Latin soul singer from the Bronx, a master of the smooth ballad, murdered in the 1970s at a young age.
Richly talented Latin music percussionist and singer.
"Honor the past, don't just remember it!" / ¡Honra el pasado, no lo recuérdes solamente! - Dizzie Gillespie
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A brilliant bassist, one of salsa’s foremost band leaders since the 1960s.
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Alegre Records was a New York record label that was founded in 1956 by Al Santiago who owned a 1950s record store in The Bronx named Casalegre and co-founded by clothing businessman Ben Perlman. It specialized in Latin music and was significant for featuring artists such as Johnny Pacheco and Tito Puente and was the first to record a series of great Latin artists, from Johnny Pacheco, Eddie Palmieri, through Willie Colón. It has been called the "Blue Note" of Latin music.
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Multi-instrumentalist (pianist, organist, flutist, bassist), composer, producer, musical director and band leader Multi-instrumentista (pianista, organista, flautista, el bajista), compositor, productor, director musical y director de orquesta
Bravo sonero, músico polifacético y productor que ha trabajado con Spanish Harlem Orchestrra y "Los Soneros del Barrio", entre otras orquestas y ha tenido una impresionante carrera en solitario. Fierce sonero, multifaceted musician and producer who has worked with “Spanish Harlem Orquestra” y “Los Soneros del Barrio”, among other bands and has had his own impressive solo career.
Destacado sonero que ha participado, entre otras, con Orquesta de Tito Puente, Orquesta de Charlie Palmieri, Orquesta de Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez y su propia orquesta. Featured sonero who participated, among others, with Orquesta Tito Puente, Orquesta Charlie Palmieri, Orquesta Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez and his own orchestra.
Guitarista, vocalista, fundador de La Sonora Ponceña y padre del pianista de renombre, Papo Lucca Guitarist, vocalist, founder of La Sonora Ponceña and father of renowned pianist, Papo Lucca
Sonero virtuoso que se inicia con “El Conjunto Club”, “La Sonora Matancera”, “Orquesta de Orlando Marín”, “La Fania All Stars” y “La Borincuba” entre otras orquestas. Virtuoso improvisational singer who starts off with "El Conjunto Club", "La Sonora Matancera", "Orquesta de Orlando Marín", "La Fania All Stars" and "La Borincuba" among other orchestras.
Legendario sonero, compositor y director de su propia orquesta, Machito y sus Afro Cubans; pioneros genuinos del fundamento del movimiento salsero mundial. Legendary sonero, composer and conductor of his own orchestra, Machito y sus Afro Cubans; genuine pioneers of the foundation of the world salsa movement.
Virtuoso percusionista, compositor, bailarín y sonero cubano, uno de los genuinos pioneros del jazz / jazz latino mundial. virtuoso percussionist, composer, dancer and Cuban improvisational singer, one of the genuine pioneers of world jazz / Latin jazz.
Bravo percusionista y uno de los congueros del mundo más respetados durante la época dorada de la salsa, quien colaboró con muchas estrellas de gran magnitud, como Tito Rodríguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, la Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri y Charlie Palmieri, entre muchos Otros. Tal vez el conjunto con el que más se asocia Frankie es la renombrada Orquesta de Larry Harlow A fierce percussionist and one of the world's most respected conga drummers during the golden age of salsa, who collaborated with many stars of great magnitude, such as Tito Rodriguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, the Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri and Charlie Palmieri, among many otros. Perhaps the ensemble that Frankie is most often associated with is the renowned Larry Harlow Orchestra
Sonera-cantante, percusionista y actriz que se ha destacado en presentaciones al lado de las orquestas de Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres y Julio “Gunda” Merded. Fue bautizada La Reina del Sabor por Tito Puente. Sonera-singer, percussionist and actrice who has excelled in presentations alongside the orchestras of Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres and Julio "Gunda" Merded. She was called La Reina del Sabor by Tito Puente.
One of the foremost singers of popular Puerto Rican music that spent many years singing with El Gran Combo de Puerto Rico Uno de los más destacados intérpretes puertorriqueños de música popular que llevó muchos años cantando con El Gran Combo de Puerto Rico
Extraordinario sonero que se convirtiese en el primer vocalista del sello Fania Records, y quien se destacó a su paso por orquestas como La Orquesta Oriental Cubana, Las Jóvenes Estrellas de Cuba, La Típica Novel, Orquesta de Johnny Pacheco, El Conjunto Sensación, Las Estrellas de Fania y su propia orquesta, haciéndolo una leyenda genuina y referencia del buen soneo. Extraordinary sonero that would become the first singer of Fania Records, and who stood in his path through orchestras such as La Orquesta Oriental Cubana, Las Jóvenes Estellas de Cuba, La Típica Novel, Orquesta de Johnny Pacheco, El Conjunto Sensación, Las Estrellas de Fania and his own orchestra, making him a true legend and a reference for good improvisational singer.
Exiliada cubana cuyas canciones apasionadas rezumaban nostalgia de la belleza natural de su tierra natal, así obteniendo el título de la "Reina de la Salsa". El 21 de octubre del año 1925, nace Úrsula Hilaria Celia Caridad Cruz Alfonso "Celia Cruz", "La Gracia Divina", "La Reina de l Salsa", La Guarachera del Mundo" (1925 - 2003) cantante-sonera de La Sonora Matancera, Orquesta Tito Puente, Estrellas de La Fania, Orquesta de Johnny Pacheco, y una gran solista.
Celia Cruz fue una de los vocalistas más respetados de la música latina. Diez veces nominada al Premio Grammy, Celia cantaba solamente en español, su lengua natal, y recibió un premio Smithsonian Lifetime Achievement, un premio National Medal of the Arts, y doctorados honoríficos de la Yale University y la University of Miami. La popularidad de Celia fue tan grandes que hasta rebautizaron una calle en Miami con su nombre, y un vestido que usaba a menudo, de lunares naranjos, rojos y blancos y los zapatos de Celia se han colocado en la colección permanente del Smithsonian institute of Technology. El Hollywood Wax Museum, cuenta con una estatua de Celia. A Celia le atrajo la müsica desde muy temprana edad y se ha reportado que su primer par de zapatos fue un regalo de un turista a quien le había cantado. Además de pasar muchas noches poniéndoles a dormir a sus hermanos menores con su canto, Celia cantó en producciones escolares y en reuniones de la comunidad. La tía de Celia la llevaba a los cabarets y a los clubes nocturnos y fue así que se le expuso al mundo de la música profesional. Con el aliento de un primo, Celia comenzó a ganar concursos de talento locales. Aunque su padre intentó guiarla hacia una carrera de profesora, Celia siguió siendo atraída por la música de todas maneras. En una entrevista de 1997, dijo Celia: "He cumplido el deseo de mi padre de que yo sea maestra, ya que a través de mi música, les enseño a generaciones de gente mi cultura y la felicidad que se puede encontrar con simplemente vivir la vida. Como artista, quiero que la gente sienta el corazón cantar y el espíritu volar". En 1947, al inscribirse en el Conservatorio de Música de Cuba, Celia encontró su inspiración más temprana en el canto de la vocalista afrocubana Paulina Alvarez y en 1950 le llegó su primera oportunidad cuando fue invitada a unirse a la orquesta de la Sonora Matancera, y resultó que se quedaría con esta orquesta por 15 años, durante los cuales viajaría por todo el mundo. En 1960, cuando Fidel Castro asumió el control de Cuba, Celia y su novio de entonces, Pedro Knight, trompetista de la Sonora Matancera, se negaron a regresar a su patria y los dos se convirtieron en ciudadanos de los Estados Unidos. Celia se casó con Pedro el 14 de julio de 1962. A pesar de que inicialmente firmaron un contrato para hacer presentaciones con la orquesta del Hollywood Palladium, la pareja finalmente se radicó en Nueva York. En 1965, Pedro se convirtió en el gerente de Celia, cargo que mantendría hasta mediados de los 90 cuando optaría dedicar su atención a servirle a Celia como su director musical personal y el director de su orquesta. También en 1965, al salir de la Sonora Matancera, Celia inició su carrera en solitario con una orquesta formada especialmente para ella por Tito Puente. A pesar de lanzar ocho álbumes, la colaboración no pudo alcanzar el éxito comercial. Sin embargo, en 1987, Celia y Tito reanudaron su colaboración con una presentación especial en la ceremonia de los Premios Grammy, Después, contratada por el sello Vaya, etiqueta hermana de la Fania, Celia grabó con Oscar D'León, Cheo Feliciano, y Héctor Rodríguez a mediados y a finales de los '60, pero el primer gran éxito de Cruz desde que salió de la Sonora Matancera no le llegó hasta el 1974, cuando grabó el disco, Celia & Johnny, con Johnny Pacheco, director y co propietario de la Fania. Por consecuencia, comenzó a hacer presentaciones con la Fania All Stars. En 1992, la popularidad de Celia alcanzó su nivel más alto cuando apareció en la película The Mambo Kings. En 1998, Celia lanzó Duetos, un álbum que presentó el canto especial de Celia con varios artistas de renombre como Willie Colón, Angela Carrasco, Oscar D'León, José Alberto "El Canario", y la India. Celia siguió grabando y haciendo presentaciones hasta que quedó marginada por un tumor cerebral en 2002. Mientras se recuperaba de la cirugía para extirpar el tumor, se las arregló para acudir al estudio a principios de 2003 para grabar su último álbum, Regalo de Alma. La cirugía solo fue un éxito parcial y lamentablemente, falleció el 16 de julio de 2003. El fallecimiento de la "Reina de la Salsa" dejó un gran vacío en la música latina, pero también un catálogo impresionante que documenta su reinado. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Stellar Improvisational singer and band leader  Ángel Canales' love of music was sparked, as a youngster, when he heard the singing of Ismael Rivera with Rafael Cortijo's Combo. A timbale player for a series of bands led by guitarist Luis Torres, he made his singing debut with the Ray Jay Orchestra. Canales recorded for the first time, in 1971, as lead singer of Sabor, a group led by ex-Willie Colón pianist Mark "Markolino" Dimond. The album, initially released as Brujería in 1971, was reissued as Más Sabor under Canales' name in 1977. With Dimond's departure from the band in 1975, Canales assumed leadership of the group.
So, any comprehensive discussion of the salsa legend known as El Diferente, Angel Canales, has to begin with Mark Dimond’s album, Brujería. Mark Dimond was multi-talented: a pianist, arranger and composer. His debut album as a band leader, Brujería, was initially released in 1971 on the Vaya Records label (one of the many subsidiaries of Fania Records). An accomplished pianist, Mark had been a piano player for Willie Colón's orchestra in the late '60s. He also wrote songs for Willie Colón’s albums, The Hustler and Guisando (Doing A Job). In 1975, Mark performed an astonishing piano solo on the song, Rompe Saragüey, on Héctor Lavoe's 1975 album, La Voz. The salsa industry during that time certainly knew of, and very much respected, Mark Dimond! Just how talented was Mark Dimond? For the album Brujería, Mark Dimond wrote all the music, lyrics and arrangements. Wouldn't you say that he was extremely talented! In every way imaginable, the album was all about Mark Dimond! The lead singer for Mark’s band was the soon to become legendary sonero, Angel Canales. Other members of the band were: Ricardo "Richie" Montañez (trombone), John "Fudgy" Torres (trombone), Antonio Tapia (conga), Louie Rivera (bongo), Danny Reyes (trumpet), Eddie "Gua Gua" Rivera (bass), Andy González (bass), Ismael Quintana (chorus) and Justo Betancourt (chorus). Larry Harlow and Johnny Pacheco partnered as the co-producers and co-recording directors. Harvey Averne was the executive producer. In 1975, Mark Dimond walked away from his band. Some say that he had to do this because, as with too many artists, drug problems were affecting his performances and he had begun to show up late or even not at all for some shows and rehearsals. If Mark had not left on his own, it is widely believed that his musicians would have left him anyway. After Mark’s departure, Angel Canales took over the band and named it Sabor. Mark only released two more of his own albums, both in 1975: Beethoven's V (highly regarded by critics); with singers Frankie Dante and Chivirico Dávila and a very sad rock / R&B album called The Alexander Review. Soon after the failure of The Alexander Review, Mark simply vanished from the music scene and only resurfaced briefly in 1988 to perform on Andy and Larry Harlow's 1988 album, Salsa Brothers: The Miami Sessions. About six months later the sad news that Mark had died of a stroke devastated many of his close friends and fellow musicians. With the above said, let's return to Ángel Canales. Canales has been on the cutting edge of Latin music for more than three decades. A native of Puerto Rico who grew up in Brooklyn, NY, from the age of ten, Canales has consistently added an explosive punch to his music. With his gutsy vocals accompanied by such top Latin musicians as trombonists John Torres and Ricardo Martinez, conga player Antonio Tapia, and bongo player Louie Rivera, After becoming the leader of Sabor, he released that year what most critics consider to be his finest work; the 1975 album, Sabor (see a full review at the end of this biography). Including Angel Canales, five of Mark's original musicians would later become integral members of Sabor: Ricardo "Richie" Montañez (trombone), John "Fudgy" Torres (trombone), Antonio Tapia (conga) and Louie Rivera (bongo). Canales and his newly acquired band, Sabor con Angel Canales, delivered some of the hardest-edged Latin jazz in New York during the 1970s and '80s. One reviewer described their music as "heavy metal Latin Bronx style." In 1976, Ángel released the album, El San Juan; which also did well commercially for him. In 1977, realizing that Angel Canales’ popularity was on the rise and understandably looking to maximize profits, the decision makers of the Fania Records label moved to cash in on the stunning popularity that Angel Canales was enjoying following the success of his last two albums. So, they re-released Mark Dimond's album, Brujería, under Ángel Canales' name; with a new title: Más Sabor; the perfect title for a follow-up to the great Sabor album! This album was re-released under the Alegre Records label that Fania Records had acquired two years earlier, in 1975. The true debut album of Canales, El Sentimento del Latino en Nueva York, was released in 1979. As one might imagine, many of the industry's professional critics asserted that the re-release of Más Sabor was disrespectful to both Mark and, to a lesser extent, Angel. Although the re-released album did properly credit Mark as being the composer of all seven songs, it did not include a listing of the personnel, nor did it include any liner notes. Nevertheless, just as Mark’s career was declining, Angel’s career was ascending with a flurry of successful albums: Sabor (1975), El San Juan (1976), Live at Roseland (1978 ),Sentimiento del Latino en Nueva York (1979), El Diferente (1981), El Diferente – Greatest Hits Live (1982), Different Shades of Thought (1982) and Ya Es Tiempo (It’s Time) (1985). However, in the mid ‘80s, due to the growing popularity of salsa romántica, Angel’s more grassroots style of salsa began to lose much of its appeal. The very nature of his success; a distinctive sound and stage presence, was now working against him. Hence, his 1985 album,Ya Es Tiempo (It’s Time) did not fare very well commercially. Also, he was no longer in such demand for live performances. Truthfully, Canales has had a love-hate relationship with the music industry. Frustrated by a lack of radio airplay, and struggling against the romántica trend that dominated salsa in the 1980s, he disbanded his group in 1990, and tossed the arrangements of his music into the ocean. Moving to Miami, he opened a successful diamond-cutting business. However, not surprisingly, he couldn't keep away from music for very long. Reuniting with his former timbale player, Victor Pérez, in 1993, he resumed touring two years later. In 2002, Ángel returned with a live album that did relatively well for him: Angel Canales y su Salsa En Vivo. Later that same year (2002), the news that Angel was suffering from Parkinson's disease was made known to his fans. All future albums would be mere compilations. The latest credible report is that Angel has lost approximately 80% of his memory due to Alzheimer's disease of which he also suffers. So, let’s go back to 1977 and ask why Fania Records re-released Mark Dimond's album, Brujería, under Angel Canales' name and with a new title? The answer, as I have mentioned above, was the soaring success of Ángel's 1975 album, Sabor. In this author’s opinion, Sabor was in fact Angel Canales' finest work! The following is a review that I wrote a few years ago about that album: Sabor Originally Released: 1975 Alegre Records/Fania Records I absolutely love this entire album! My favorite song on the album has changed from time to time, but began with the song Hace tiempo. I remember that the first time that I listened to that song, I played it several times; at least 10, but probably more! "Damn," I thought, "that song is one bad mother... shut yo' mouth!" The song made such an impression that even as I re-write this review for the third or fourth time, I can hear the chorus of the song echoing in the back of my mind: "Ay, ay, ay, no me hagas padecer así" (don't make me suffer like this). What a tremendous track for the salsa dancer! I could hardly wait to play it in a club to a salsa crowd and when I did so, the dance floor was steaming! The dancers absolutely loved it! The fact is that the entire CD está que arde! The first track, yet another track for the salsa dancer, Sabor los rumberos nuevos, penned by Ángel Canales and opens with the rákata of Aldemaro Luis Rivera's bongós, is essentially a descarga; in which Ángel introduces the group. From the beginning of this first track, you realize that Ángel Canales is very much a sonero like no other! Although this seems a bit cliché, it is absolutely true. His, is a voice that many inveterate salsa lovers would fall in love with and yearn to hear again and again! With his nasal, yet captivating voice, Angel manages masterfully to extend certain notes of the brass. This is really a fantastic feat that you have to hear to appreciate. There are many, many great soneros, but only a select few warrant the moniker of being truly "unique" or simply "different." Ángel Canales, however, certainly deserves such a moniker! Perhaps, the most memorable track on this album among los boricuas (Puerto Ricans), is Lejos de ti, also penned by Ángel Canales; in which he croons nostalgic verses and improvisations about his beloved Boriquen (term for the island of Puerto Rico; originally used by its indigenous Taíno Indians). In this guaguancó for the salsa dancer, Ángel conjures up the imagery of the towns Loíza Aldea, El Viejo San Juan and Villa Palmeras, golden-brown cuchifritos on the grill, and a rich bomba and plena heritage. There is no wonder that this is a favorite of many who have experienced the very rich and alluring Puerto Rican culture! As most people know, at contemporary salsa dance venues, cha-cha-chá is the preferred music for changing the pace and adding variety to the venue. So, dancers and DJs alike will love the fact that track two, Sol de mi vida, also penned by Canales, is a great cha-cha-chá tune. It boasts of a swinging piano solo by José Madrid, a remarkable saxophone solo by Emérito Benítez and also a very nice flute solo by Emérito. I could hardly wait to play this track for a dance crowd. When I did, they absolutely loved it as well! There are two more exceptional tracks on this CD for the salsa dancer: Perico Macoñá, penned by Ángel Canales and about an out of control reefer smoker, and El cantante y la orquesta. Both these songs never fail to fill the dance floor! The album Sabor was Ángel's second recording. His first recording was as vocalist with acclaimed pianist, Mark "Markolino" Dimond, on the album Brujería, although Ángel did not share the credit on the album's cover. Well, to sum it all up, Sabor contains seven tracks that are sure to move the dance floor: Sabor los rumberos nuevos, Lejos de ti, Sol de mi vida, Perico Macoñá, Hace tiempo, and El cantante y la orquesta. So, a remarkable 7 out of 8 tracks are for the dancer! Dancers and DJs alike simply cannot go wrong with this CD! It is with the utmost sincerity that I very highly recommend this CD. Click here to buy it now: BUY SABOR. Musicians: Ángel Canales - band leader, lead singer Juan Torres - trombone Ricardo Montañez - trombone Tom Malone - trompet Emérito Benítez - baritone saxophone, flute José Madrid - piano Eddie Testo - bass Gadier Quiñones - timbales Aldemaro Luis Rivera - bongos Atentamente, El Caobo Locutor y DJ de Salsa Oficial de Fania Records https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Director de orquesta con sede en la Ciudad de Nueva York, compositor, productor y multiinstrumentista, muy popular en la década de los 70 y 80. Los que leen mi blog con frecuencia ya sabrán que lo que hago, por lo general, es buscar información sobre los artistas, copiarla y publicarla aquí. Las más veces, utilizo más de una fuente y hago las publicaciones al llegar el aniversario del nacimiento, del fallecimiento o de algún otro día especial en la trayectoria musical de los artistas. Sin embargo, a veces me siento obligado a escribir algo con mi propio puño y letra sobre uno de los grandes artistas y esto suele pasar después de oír de nuevo un tema extraordinariamente repleto del saoco innegable que me conmueve sobremanera, lo cual resulta ser el caso presente. Es más, confieso que a veces también quiero demostrar que tengo madera para escritor.
Ahora el lector atento se preguntará que ¿a qué se debe todo esto? Bueno, es que acabo de escuchar el tema, Ahora te toca a ti, de Bobby Rodríguez y La Compañía, del álbum grabado en vivo, Salsa at Woodstock, de 1976. En este tema se encuentra lo que debe de constar en la lista de los cinco mejores solos de saxofón que lleva un tema de salsa y lo más probable es que sea el mejor. ¡Es fenomenal! Al final del tema, uno de los asistentes grita con emoción, ¡Bobby! ¡Bobby! ¡Bobby!, el nombre del artista, y en ese mismo instante, me di cuenta de que yo estaba atrapado en el ese mismo rapto por el saoco de las moñas del saxofón y hasta por el tema en su conjunto. Me encontraba tamborileando los dedos sobre la mesa, balanceándome de lado a lado en mi asiento y por poco no resistía las ganas de levantarme a bailar. Cuando el asistente empezó a gritar el nombre de Bobby, ¡yo también quería clamarlo! Al final del tema, ya sabía en el acto que iba a publicar en mi blog algo sobre Bobby Rodríguez y La Compañía, y aquí me encuentro. ¿Quién es Bobby Rodríguez? Este Bobby Rodríguez, el saxofonista, flautista, clarinetista, pianista, cantante, percusionista, arreglista, compositor, y productor, nacido en Spanish Harlem, Nueva York, no se debe confundir con el bajista veterano del mismo nombre. El Bobby Rodríguez ahora homenajeado por este humilde escritor comenzó como miembro de la banda de su hermano, Ray Rodríguez, a finales de los años 60 hasta los comienzos de los 70. Bobby fue el director musical, arreglista, compositor y saxofonista tenor para la banda. El segundo lanzamiento de Ray Rodríguez y su Orquesta, Delusión, contenía el tema excepcional 'Olvídame', co escrito entre Bobby y el vocalista original de la banda, 'El Albino Divino', Nestor Sánchez. Sánchez salió de la banda para unirse a La Protesta de Tony Pabón, y luego parece haber ido de banda en banda, trabjando con el Conjunto Candela, Larry Harlow, Julio Castro, hasta que por fin, se lanzó como artista en solitario. Mientras tanto, en 1974, Bobby organizó su propia banda, liderada por los metales y la flauta, y llamada La Compañía. Por su saoco y el sonido melífluo de los metales, esta banda logró trabajar constantemente en el circuito de clubes nocturnos de Nueva York antes de su debut con el álbum Lead Me to that Beuatiful Band, en 1975. Desde un principio, el estilo de La Compañía, aunque firmemente arraigada en la tradición latina, fue fuertemente influenciada por el jazz, el soul y el funk, y su repertorio incluía temas de letra en inglés. Eddie Iglesias Hernéndez, un "Nuyorican" de segunda generaciön, cantó los temas en inglés y además tocó el trombón, mientras que los temas en español los cantaron Junior Córdova y José Acosta. Durante esta época, Córdova se consideraba un cantante veterano puesto que antes había trabajado con Nelson Feliciano, con Rafael Cortijo y con Kako Bastar. Un tema del primer álbum de La Compañía, Número 6, una composición de Rubén Blades que lamenta sobre los retrasos en el metro, fue todo un exitazo. Blades también compuso el éxito What Happened del álbum grabado en vivo, Salsa at Woodstock. En 1977, Rodríguez, Iglesias, Acosta y el timbalero de La Compañía, Charlie Salinas, participaron en el álbum para 17 aniversario de los Alegre All-Stars, dirigidos por el gran pianista, Charlie Palmieri, y producido por Al Santiago. El homónimo (o tocayo) de Bobby, el bajista veterano ya mencionado, tocó el bajo durante esta sesión. En 1978, Bobby Rodríguez y La Compañía pegaron otro éxito con el tema Latin From Manhattan del álbum que lleva el mismo nombre. A esta nueva versión del tema de los años 1930, grabado originalmente por Al Jolson, Bobby y sus músicos le dieron un toque de salsa y jazz, con el clarinete de Bobby sirviéndole de punto culminante. En 1984, Eddie Iglesias Hérnandez salió de La Compañía y se llevó a Acosta y Salinas para formar la banda Los Amigos and the Bad Street Boys. Mientras tanto, después de un intervalo de tres años, Rodríguez cambió el nombre de su banda a La Nueva Compañía y regresó con el álbum apropiadamente titulado, Mi Regreso, con Orlando Castillo 'Watusi' llevando la voz cantante. Mi Regreso contenía una nueva versión del tema Olvidame y una buena versión del tema clásico Maria Cristina, compuesta por Ñico Saquito. En 1987, Córdova, Iglesias y Salinas se reunieron con Bobby y La Nueva Compañía para el álbum, Juntos Otra Vez. Perdimos a Bobby Rodríguez el 13 de marzo del año 2003. Falleció por complicaciones relacionadas con cáncer de estómago. Atentamente, El Caobo Locutor y DJ de Salsa Oficial de Fania Records https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Baterista / percusionista quien en 1957 emirgró a la Ciudad de Nueva York desde Matanzas, Cuba, donde la música africana era una tradición. (Drummer / percussionist, Francisco Aguabella, (1935 - 2010), who in 1957 emigrated to New York City from his native Matanzas, Cuba, where African music was a tradition.)
El 6 de octubre del año 2004, muere Marvin Santiago "El Grifo De Canales", "Sonero Del Pueblo" (1947 - 2004), a los 57 años en Puerto Rico. Sonero de Cortijo y su Combo, Orquesta de Bobby Valentín, La Primerísima de Puerto Rico y su propia orquesta.
Esta leyenda de la salsa, Marvin Santiago, nació el 26 de diciembre de 1947, en San Juan, Puerto Rico en una familia musicalmente activa. Su hermano, Billivan Santiago, llegó a ser un exitoso vocalista de plena, y fue preparado desde un principio para ser cantante de boleros. Por preferir el estilo de salsa que le resultó rítmicamente emocionante, Marvin se afanaba a cantar con las orquestas de baile populares de la época, y por fin logró cantar con uno de los directores de orquesta más famosos de Puerto Rico, Rafael Cortijo. En 1971, Marvin se juntó con artista en ciernes, Bobby Valentín, para formar un dúo que se convertiría rápidamente en una sensación nacional. El debut del dúo, Rompecabezas, fue seguido por un álbum que llegaría a ser un clásico de la salsa, Soy Boricua. El tema que lleva el mismo nombre del álbum, Soy boricua, llegaría a ser un himno del orgullo puertorriqueño durante una década en que muchos boricuas se trasladaban a los Estados Unidos, en busca de mejores alternativas a las dificultades económicas de la Isla. La popularidad de Valentín y Santiago creció enormemente y pronto fueron honrados con una invitación para unirse a la Fania All-Stars, juntos con grandes artistas como Celia Cruz, Rubén Blades, y Andy Montañez, por nombrar algunos. En 1977, al igual que muchos veteranos de Fania All-Stars, Santiago se lanzó como solista. Debido a su repertorio como solista se ganó una reputación como un improvisador maestral. Su uso de la jerga puertorriqueña común causó que se apodara "El Sonero del Pueblo." La letra de sus temas dibujaban un retrato del lado áspero de la vida urbana latina, incluyendo numerosas referencias al sexo y a las drogas. La trayectoria ascendente de Santiago se vio interrumpida por una condena por posesión de cocaína, lo cual causó una encarcelación de cinco años en Puerto Rico. Durante sus años como reo, abrazó el cristianismo, e incluso grabó un álbum durante su pena, titulado Desde Adentro. Después de su liberación, Santiago se aproximó a un repertorio de "salsa romántica", junto a artistas como Montañez y Gilberto Santa Rosa, y esto lo mantuvo ocupado, si no popular, en los años 80 y 90. Marvin Santiago se mantuvo activo (incluso trabajando en un homenaje a Celia Cruz con antiguos compañeros del sello Fania) hasta su muerte en 2004, Falleció el 6 de octubre de 2004, debido a complicaciones relacionadas con la diabetes, una condición de la que había sufrido desde su infancia. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 5 de octubre del año 1994, muere Rafael Francisco Dávila, "Chivirico" (1024 - 1994) en Nueva York a los 73 años: tremendo sonero boricua que cantó con músicos de renombre en la historia de la salsa como Joe Cotto, Mon Rivera, Kako Bastar (1962), Ray Barretto (1967), Willie Rodríguez (1967), Randy Carlos, Sexteto La Playa, Rafael Cortijo, Richie Ray, Joey Pastrana, Orlando Marín, Louie Ramírez, Joe Cuba, Monguito Santamaría, Joe Quijano, Alegre All Stars, La Puerto Rico All Stars (con Kako, 1963), Johnny Pacheco, Tito Puente, entre otros.
Chivirico nació en Villa Palmeras (Distrito de Santurce), el 2 de agosto del año 1924. Está reconocido como uno de los mejores intérpretes de música latina y en especial del bolero, la guaracha y el son cubano. Comenzó su carrera profesional a finales de la década de 1940 como vocalista de la orquesta de Carlos Molina, con la que se dio a conocer en el ámbito antillano. En 1950 cantó por primera vez como solista en una serie de conciertos en Uruguay. Posteriormente recaló en Nueva York donde cantó con la formación de Johnny Seguí y Los Dundies, y tras un par de años de intensas giras por toda Sudamérica y unos países de Europa, como España, Italia, Grecia o Francia, en 1958 regresó a la metrópoli neoyorquina para consolidar su posición como una de las más destacadas voces en el panorama de la música de raíces latinas. En los años sesenta grabó discos para la firma discográfica Alegre, que durante esta época reunió a los músicos puertorriqueños más destacados, y actuó con las orquestas latinas más prestigiosas de su época. Pese a su indudable talento artístico, Chivirico no tuvo demasiado éxito comercial hasta los años setenta, época en la que sus discos de boleros lanzados por el sello Cotique alcanzaron ventas millonarias. Entre los temas más recordados con la voz de Chivirico Dávila, destacaron Para mi gente, Cuando tú quieras, Mírame, Perfidia, Ahora no me conoces, Margarita y Cómo fue. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Ismael Rivera fue bendecido con una voz gloriosamente ronca y fue apodado "El Sonero Mayor". El 5 de octubre del año 1931, nace Ismael Rivera "Maelo", "Sonero Mayor", El Brujo De Borinque" (1931 - 1987), en San Mateo de Cangrejos, Santurce, Puerto Rico. Sonero de Cortijo y su Combo, Kako y su Trabuco y su propia orquesta, Los Cachimbos.
Todo comenzó en la misma calle donde nació y se crió Maelo: Calle Calma. Allí fue inculcado con los sonidos y ritmos de Puerto Rico: la bomba y la plena. A temprana edad, fue expuesto a las influencias que lo pusieron en su destino musical. En primer lugar, su madre, Margarita, le dio un amor por el canto. Y a continuación, su amigo de la infancia, Rafael Cortijo le proporcionó el impulso y afán, así como un plataforma musical más estructurado para que pudiera dar rienda suelta a su único estilo vocal. La relación entre los dos llevaría el sonido de la Calle Calma, y luego, la de Puerto Rico, para todo el mundo, inmortalizando sus nombres y su música en la evolución de la música latina y de la salsa. En 1954, Ismael Rivera y Cortijo grabaron su primer éxito, "El Bombón de Elena". Con Rivera como cantante, Cortijo y su Combo conquistó de forma arrolladora a todo el Caribe. A comienzos de la próxima década, viajaron a Nueva York por primera vez y no tardó mucho hasta que Cortijo y Rivera solidificaran su posición en la creciente escena musical latina de Manhattan. Su popularidad se debió en gran medida a su sonido rítmico y la capacidad de la banda para tocar muy buena música y a la vez entretener al público con sus rutinas de baile coreografiadas. Sin embargo, el elemento único que separó a Cortijo y su Combo de todas las otras bandas de canto y de baile latino era la voz de Rivera. Un ingrediente clave para la bomba y la plena de Puerto Rico es la voz, y la voz de Maelo es el aspecto más definitorio de la música de la banda. Con una voz retumbante, precisamente rítmica, pero igualmente espontánea, Ismael Rivera era un maestro del son cubano. Obtuvo el título de "El Sonero Mayor" de nada menos que del legendario cantante cubano, Beny Moré. El título no sólo hizo hincapié en el gran talento de Maelo, pero también demostró cómo la música latina en esa época empezaba a mezclar todas las tradiciones musicales distintivas de las Américas en un solo sonido: que llegaría a llamarse salsa. Ismael Rivera encarnaba una mezcla de la bomba y la plena tradicionales puertorriqueñas con el estilo de canto son cubano. Sin embargo, después de su exitoso viaje a los EE.UU., Cortijo perdió a su "voz" cuando en 1962 Rivera comenzó una pena de prisión de cinco años por cargos de narcotráfico. Después, Maelo cantó sobre su experiencia en un tema titulado "Las Tumbas", el nombre que le dio la prisión de Kentucky que tenía varios pisos bajo tierra. Después de servir cuatro años en prisión, Rivera estaba ansioso por volver a cantar con Cortijo, pero los clubes no reservaron fechas para el músico latino cuyo pasado no podían perdonar. Cortijo y Rivera se encontraron en una escena musical latina cambiada que les obligaría a ir por caminos separados. Sin embargo, "El Sonero Mayor", iría a grabar unos de sus mejores trabajos con su propia banda, la Cachimbos, mejor que nunca mostrando su talento inigualable. En la década de los 1970, fue considerado como una leyenda de la época, y ayudó a comenzar a una serie de músicos jóvenes en la escena de la salsa de Nueva York, incluyendo a Ismael Miranda y a Rubén Blades. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 3 de octubre del año 1982, muere Rafael Cortijo (1928 - 1982) a los 54 años, a causa de un cáncer en el páncreas y el hígado, tras una operación realizada dos meses antes. Timbalero, director musical de Cortijo y su Combo y sempiterno compadre y descubridor de Ismael Rivera,
Rafael Cortijo Verdejo nació el 11 de diciembre de 1928 en la Calle Colón de la parada 21 abajo, en Santurce, Puerto Rico. Desde niño mostró habilidades especiales para la música y ya, a los nueve años, tocaba un bongó hecho de lata de leche Klim que le fabricó su primo. Así fue aprendiendo con otros compañeros músicos en talleres improvisados y en rumbas callejeras, sin realizar nunca estudios de música formales. Un día su padre le regaló una guitarra que nunca habría de tocar, pues lo que le interesaba era la percusión. Su familia lo castigaba porque no quería hacer otra cosa que tocar su "bongó" en los bailes y fiestas del vecindario cangrejero. Casi siempre lo espantaban de los toques de bomba y plena, pero él regresaba y se colaba con sus tamborcitos de latas de manteca vacías, hasta que a la larga le enseñaron algunos trucos. Una tarde, tocando con Miguelito Valdés "Mr. Babalú", éste le dijo que su estilo con la tumbadora era único y eso lo envalentonó. Continuó dándole duro a los cueros y pronto llegó a acompañar al Trío Matamoros en la vieja emisora WNEL. De joven transitó por varias agrupaciones musicales, entre éstas el Conjunto de las Hermanas Sustache, el Grupo de Monchito Muley, la Orquesta de Parques y Recreos, la Sonora Boricua, Miguelito Miranda, Frank Madera y el Grupo de Mario Román. Formalmente incursionó en la música en 1942 como bongocero del Conjunto Monterrey, de Juan Palm (Mentokín). Posteriormente ingresó a la Sonora Boricua, pero debió abandonarla para cumplir con el ejército norteamericano, dejándole el espacio suplente a un amigo, el cantante Daniel Santos. Su gran oportunidad surgió en 1954 mientras se desempeñaba como conguero en el combo del pianista Mario Román, en el sector de la Marina en San Juan. Román tuvo que ausentarse de la Isla y le cedió el combo y el contrato a Cortijo, quien reemplazó al pianista con Rafael Ithier y consiguió el cantante oficial de la Orquesta Panamericana, Ismael Rivera, para una serie de grabaciones con el sello Seeco. En aquellos días Ismael ya había pegado el éxito "El charlatán" con la Panamericana. Así que al grabar "El bombón de Elena" con Cortijo y su Combo el éxito fue inevitable. Su particular estilo de cantar - típicamente cangrejero - se acopló de inmediato al ritmo de la agrupación de su compadre Cortijo. Y juntos alcanzaron la gloria internacional interpretando, cantando y bailando bomba y plena en la más auténtica de sus versiones. Entre los años 50 y 60 popularizaron grandes éxitos, entre ellos "Quítate de la vía, Perico", "Maquinolandera", "El negrito bembón", "En un solo pie", "Tuntuneco", "Con la punta del pie", "Yo no quiero piedras en mi camino", "Saoco" y otros legendarios temas. La primera versión de Cortijo y su Combo se estableció en 1954 y duró hasta 1962, cuando, en medios de una crisis interna, varios de sus exponentes siguieron a Rafael Ithier para formar parte de un nuevo experimento musical que llegó a llamarse El Gran Combo. En televisión tuvieron su espacio en "La Taberna India", "Jueves de Boby Capó" y su show diario por Radio El Mundo. Alternaron con las orquestas y músicos más solicitados en los salones de baile de la época, en carnavales y plazas, entre éstos Vicentico Valdés, Joe Valle, Xiomara Alfaro, Panchito Riset, El Trío Vegabajeño, así como con Machito y sus Afro Cubans en el prestigioso Palladium Ball Room de Nueva York. Con Benny Moré tocaban en dos y tres espectáculos diarios. Muchos músicos internacionales procuraban grabar con su orquesta, entre éstos, Rolando Laserie y Nelson Pinedo. La salsa, que llega hoy a los más sofisticados salones internacionales interpretada por reputadas orquestas, tuvo su precursor en Cortijo, artista de grandes presentaciones en Centro y Sur América, y en importantes centros de Estados Unidos. Recibió un sinnúmero de distinciones, entre éstas un Guaycaipuro de oro en Caracas, Venezuela, como orquesta extranjera más popular en ese país. Se le considera el creador del nuevo concepto de combo, con dos trompetas y dos saxofones. Una de sus mayores aportaciones al folklore musical puertorriqueño fue "ponerle frac a la bomba y plena", al decir de Ernesto Vigoreaux, presidente de la Asociación de Compositores. Con él y su "bonche" los ritmos afroantillanos alcanzaron resonancia internacional y llegaron al sitial que merecían. En sus cerca de 40 discos Cortijo y su Combo popularizaron varias composiciones del maestro Don Rafael Cepeda, entre éstas "El bombón de Elena", que fue un hit en Francia y España, "Juan José", "Cuembe, na' más", "María Teresa" y otras. Como vocalista popularizó el número de Tite Curet Alonso "Sorongo" en 1970. Su retrato figura en el Salón de la Fama de París, de donde eran sus abuelos. Durante sus 25 años de carrera musical ayudó a formar una cantera de músicos y artistas alrededor suyo. Cortijo marcó una nueva era de progreso para músicos y ritmos tratados con indiferencia, peyorativamente denominados 'menores' o 'conjuntos', particularmente en Estados Unidos. El apelativo de 'combo' era en sí un apócope de la palabra 'combination' y los músicos norteamericanos de jazz lo usaban para describir a los grupos pequeños. Cortijo aceptó el reto y así le llamó al conjunto de bomba y plena que los transportaría a la fama internacional. Su combo le brindó mejores condiciones a instrumentalistas y cantantes que antes apenas si ganaban diez o doce dólares por baile. Cortijo y su Combo participaron en varias películas, entre éstas "Calypso" de Rossi y con Harry Belafonte de protagonista; en la producción italiana "Mujeres en la noche"; y en "Maruja", protagonizada por Marta Romero. Su última presentación ante las cámaras de televisión fue el 1ero. de agosto de 1982 a través de Teleluz. Cortijo falleció el domingo 3 de octubre de 1982 a causa de un cáncer en el páncreas y el hígado, tras una operación realizada dos meses antes. Sus restos fueron expuestos en la sede del Instituto de Cultura Puertorriqueña y posteriormente en el Centro Comunal del Residencial Luis Lloréns Torres, en Santurce, donde se le rindió un homenaje de pueblo al ritmo de bomba y plena; acontecimiento cultural que hábilmente recreó el escritor boricua Edgardo Rodríguez Juliá en su memorable crónica "El entierro de Cortijo", y que también fue filmdo por la Cinemateca Nacional de Venezuela. En una procesión multitudinaria, su cuerpo fue sepultado en el camposanto El Seboruco de Villa Palmeras, en Santurce, donde también descansa su compadre Ismael Rivera y Pellín Rodríguez. Murió sin poder asistir al Festival de Bomba y Plena que se le dedicó póstumamente unos días después. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
El 30 de septiembre del año 1924, nace Víctor Manuel Avilés Rojas “Vitin Avilés” (1924 - 2004) en Mayagüez, Puerto Rico. Destacado sonero de bandas como la “Orquesta de Noro Morales”, “Orquesta La Duboney” de Charlie Palmieri, también estuvo con “La Orquesta de Xavier Cugat”.
La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana , colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista . Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat !” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue. Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional. Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como « Mojiquita », remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica . En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey , dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona , del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944. En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm ) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos. En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys , Machito & His Afrocubans , las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera , Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat. Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York . Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor , así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri . Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero ) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado. A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain , le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino . A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm . Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi -hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés. Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York , Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “ Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” ( Velvet , GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo , éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos. Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr . (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco . Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar. El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero. de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York. https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com
Una luz líder de movimiento de la salsa de Nueva York, Héctor Lavoe fue un icono del orgullo boricua. El 30 de septiembre del año 1946, nace Héctor Juan Pérez Martínez “Héctor Lavoe”, “El Cantante de los Cantantes” (1946 - 1993) en Barrio San Antonio de Ponce, Puerto Rico el 30 Septiembre del año 1946). Emblemático sonero de “La Orquesta de Willy Colon”, “La Fania All Stars” y su propia orquesta. Leyenda e icono de la salsa mundial y auténtica referencia del bravo soneo y la irreverencia salsera.
¡Héctor Lavoe nació para cantar! Mientras evolucionaba la música latina del boogaloo de finales de los años 60 hasta el ápice de la salsa de los años 70, Lavoe estaba en su vanguardia y "El Cantante" de muchas de sus canciones más representativas. Recibió la influencia de los cantantes latinos que escuchaba en la radio, tales como Daniel Santos y Chuito el de Bayamón, sólo por nombrar un par. A medida que llegaba a ser más metido en la música, sacó su inspiración del gran sonero de Puerto Rico, Ismael Rivera, y así como de Cheo Feliciano. Estas influencias son evidentes en la forma de cantar de Lavoe, ya que atacaba el son y el montuno igual que los maestros Ismael Rivera y Beny Moré, por ejemplo, pero fue su talento natural para la improvisación que lo hizo único y muy popular entre los fanáticos de la salsa. A los 17 años de edad, Lavoe decidió dejar la escuela de música en Ponce y puso su mirada en una carrera como cantante en la ciudad de Nueva York. Para el 1966, se encontró al frente de orquesta de Willie Colón. Juntos, Lavoe y Colón formaron una sociedad que pasaría a abarcar 14 álbumes, casi todos los cuales son gemas en el mundo de la música latina. En 1973, Colón dejó a Lavoe a cargo de su orquesta, de esta manera empujando a Lavoe hacia una carrera en solitario. Sin Colón, los esfuerzos individuales de Lavoe sólo volvieron a confirmar su habilidad para el canto y su ascenso inevitable al estrellato. Las presiones de ser una gran estrella de la salsa eran aparentemente demasiado para Lavoe. Tuvo muchas dificultades tratando de bregar con lo que acompañaba sus éxitos y sufrió muchos percances y una serie de reveses personales a lo largo de su trayectoria musical. Sin embargo, los fanáticos de Lavoe nunca se volvieron en su contra y Lavoe siempre volvió a cantar En 1987, su álbum final, Strikes Back, fue nominado para un Grammy. Con todos los excesos, la fama, la fortuna y la tragedia, la vida de Lavoe ha pasado a simbolizar la era de la salsa de los años 70. Junto con Colón, Lavoe ayudó a dar forma al sonido de la salsa de los años 70. Como artista en solitario, en gran medida definió este sonido. Como uno de los cantantes principales de la Fania All-Stars, Lavoe fue una estrella entre las estrellas. Es decir, fue "El Cantante de los Cantantes". https://www.facebook.com/groups/RadioSalsaClasica/ http://www.elcaobointernacional.com |
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