Joel ha sido el destinatario de muchos premios prestigiosos dentro de la industria de la música latina, y es considerada hoy como uno de los mejores exponentes de la nueva salsa. Posteriormente, lanzó la producción “No juegues más (con mi amor)” donde se conocieron los éxitos “Pienso en ti”, “Me cuesta creer”, “A mi manera”, “No puedo sin ti”, “No juegues más”, “Urgencia”.

Su producción titulada “Me Atrapa La Noche”, incluye 5 temas compuestos por uno de los nombres más reconocidos en la industria, Gustavo Márquez, así como colaboraciones con Raúl Gómez, Mario Patiño, Paul Hoyle, Zoila Pacheco, y los arreglos de Andy superlativo Guzmán, Erick Figueroa, Ramón Sánchez, Martín Nieves, y Carlos Torres. Los éxitos son “A fuego lento”, “No te voy a olvidar”, “En las nubes”, “Me atrapa la noche”, “No puedo esperar”, “Aún me quema tu adiós”. En el 2005, luego de muchos años nos trae su gran producción “Mi lenguaje musical”, donde destacan los éxitos “Palabras son palabras”, “Vendrás”, “Solitario”, “Las alas de mi corazón”, “Un pedazo de vida”, “No lo vuelvo a hacer”, “Despedida”.

Lo ultimo lo lanza en el 2011, la produccion “Pa la historia”, donde destacan los exitos “Soy adicto”, “Si estoy loco”, “Me falta tu amor”, “Amores de pantalla”, “Ella quiere a otro”, “La fe me llevo”.

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RAY DE LA PAZ

8/20/2014

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El 20 de agosto, nace Ray de la Paz en el Bronx, New York; sonero versátil que se dio a conocer de la mano de su compadre Louie Ramírez y su proyecto “Noche Caliente”. Anteriormente estuvo con “Chino y su Conjunto Melao”, con la orquesta de “El Manos Duras” Ray Barreto, “La Orquesta Guararé” y quien con “La Spanish Harlem Orquestra” pone de total manifiesto su enorme calidad y respeto absoluto por la salsa brava.

LA VIDA de salsero de Ray de la Paz comenzó a inicios de la década de 1970. Tras una efímera experiencia de un año con el grupo Los Chanti –que le sirvió para encantarse con la música afroantillana–, el vocalista se aventuró a explorar otras posibilidades que le permitieran desarrollarse más como artista. En el transcurso del año 1972 estuvo participando con diversos grupos musicales, sin mayor importancia, hasta que en 1973 encontró la oportunidad que abrió nuevos surcos en su trayecto. 

"Un día estoy en el Bronx y oigo unos ruidos que vienen de un basement y me quedé parado escuchando. Oigo (el sonido de) las congas y un tipo cantando y me acerqué a preguntar. Me dicen que es un grupo que está empezando y se llamaba Goes Colón. Le dije al trombonista que yo cantaba y éste me dijo que regresara la semana entrante para audicionarme. Cuando fui, se trataba de otro grupo que él estaba organizando e hice mi prueba, quedé chévere con ellos y me integraron", comenta el salsero. 

A partir de entonces, Ray de la Paz se convirtió en el cantante de la orquesta Don Juan, un colectivo con una base armónica fuerte, con dos trombones, a la sazón del sabor que impuso el trabajo creativo de Willie Colón y Héctor Lavoe, que en esos años marcaban su dominio en el ambiente caribeño de Nueva York y Puerto Rico. Su experiencia en el grupo Don Juan le ayudó al cantante para alimentar su estilo interpretativo, que tomó, en parte, de la influencia del matancero cubano Justo Betancourt y del sonero Héctor Lavoe. 

"Después que escuché en un disco el tema 'Songorosongo', cantando Justo Betancourt, dije que no había pa' más nadie. Me gustó su interpretación por el sabor y el guapeo. Me aprendí la canción y la practiqué en casa porque era lo que estaba buscando", confiesa. 

Junto al grupo Don Juan visitó los estudios de grabación por primera vez.   En aquella ocasión trabajaron un disco de 45 rpm, hecho para el sello Mucho Records, en el que se patentizó la influencia que venía arrastrando de los cantantes Justo Betancourt y Héctor Lavoe. Aunque el disco no tuvo ninguna repercusión en el mercado, le abrió las posibilidades de trabajo y aumentaron sus presentaciones durante los fines de semana en los clubes de música latina neoyorquinos. 

En 1974 el grupo de Don Juan se desintegró porque su director "se mudó a Puerto Rico a hacer otras cosas".

Ray de la Paz, por su parte, continuó actuando en clubes de baile hasta que, poco tiempo después, conoció al músico Cruz de Jesús ("Chino"), quien lo invitó a formar parte de su grupo El Conjunto Melao. 

La experiencia con este grupo es considerada por el vocalista como "un escalón" en su devenir artístico. En éste, tuvo la oportunidad de rodearse de varias figuras importantes en el quehacer musical de la época, como Héctor Zarzuela, Jimmy Delgado, Eddie Temporal y Pablo Canti, entre otros. 

"Con ellos agarré mucha experiencia porque era gente que conocía bien el negocio", acota. 

Su impulso artísticoLa primera producción discográfica de larga duración (33 rpm) que logró Ray de la Paz en su historia fue junto a Chino y su Conjunto Melao.

El disco homónimo, lanzado en 1975 bajo el sello TR, impactó el mercado con temas como "Se derrama el melao" y "Qué bien te ves", dos melodías que, pese a la fuerza que tenían las producciones salseras que realizaba el imperio disquero de Fania, gustaron y pegaron en la radio.

Su estancia en este grupo duró escasamente un año. Su salida estuvo matizada por una oferta que el artista recibió para integrar el grupo Guararé, dirigido por el pianista Gil López y en el que participaron un grupo selecto de jóvenes y talentosos músicos, como Tony Fuentes (bongó), José "Papy" Román (trompeta), Jimmy Delgado (timbales), Papo Vázquez (trombón) y Ángel "Cachete" Maldonado (batá).

Su historia con Guararé quedó plasmada en dos producciones discográficas. La primera fue grabada en 1977 para el sello TR e incluyó los temas "Las latinas", "Juliana", "Realidad y sinceridad", "Quisiera", "Iguales", "Traviesos", "My Beautiful Bembé" y "Jeva de la java". 

Luego apareció "Renaissance" (1978), trabajada para el sello Inca (Fania) y producido por el maestro Ray Barretto. 
En esta producción la voz de Ray de la Paz se hizo notar en la interpretación de "Te quiero gratis", "Elegüá", "Guapo", "Qué linda te ves", "Sigo esperando", "Pan con bacalao" y "María". 

Para entonces, el cantante despuntó como uno de las mejores voces de la música antillana, con un fraseo exquisito y buena tesitura. Poco después su nombre comenzó a situarse entre las grandes ligas salseras, subrayando el mejor capítulo de su historia musical.

Corría el año 1978 cuando Ray de la Paz dio el salto más importante en su carrera musical, hasta entonces. Una noche, mientras trabajaba en el club El Campo del Sol, en el Bronx, el veterano percusionista Ray Barretto le hizo un acercamiento para que formara parte de su grupo. 

Barretto había concentrado los últimos años de su carrera en su trabajo como jazzista, luego del éxito que logró en 1975 con el disco homónimo junto a los vocalistas Tito Gómez y Rubén Blades.

Era un momento importante para el músico, por lo que su invitación para rearmar su batería salsera era una oportunidad que ningún cantante rechazaría. 

Ray de la Paz aceptó y, en un principio, se mantuvo en la orquesta interpretando los temas que habían sido éxitos en las voces de los cantantes que le antecedieron. El mismo año que ingresó a la agrupación participó en los coros del disco "Gracias" y un año después apareció también como corista en "Ricanstruction" (1979), el álbum que significó el reencuentro comercial de Ray Barretto y Adalberto Santiago.

Poco después, entró al grupo el cantante Eddie Temporal junto a quien armó el binomio vocal que acompañó a la orquesta del denominado "Rey de las Manos Duras" en los años siguientes. 

En el año 1980 apareció en el mercado la primera producción de Ray de la Paz con la banda de Ray Barretto, "Fuerza gigante", que circuló con los temas "Tu propio dolor", "Arallué", "Aguardiente de caña", "Los mareados", "Pura novela", "Guarapo y melcocha", "Tus mentiras" y "Fuerza gigante". En este disco también cantó Eddie Temporal. 

Luego, en 1982 acompañó a Ray Barretto como vocalista principal del álbum "Ritmo de la vida" y cantó las melodías "Manos duras", "Amor artificial", "Si no eres tú", "Granada", "Mi dedicación", "Indiferencia" y "Ritmo de la vida". En el ínterin, la agrupación del famoso percusionista lanzó al mercado otros dos discos pero sin la participación de Ray de la Paz.

Protagonista de un nuevo capítulo en la salsaA mediados de 1982, Ray de la Paz abandonó la orquesta del "Rey de las Manos Duras" inconforme con el trato que habían recibido sus grabaciones en el mercado, contrario al impulso que tomaron las de los cantantes que le precedieron. Además, reconocía que el sitial que había alcanzado como exponente salsero le abría un caudal de posibilidades para desarrollar su carrera con más ímpetu. 

Meses más tarde, la productora californiana oni Figueras le sugirió armar un proyecto musical diferente que tomara los temas más famosos de la canción balada para regrabarlos en formato de salsa, un experimento novel que, hasta ese momento, nadie había realizado. La propuesta contó también con la participación del veterano músico y arreglista Louie Ramírez y los cantantes Tito Allen y José Alberto "El Canario".

La idea era que cada vocalista seleccionara un par de temas de una lista de éxitos de baladas, y que luego se comenzara su montaje en clave salsera. 

"En un principio había que escoger las canciones que uno quería interpretar pero yo no escogí, esperando que los demás decidieran para yo tomar lo que sobrara. Como la productora tenía prisa por grabar, buscó otro cantante y me dejó fuera, con la casualidad de que el día de la grabación me aparecí por los estudios y Louie me pidió que cantara. Leí los temas y los hice", narra el salsero. 

Para su fortuna, las melodías que interpretó en ese álbum, que se tituló "Noche caliente", fueron los éxitos más brillantes de la producción y de los más importantes –comercialmente– para el género, en los inicios de la década de 1980. "Estar enamorado", "Todo se derrumbó", "O me quieres, o me dejas" y "Simple mágica" –todos en voz de Ray de la Paz– fueron la carta de triunfo de este nuevo proyecto que, en un giro radical, comenzó a trazar un nuevo rumbo para la música afroantillana. 

A partir del éxito que logró Ray de la Paz, la salsa comenzó a explorar nuevas posibilidades armónicas y líricas tomando en consideración las variaciones en los patrones de consumo –la mujer se colocó en el mercado como protagonista de las relaciones de intercambio–. 

A la vez, las canciones inscritas en el desarrollo de una lírica romántica, cuyo centro de exposición estaba circunscrito a la narrativa de las situaciones por las que atraviesan las relaciones amorosas, marcaban la tendencia del gusto de los programadores radiales, y por consiguiente del público, en un momento en que estos productos discográficos eran los más exitosos del mercado. 

Fue un nuevo momento para el género, ahora en su clasificación de "salsa romántica" que, contrario a las desviaciones rítmicas que le siguieron, en esta producción se conservó la esencia de la clave y el candor de su cadencia bailable. 

"Hicimos una salsa con canciones románticas que eran los éxitos de los baladistas, pero nunca se abandonó el ritmo.  Louie (Ramírez) conocía muy bien su trabajo y era muy apegado a la clave'", comenta Ray de la Paz.


Ray de la Paz retomó su carrera en solitario al arribo de la década de 1990 y hasta el presente se ha mantenido vigente por su inigualable arte interpretativo. 

En los últimos tiempos ha trabajado con Ray Barretto y la orquesta de Tito Puente. Desde 2002 forma parte de la portentosa agrupación Spanish Harlem Orchestra, junto a la que ha grabado los discos "Un gran día en el barrio" (2002) y "Across 110th Street" (2004).

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