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RALFI PAGÁN

4/19/2016

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Latin soul singer from the Bronx, a master of the smooth ballad, murdered in the 1970s at a young age. 

ENGLISH

​Ralfi Pagan passed without making a significant mark in the music industry, but not because he didn't try. Raised on the Lower East Side of New York City, he was part of the city's bubbling salsa scene in the '60s and late '70s. His main body of work -- four albums -- was waxed for Johnny Pacheco and Jerry Masucci's Fania Records. Though a major player in the studio, he didn't achieve the notoriety of some other Fania artists, known as the Fania All Stars and which included Mongo Santamaria, Johnny Colon, Willie Bobo, Joe Bataan, Ralph Robles, and Bobby Valentine. The label started on a shoestring and couldn't afford to promote its early product across-the-board, but Fania records were hot platters on Latin radio stations.

Pagan was a gifted vocalist. His light, floating tenor was as serenading as Smokey Robinson's, but more ardent when he came down from the clouds. His melodious crooning got some chart action on a remake of Bread's "Make It With You" (1971) for Wand Records (Fania contracted with Wand during this period). Two years later, he scored a minor charter with "Soul Je T'aime" with Sylvia Robinson (now there's a duet made in heaven) on Robinson's Vibration label; but its success was modest at number 39 R&B and 99 pop on Billboard. Other singles include "Didn't Want to Have to Do It," "Just for a Little While," and "Come Back Baby."

In addition to the four Fania albums, he had an obvious hand in Ralfi Pagan Presents Johnny Nelson, which is quite an item among collectors; Low Profile Records also reissued his second Fania album, Ralfi Pagan With Love. Examples of Pagan's haunting vocals can be found on ITP Records' East Side Classics series.

Written by 
Andrew Hamilton
ESPAÑOL

​Ralfi Pagán falleció sin hacer una estampa importante en la industria de la música, pero  no porque no hubiera tratado. Se crió en el Lower East Side de Nueva York, y formó parte de la escena burbujeante de la salsa de la ciudad en los años 60 y a finales de los '70.  Su obra principal - cuatro álbumes - se enceró para la Fania Records de Johnny Pacheco y Jerry Masucci. Aunque fuera un artista importante en el estudio, no alcanzó la notoriedad de algunos otros artistas de Fania, conocidos como la Fania All Stars y que incluían a Mongo Santamaría, Johnny Colón, Willie Bobo, Joe Bataan, Ralph Robles, y Bobby Valentín. El sello comenzó con muy poco dinero y no podía permitirse el lujo de promover ampliamente sus productos tempranos, pero los álbumes de la Fania eran platos calientes en las estaciones de radio latinas.

Pagán era un cantante dotado. Su ligero, tenor flotante era tan como una serenata como el de Smokey Robinson, pero más ardiente cuando se bajó de las nubes.  Su arrullo melodioso obtuvo un puesto en las listas de éxitos con una nueva versión del tema de Bread, "Make It With You" (1971) para Wand Records (Fania había contratado con este sello durante este período).  Dos años más tarde, se obtuvo otro éxito menor en las listas de éxitos "Soul Je T'aime" con Sylvia Robinson (ahora hay un dúo en el cielo) en el sello Vibratiori de Robinson; pero su éxito fue moderado en el número 39 R & B y 99 99 en Billboard.  Otros sencillos incluyen "Didn't Want to have to Do It", "Just for a Little While", y "Come Back Baby".

Además de los cuatro discos de Fania, Pagán hacía un papel obvio en Ralfi Pagan Presenta Johnny Nelson, que es un elemento impresionante entre los coleccionistas; el sello Low Profile Records también volvieron a lanzar su segundo disco de Fania, Ralfi Pagan with Love.  Muestras de la voz embrujadora de Pagán se pueden encontrar en la serie de ITP Records, East Side Classics.

Traducido por El Caobo
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CHEO FELICIANO

4/4/2016

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Richly talented Latin music percussionist and singer. 

English

Romantic salsa vocalist, José Cheo Feliciano (1935 - 2014), began pursuing a career in music at an early age, dropping out of high school at 17 to study the best salsa orchestras in New York. His devoted interest in the city's Latin music scene led to a stint as a valet for one of New York's best-known salsa singers, Tito Rodríguez. This connection provided the opportunity to audition as a singer for bandleader Joe Cuba, and Feliciano soon became the vocalist for Cuba's sextet. Feliciano recorded 17 albums with them during the '50s and '60s on the Seeco and Tico labels. By 1965, Feliciano was a soloist with many of New York's finest salsa groups and Latin music artists, including Eddie Palmieri.

After a short retirement, Feliciano returned in 1972 as a part of Fania Records' All-Stars ensemble, and also recorded as a solo artist for the label for a decade. Feliciano's career experienced another rebirth in 1990, when he was signed to RMM Records. As with his previous projects, his records for the label spotlight his sensual, passionate vocal style.

In 2008, Feliciano was honored with a Lifetime Achievement award at the 2008 Latin Grammy Awards. He continued touring and occasionally recording. On Thursday, April 17, 2014, in Puerto Rico, he was driving alone when he lost control of the car and hit a light pole. He was killed instantly. Tributes flowed the world over mourning his loss. He was 78.

Written by 
Heather Phares
Español

​Vocalista salsero romántico, José Cheo Feliciano (1935 - 2014), comenzó a perseguir una carrera en la música a una edad temprana, dejándose de baja de la escuela secundaria a los 17 años para estudiar las mejores orquestas de salsa en Nueva York. Su interés dedicado a la escena de la música latina de la ciudad dio lugar a un período como ayuda de cámara de uno de los cantantes de salsa más conocidos de Nueva York, Tito Rodríguez. Esta conexión le proporcionó la oportunidad de hacer una prueba para cantante de el director de orquesta, Joe Cuba, y Feliciano pronto se convirtió en el vocalista del sexteto de Cuba. Feliciano grabó 17 álbumes con ellos durante los años 50 y 60 en las etiquetas Seeco y Tico. Para 1965, Feliciano fue solista con muchos de los mejores grupos de salsa de Nueva York y artistas de  música latina, entre ellos Eddie Palmieri.

Después de un breve retiro, Feliciano regresó en 1972 como parte del conjunto de las All-Stars de Fania Records, y también grabó como solista para el sello por una década. La carrera de Feliciano experimentó otro renacimiento en 1990, cuando se firmó con RMM Records. Al igual que en sus proyectos anteriores, sus discos para el sello le dio el centro de atención a su estilo vocal apasionado y sensual.

En 2008, Feliciano fue honrado con un premio LIfetime Achievement durante los Premios del Grammy Latino   Siguió haciendo giras y grabando de vez en cuando.  El jueves el 17 de abril de 2014 en Puerto Rico, conducía a solas cuando perdió el control del vehículo y chocó contra un poste de semáforos.  Murió en el acto.  Tantos los tributos como los pésames fluyeron por el mundo entero.  Tenía 78 años.

​Traducido al español por El Caobo

"Honor the past, don't just remember it!"  / ¡Honra el pasado, no lo recuérdes solamente! - Dizzie Gillespie
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BOBBY VALENTÍN

4/3/2016

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A brilliant bassist, one of salsa’s foremost band leaders since the 1960s. 

ENGLISH

​Bassist and trumpeter Bobby Valentín contributed greatly to the Fania All-Stars during the '70s (he was their principle arranger) and recorded numerous solo albums during the period, moving from boogaloo and Latin soul into salsa as his career progressed. Born in Puerto Rico in 1941, Valentín was taught guitar by his father before he even entered school. By the age of 11, he'd won a contest with a band he led and began studying alto sax and then trumpet at the Jose Quinton Academy of Music in Coamo.

Just 15 when he moved to New York in 1956, Valentín settled in Washington Heights and continued to study trumpet both at school and with legendary brass teacher Carmine Caruso. He also learned on the streets, playing with different trumpet trios including jazz player Art Farmer and classical trumpeter Louie Mucci. Valentín also formed a band with Chu Hernandez and Joe Quijano named Los Satelites, then began playing professionally in 1958 as a part of Quijano's new orchestra.

During the next seven years, Valentín played both trumpet, guitar, and bass with a roster of Latin heroes -- Willie Rosario, Charlie Palmieri, Ray Barretto (his Orquestra Riverside), and Tito Rodriguez -- and also wrote arrangements for Rosario and Willie Bobo. In 1965, he debuted his own orchestra and recorded his first LP, for Fonseca. Valentín's group recorded another LP that year, El Mensajero, for a new label named Fania Records.

Earlier in the '60s, Valentín had contributed arrangements for label founder Johnny Pacheco, so it was only natural he record for Pacheco's new label as well. And even though Valentín moved back to Puerto Rico with his orchestra by 1968, he made frequent trips back to New York to record for Fania during the late '60s and early '70s. He also began working closely with the label's in-house all-star band, the Fania All-Stars, contributing arrangements and anchoring the sound with his bass (after 1970, he rarely played trumpet) on classic mid-'70s LPs, like Live at the Cheetah, Live at Yankee Stadium, and Tribute to Tito Rodriguez.

In 1978, Valentín began recording for his own label, Bronco Records, and triumphed with La Boda de Ella, one of the most important releases of his career. Though his connection with the Fania All-Stars continued into the '90s, Valentín organized a stable of great artists around Bronco, including Willie Rosario and Orq. Mulenze. Even aside from his globetrotting orchestra, he remained a busy arranger around both Puerto Rico and New York, working on material by Willie Colon, Ismael Miranda, Gilberto Santa Rosa, Cheo Feliciano, and Justo Betancourt, among others.

​Written by John Bush


​


ESPAÑOL

​El bajista y trompetista Bobby Valentín contribuyó en gran medida a la Fania All-Stars durante los años 70 (había sido su arreglista principal) y grabó numerosos discos en solitario durante esta época, pasando de boogaloo y Latin soul a la salsa a la medida que avanzaba su carrera.  Nacido en Puerto Rico en 1941, el padre de Valentín le enseñaba la guitarra antes de que ni siquiera hubiera entrado en la escuela.  A la edad de 11 años, había ganado un concurso con una banda que dirigía y comenzó a estudiar el saxofón alto y la trompeta en la Academia de Músca de José Quinton en Coamo.

Apenas tenía 15 años cuando se trasladó a Nueva York en 1956, Valentín se estableció en Washington Heights y siguió estudiando la trompeta en la escuela y con el legendario maestro de los metales, Carmine Caruso. También aprendió en las calles, tocando con diferentes tríos de trompeta incluyendo al músico de jazz Art Farmer y el trompetista clásico Louie Mucci.  Valentín también formó una banda con Chu Hernández y Joe Quijano nombrada Los Satélites, a continuación, comenzó a tocaar profesionalmente en 1958 como parte de la nueva orquesta de Quijano.

Durante los próximos siete años, Valentín tocó tanto la trompeta, la guitarra y el bajo con una lista de héroes latinos - Willie Rosario, Charlie Palmieri, Ray Barretto (su Orquesta Riverside), y Tito Rodriguez - y también compuso arreglos para Willie Rosario y Willie Bobo.  En 1965, debutó con su propia orquesta y grabó su primer LP, para el sello discográfico, Fonseca.  El grupo de Valentín grabó otro LP ese año, El Mensajero, para una nueva etiqueta llamada Fania Records.

A principios de los años 60, Valentín había contribuido arreglos para el fundador del sello, Johnny Pacheco, así que era natural que grabara también para el nuevo sello de Pacheco.  Y a pesar de que Valentín se trasladó de nuevo a Puerto Rico con su orquesta en 1968, hizo frecuentes viajes de regreso a Nueva York para grabar con la Fania durante los años 60 y a principios de los años 70.   también comenzó a trabajar en estrecha colaboración con la banda de las estrellas de la casa del sello, la Fania All-Stars, contribuyendo arreglos y anclando el sonido con su bajo (después de 1970, raramente tocaba la trompeta) en los LPs clásicos a mediados de los 70, al igual que en vivo en el Cheetah, Live at Yankee Stadium y Homenaje a Tito Rodríguez.

En 1978, Valentín comenzó a grabar por su propio sello, Bronco Records, y triunfó con el tema La boda de ella, uno de los lanzamientos más importantes de su carrera.  A pesar de su conexión con la Fania All-Stars continuó hasta los años 90, Valentín organizó por Bronco Records un establo de grandes artistas, incluyendo a Willie Rosario y Orq. Mulenze.  Incluso al margen de su propia orquesta, Valentín siguió siendo un arreglista ajetreado en Puerto Rico y en Nueva York, trabajando en el material de Willie Colón, Ismael Miranda, Gilberto Santa Rosa, Cheo Feliciano, y Justo Betancourt, entre otros.

Traducido al español por El Caobo


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Alegre All Stars

4/3/2016

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Alegre Records was a New York record label that was founded in 1956 by Al Santiago who owned a 1950s record store in The Bronx named Casalegre and co-founded by clothing businessman Ben Perlman.  It specialized in Latin music and was significant for featuring artists such as Johnny Pacheco and Tito Puente and was the first to record a series of great Latin artists, from Johnny Pacheco, Eddie Palmieri, through Willie Colón. It has been called the "Blue Note" of Latin music.

ENGLISH

​From the '50s to the '70s, concert performances of Afro-Caribbean music in the United States were, more often than not, epic affairs. The lucky patrons of the legendary Palladium night club in New York recall enjoying sets by Machito, Tito Puente and Tito Rodríguez all in the same evening - something unthinkable by today's standards. During the golden era of Latin music, promoters made sure that the fans got their money's worth, and then some.

That was definitely the case on the evening of May 1974 when this performance by the conglomerate known as the Tico-Alegre All Stars was recorded for posterity at Carnegie Hall. The album that you hold in your hands includes tracks by the Tito Puente Concert Orchestra with guest vocalists La Lupe and Vicentico Valdés; Joe Cuba; Charlie Palmieri's orchestra with singing contributions by Vitín Avilés and Yayo El Indio; Ismael Rivera y sus Cachimbos and a grand finale courtesy of the Alegre All Stars.

As if this gallery of luminaries wasn't enough, the instrumental ensemble that evening included musical heavyweights such as Cuban maestro Cachao on bass; Mike Collazo on drums; Jimmy Sabater on timbales; José Madera on bongoes; Cándido Camero on congas; veteran Cuban flutist José Fajardo and the inimitable Barry Rogers on trombone.
The album begins with a bang thanks to Tito Puente's thunderous rendition of the 2001: A Space Odyssey Theme – “Tito’s Odyssey”. Puente was on a roll at the time. He had just released one of the most ambitious albums of his career, Tito Puente And His Concert Orchestra, he had assembled a monumental big band with the blessing of the Tico label and had incorporated the refreshing idioms of funk and '70s R&B to his musical palette.

The funk influence can be heard on the collection's second track, “Confusión”, which reunites the timbalero with his former vocalist Vicentico Valdés. The spoken introduction by Valdés is endearing, as the singer candidly admits that he is not exactly crazy about the fusion of bolero and R&B ballad that Puente has concocted. He calls the song itself una confusión. No wonder, then, that his delivery is somewhat hesitant, failing to match the fire in Puente's tasty arrangement.

Unlike Vicentico, La Lupe gives it all with the sympathetic backing of the Puente orchestra on a mesmerizing version of "Changó" which arguably stands as the strongest track in the album. A delightful feeling of unstoppable frenzy is ignited from the track's opening bars.

At times, the brass section recalls jazz-rock outfits of the era such as Chicago and Blood, Sweat & Tears. And La Lupe sounds in top shape, her voice evoking infinite amounts of passion, fury and tenderness. One can only imagine how tickled she was to be reunited with the bandleader with whom she recorded a string of seminal albums in the '60s.
Fans of Puerto Rican singer Ismael Rivera will enjoy his brief but delightful contribution to this album. Backed by Los Cachimbos, Maelo delivers a melodious version of Bobby Capó's ”Sale El Sol”, his phrasing showcasing that feeling of old fashioned innocence that garnered Rivera so many fans across the Americas.

The session concludes, appropriately enough, with a joyful descarga – “La Cosa Alegre”. The longest track in the album, it boasts memorable solos by, among others, Alfredo Chocolate Armenteros on trumpet, Barry Rogers on trombone and the swinging piano of Javier Vásquez.

Like the best of live albums do, "Recorded Live At Carnegie Hall Vol. 1" makes you wish you could have been there. Now, thanks to the vision of Tico producer Joe Cain and the wonders of digital remastering, we can. Not in person, of course. But at least we can be there in spirit and sound.
​
Written by ERNESTO LECHNER
ESPAÑOL

Entre las décadas del '50 y el '70, los conciertos de música afrocaribeña en los Estados Unidos eran, por lo general, asuntos de dimensiones épicas. Los afortunados clientes del legendario Palladium en Nueva York cuentan haber visto a Machito, Tito Puente y Tito Rodríguez compartiendo la misma tarima en una noche - algo que hoy en día parece casi irreal. Durante la era dorada de la música latina, los promotores hacían todo lo posible para que los fanáticos quedaran completamente satisfechos.

Un buen ejemplo de esta tendencia es la noche de mayo de 1974 en la que se llevó a cabo el concierto de la Tico-Alegre All Stars en el Carnegie Hall. El disco que usted tiene en sus manos incluye temas de la Tito Puente Concert Orchestra con La Lupe y Vicentico Valdés como cantantes invitados; Joe Cuba; la orquesta de Charlie Palmieri con contribuciones de Vitín Avilés y Yayo El Indio, Ismael Rivera y sus Cachimbos y un majestuoso final de la mano de la Alegre All Stars.

Como si este desfile de luminarias no fuera suficiente, el conjunto instrumental de esa velada incluyó a grandes figuras como el maestro cubano Cachao en el bajo; Mike Collazo en batería; Jimmy Sabater en timbales; José Madera en bongó; Cándido Camero en las congas; el veterano flautista cubano José Fajardo y el inimitable Barry Rogers en trombón.
El disco comienza explosivamente con Tito Puente y una versión casi psicodélica del tema de 2001: Odisea del Espacio – “La Odisea De Tito”. Puente estaba en su apogeo en ese momento. Acababa de lanzar uno de los discos más ambiciosos de toda su carrera, Tito Puente And His Concert Orchestra, había juntado una banda monumental y también había incorporado los refrescantes sonidos del funk y el r&b a su paleta musical.

La influencia del funk se puede escuchar en el segundo tema, “Confusión”, que reúne al timbalero con su antiguo vocalista Vicentico Valdés. La introducción de Valdés es entrañable, dado que el cantante no muestra el menor reparo en expresar sus dudas sobre la fusión de bolero y r&b que cocinó Puente, agregando que la misma canción es una confusión. Tal vez por eso, su interpretación es algo titubeante, sin poder emular el fuego de la orquestación de Puente.

Contrariamente a Vicentico, La Lupe se compenetra totalmente con la orquesta durante una seductora versión de “Changó” que probablemente sea el punto más alto del disco. Desde los primeros compases, el tema crea un sentimiento de frenesí incontrolable.

Por momentos, la sección de vientos recuerda a grupos de jazz-rock de la época como Chicago y Blood, Sweat & Tears. Y La Lupe aparenta estar en la cúspide de su poderío vocal, expresando una mezcla irresistible de pasión, furia y ternura. Es grato imaginarse cómo se habrá sentido la cantante al reencontrarse con el director de orquesta con el que había grabado una serie de importantes LP para la compañía Tico durante la década de los '60.

Los admiradores del cantante puertorriqueño Ismael Rivera quedarán encantados con su contribución a esta grabación. Acompañado por Los Cachimbos, Maelo entona una melodiosa versión de “Sale El Sol” de Bobby Capó. Su fraseo encierra ese clima de anticuada inocencia que le ganó tantos fanáticos a través de las Américas.

La sesión concluye con una descarga – “La Cosa Alegre”. El tema más largo del disco incluye descollantes solos de, entre otros, Alfredo Chocolate Armenteros en trompeta, Barry Rogers en trombón y el piano repleto de swing de Javier Vásquez.

Como todos los buenos discos en vivo, "Recorded Live At Carnegie Hall Vol. 1" provoca en el escucha un fuerte deseo de haber estado en la sala de conciertos durante esa noche feliz. Ahora, gracias a la visión del productor de la Tico Joe Cain y las bondades de la remasterización digital, podemos hacerlo. No en persona, claro está. Pero sí en sonido y espíritu.

Escrito por ERNESTO LECHNER.

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LARRY HARLOW

1/28/2015

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Multi-instrumentalist (pianist, organist, flutist, bassist), composer, producer, musical director and band leader

Multi-instrumentista (pianista, organista, flautista, el bajista), compositor, productor, director musical y director de orquesta

Español

Hace unos años, tuve el honor de entrevistarle a esta leyenda viva de la música latina, Larry Harlow, durante uno de mis programas de radio. Fue una entrevista muy informativa y siempre recuerdo un momento bastante conmovedor cuando dije "Happy Hanakkuh" a Larry, ya que la entrevista tuvo lugar el Hanakkuh. Después de una pausa dilatada, respondió Larry, "¿Sabes que eres la única persona que me dijo eso? Nadie más me ha dicho eso en todo el día."  Estaba agradecido y yo estaba encantado de ser la única persona hasta ese momento (y era a eso de las 8:00 de la noche por donde vivía) que le había dicho algo que era obviamente muy significativo para esta leyenda.  Ya pronto, voy a volver a entrevistarle a Larry Harlow.  ¡Qué honor!

Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1939, en una familia judía de América del Norte, Lawrence Ira Kahn, mejor conocido como Larry Harlow y apodado El Judío Maravilloso,  creció con un hermano menor, Andy (que también llegó a ser un músico distinguido), en un barrio judío y puertorriqueño.  Estuvo muy influenciado por su padre, Buddy Kahn Harlow, un bajista y líder de banda y comenzó sus estudios de piano a la edad de cinco años, y planeaba convertirse en un pianista de jazz hasta que escuchó por primera vez el mambo mientras asistía a Music and Art High School durante los comienzos de los años 50. 

Una de las joyas frecuentemente ocultas detrás de la subida de Fania como etiqueta de la música latina extraordinaria en los años 60 y principios de los 70, Larry Harlow fue productor de incontables álbumes de Fania, director musical de la Fania All-Stars, y por supuesto, el capitán de su propia Orquesta Harlow, que navegó junto con la experiencia de muchos grandes músicos y al menos uno de los grandes soneros de todos los tiempos, Ismael Miranda. 

Con Fania Records, grabó más de 106 discos de varios artistas, y 50 de los suyos. Al mismo tiempo, trabajó en varias producciones con sus sellos subsidiarios.

Además, durante una década muy turbulenta para la música latina, Harlow tenía un pie en ambos campos, el contemporáneo y el tradicional: grabó una impresionante ópera latina que se realizó en el Carnegie Hall, pero adoraba al gran tresero, Arsenio Rodríguez y hasta grabó un álbum póstumo en su honor.

Durante la Feria Mundial de 1964 (celebrada en Flushing, Queens), Harlow tocó el piano para el conjunto de Johnny Pacheco antes de crear la Orquesta Larry Harlow. Fuertemente influenciado por el sonido de Arsenio Rodríguez, Harlow lo modernizó y se le llamó un discípulo de "El Ciegito Maravilloso" y él mismo fue bautizado como "El Judío Maravilloso". Tras la muerte de Arsenio el 31 de diciembre de 1970, Harlow le conmovió de manera emocional al mundo de la música latina con el álbum de Fania, Tributo a Arsenio Rodríguez, en 1971. Dos años más tarde, Harlow volvió a hacer noticia con su álbum de Fania, Hommy, A Latin Opera, que se escenificó en el Carnegie Hall.

Larry se ha ganado su estatus como un virtuoso ampliamente reconocido por su destreza en el piano, el órgano, la flauta, y el bajo. También es conocido por su sólida formación clásica en la armonía y composición.  Vale la pena notar que también ganó mucha celebridad como el líder de varios grupos de jazz, y es considerado un consumado intérprete del jazz, así como la salsa.

Larry Harlow ha sido tan prolífico y tan exitoso que ha sido premiado por sus álbumes memorables, como "El Exigente", "Me and My Monkey" (que fue disco de oro), "Electric Harlow", "Yo Soy Latino", "Hommy "," Salsa "y" La Raza Latina ", un ambicioso álbum que contó con la colaboración de Rubén Blades y ganó para Harlow una nominación al Grammy. En todas y cada una de sus producciones, Harlow hizo su marca como compositor, músico, productor y director. Ha sido mentor para muchos de los que ahora se han hecho un nombre por sí mismos y se convierten en parte de la historia de la música latina.


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A few years ago, I had the honor of interviewing this living legend of Latin music, Larry Harlow, during one of my radio shows.  It was a very informative interview and I always remember a rather poignant moment when I said "Happy Hanakkuh" to Larry, since the interview took place on Hanakkuh.  After a pregnant pause, he said, "You know you're the only person to say that to me?  No one else has said that to me all day."  He was grateful and I was thrilled to be the only person up until that time (and it was around 8:00pm where he lived) to say something that was obviously very meaningful to this legend!  .Soon, I will be interviewing Larry Harlow again.  What an honor!

Born in Brooklyn, New York, in 1939, to a Jewish family, Lawrence Ira Kahn, better known as Larry Harlow and nicknamed The Marvelous Jew, grew up with a young brother, Andy (who also became a distinguished musician), in a Jewish and Puerto Rican neighborhood.  He was greatly influenced by his father Buddy Kahn Harlow, a bassist and bandleader, and he began piano studies at the age of five, and planned to become a jazz pianist until he first heard the mambo while attending Music and Art High School during the early '50s.   

One of the frequently hidden gems behind the rise of Fania as Latin music's label extraordinaire in the late '60s and early '70s, Larry Harlow served as producer for countless Fania LPs, musical director of the Fania All-Stars, and of course, captain of his own Orchestra Harlow, which sailed along with the expertise of many great musicians and at least one of the greatest soneros of all time, Ismael Miranda. 

With Fania Records, he recorded more than 106 albums by various artists, and 50 of his own. Simultaneously, he worked on several productions with his subsidiary labels.

Additionally, during a very turbulent decade for Latin music, Harlow had a foot in both contemporary and traditional camps: he recorded an impressive Latin opera that was performed at Carnegie Hall but he worshipped the great tres player Arsenio Rodriguez and even recorded an posthumous album in his honor.

During the 1964 World's Fair (held in Flushing, Queens), Harlow played piano for Johnny Pacheco's conjunto before creating the Larry Harlow orchestra. Heavily influenced by the Arsenio Rodriguez sound, Harlow modernized it and was hailed a disciple of "El Ciegito Maravilloso" ("The Marvelous Blind One") and was himself dubbed "El Judio Maravilloso" ("The Marvelous Jew"). After Arsenio's death on December 31, 1970, Harlow emotionally moved the Latin music world with the Fania album Tribute to Arsenio Rodriguez in 1971. Two years later, Harlow made headlines again with his Fania album Hommy, A Latin Opera, which was staged at Carnegie Hall.

Larry has earned his status as a widely recognized virtuoso due to his dexterity on the piano, organ, flute, and bass. He is also known for his solid classical training on harmony and composition.  It is worth noting that he also gained much celebrity as the leader of several jazz groups, and is considered a consummate interpreter of jazz, as well as salsa.  

Larry Harlow has been so prolific and so successful that he has been honored for his memorable albums, such as "El exigente," "Me and My Monkey" (which went gold), “Electric Harlow,” “Yo Soy Latino,” “Hommy,” “Salsa,” and “La Raza Latina,” an ambitious album that featured the collaboration of Rubén Blades and earned Harlow a Grammy nomination. On each and every one of his productions, Harlow made his mark as composer, musician, producer, and director. He was a mentor to many who have now made a name for themselves and become part of the history of Latin music.



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WILLY TORRES

12/31/2014

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Bravo sonero, músico polifacético y productor que ha trabajado con Spanish Harlem Orchestrra y "Los Soneros del Barrio", entre otras orquestas y ha tenido una impresionante carrera en solitario.

Fierce sonero, multifaceted musician and producer who has worked with “Spanish Harlem Orquestra” y “Los Soneros del Barrio”, among other bands and has had his own impressive solo career.  

Español

El 31 de diciembre del año 1975 nace Willy Torres en Trujillo Alto, Puerto Rico; bravo sonero, músico polifacético y productor que ha trabajado con Spanish Harlem Orchestrra y "Los Soneros del Barrio", entre otras orquestas y ha tenido una impresionante carrera en solitario.

Una vez tuve la oportunidad de servir de DJ en el increíble club nocturno de la Ciudad de Nueva York, The Taj Lounge, durante un lunes por la noche.  Mi hermano de los tocadiscos, Henry Knowles, fue el promotor de la noche y me sentía honrado tener esta oportunidad.  Fue una noche muy especial porque otro buena amiga, devota historiadora y aficionada de la salsa, Ana Flores, me había acompañado.  Llegamos temprano y no tenía ni idea de que habría una orquesta en vivo.  Haciendo un número en vivo en frente de la cabina del DJ fue Willy Torres junto con varios otros grandes músicos. Inmediatamente reconocí a Bobby Allende en las congas. Mientras estaba sentado en el bar, esperando mi momento de trabajar, entró otro gran artista con el que recientemente yo había colaborado en algunos proyectos en Chicago, Frankie Vázquez, el Sonero del Barrio.  Después de charlar un rato con Ana y conmigo, Frankie se unió a la banda de Willy. ¡Guauu! ¡Qué banda con saoco!  ¡Qué sonido increible!  Fue entonces cuando me enamoré de la escena salsera de la Ciudad de Nueva York!   Charlé brevemente con Willy esa noche y después lo entrevisté en mi programa de radio.

Así que, cuando vi que el 31 de diciembre era el cumpleaños de Willy, sabía que tenía que investigar su biografía y publicarla en mi blog.  Es con gran aprecio para con este artista, Willy Torres, que presento esta entrada del blog.

Willy tuvo la suerte de haber venido de una familia de músicos; su madre es cantante y su padre percusionista latino y vocalista.  Antes de que saliera la familia de Puerto Rico, Willy había comenzado a estudiar las congas con su padre y el amigo de su padre, Ramón Azor, a sólo cuatro años de edad y pronto comenzó a acompañar a su padre a sus conciertos y de vez en cuando tocaba las congas.  Otros artistas notables a los cuales atribuye Willy de haberle ayudado con su temprano desarrollo musical fueron Freddy Kenton, Porfirio Morel y su abuelo, Ramón Torres.  En algún momento a mediados de los años 80, la familia Torres se mudó al Bronx, Nueva York.

En cuanto a la capacidad de cantar de Willy, mientras que todavía asistía a la escuela secundaria sus primeros esfuerzos como solista fueron con una banda formada por sus tíos, Nelson y Juan Ramón (Monchi), llamada Los Hermanos Torres.  Inicialmente, Willy tocó el saxofón para la banda y sus tíos comenzaron a enseñarle cómo ser un líder de una banda. Puesto que Monchi, vocalista de la banda, estaba muy ocupado durante esta época, tuvo dificultades para encontrar el tiempo para aprender todas las canciones.  Así que, el co-líder, Nelson, quien en ese momento era también el bajista de La Majestad, informó al líder y compositor de La Majestad, Miguel Maldonado, que estaba buscando un cantante para acompañar a Monchi. Maldonado le sugirió que intentara usar a Willy.  Nelson siguió el consejo de Maldonado.

Alrededor de 1989, la banda de Maldonado, Orquesta Majestad, perdió a su cantante principal y Maldonado, que para entonces estaba enterado del creciente éxito de Willy en la voz principal, ofreció el puesto a Willy; quien lo aceptó alegremente.  Así que fue entonces, en 1989, que Willy hizo su primer debut profesional y grabaría cuatro canciones con la Orquesta Majestad.  También durante este período de tiempo, Willy tuvo la oportunidad de cantar con Larry Harlow, y con la orquesta de la orquesta de Johnny Ray, Salsa Con Clase. Cuando se tiene en cuenta que durante este tiempo en la vida de Willy, seguía asistiendo a la escuela secundaria, mientras aprendía canciones, tocaba el saxofón y escribía música, queda patente que Willy tenía un alto nivel de determinación, persistencia y ambición!

Después de su trabajo con la orquesta Latin Legends de Larry Harlow, muchas puertas estaban abiertas para Willy.  A partir de ahí, trabajó con una larga lista de realeza de la salsa, incluyendo, Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle, Johnny Rivera, Domingo Quiñones, Ray Sepúlveda, y Conjunto Clásico, sólo para nombrar unos pocos.

En 1993, Willy fue recomendado y después ofrecido un puesto como corista con Víctor Manuelle.  Sin embargo, esto significaba que tendría que regresar a su natal Puerto Rico. Después de dar la proposición cierta consideración, Willy hizo el movimiento y permanecería en Puerto Rico, y muy ocupado, por cerca de cinco años.

Hacia finales de 1998, después de dejar la orquesta de Manuelle, Willy tenía deseos de producir, entrenar a cantantes, grabar CDs y abrir su propio estudio de grabación y empresa de producción.  Para alcanzar estos objetivos, Willy regresó a Nueva York.  Mientras trabajaba en sus nuevas metas, Willy continuó grabando con otra lista larga de productores muy talentosos, entre ellos Sergio George, Pablo "Chino" Nuñez, Guillermo Ruiz, Ramón Rodríguez, Guillermo Calderón, Julito Alvarado, Osvaldo Picacho, Omar Alfanno, Luis Cabarcas , Mike Rivera, Edwin Sánchez, Paul Simon, Robby Rosa, para nombrar unos pocos, y con artistas como Johnny Ray, Ray Sepúlveda, DLG, Huey Dunbar, George Lamond, Frankie Negrón, Van Lester, Junior González, Joe King, Luis Damon, Rey Ruiz, Ley Alejandro, Alexandre Pires, Ricardo Montaner, Ricky Martin, Chayanne, Carolina La O, Brenda K. Starr.

En 2003, Willy recibió lo que resulta ser una llamada telefónica muy fortuita de Oscar Hernández, quien en ese momento buscabo un suplente para Hermán Olivera por un par de fechas.  Willy aceptó de buen grado la oferta y se encontró cantando solos, así como cantando junto a los sonderos maestros Ray de la Paz y Frankie Vázquez.  Esto marcaría el comienzo de la exposición internacional de Willy.

En 2008, Willy colaboró con DJ Henry Knowles para producir el álbum, Back on the Streets - A Taste of Spanish Harlem, que fue el álbum de regreso de New Swing Sextet.

También en 2008, y también co-producido por DJ Henry Knowles, Willy lanzó su primer álbum en solitario llamado, Lo Que Traigo Yo - Willy's NYC Salsa Proyect, por el que hacía los papeles de director musical, productor, compositor, conguero, bongocero, vocalista principal, ingeniero de grabación y hasta arreglista de algunos temas.  El proyecto es una mezcla de cuatro de las composiciones originales de Willy, "Baila con sabor", "Lo que traigo yo", "Si te preguntan" y "Fajardeño pa 'mi tierra", y temas de clásicos como "A las seis" de Joe Cuba, "Rompe Saraguéy" de Héctor Lavoe, "Yambeque" de Tito Puente (popularizado por La Sonora Ponceña) y "La muerta" de El Gran Combo.  Por sorpresa, este álbum fue grabado por un total de solamente seis músicos, entre ellos Willy, sin embargo, tiene el poder y saoco de una orquesta mucho más grande.  ¡Por cierto es una producción increíble!



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On December 31, 1975 is born, Willy Torres in Trujillo Alto, Puerto Rico; fierce sonero, multifaceted musician and producer who has worked with “Spanish Harlem Orquestra” y “Los Soneros del Barrio”, among other bands and has had his own impressive solo career.  

I once had the opportunity to spin at New York City's amazing nightclub, The Taj Lounge, on a Monday night.  My turn-table brother, Henry Knowles, was the promoter of the night and I was honored to have this opportunity.  It was a very special night because another good friend and devout salsa historian and aficionada, Ana Flores, accompanied me there.  We arrived early and I had no idea that there would be a live band! Performing live in front of the DJ booth was Willy Torres along wIth several other great musicians.  I immediately recognized Bobby Allende on the congas.  As I sat at the bar, awaiting my time to spin, in walks another great artists with whom I recently had collaborated on some projects back home in Chicago, Frankie Vázquez, el Sonero del Barrio!  After chatting with Ana and me for a while, Frankie joined Willy's band.  Wow!  What a swinging band!  What an amazing sound!  It was then that I fell in love with New York City's salsa scene!  I chatted briefly with Willy that night and later interviewed him on my radio show.

So, when I saw that December 31st was Willy's birthday, I knew that I had to research his bio and post it on my blog.  It is with great appreciation of this artist, Willy Torres, that I present this blog entry!    
Willy was fortunate to have come from a musical family; his mother is a singer and his father a Latin percussionist and vocalist.  Before the family left Puerto Rico, Willy had begun studying the conga drums with his father and his father's friend, Ramón Azor, at only four years old and soon began accompanying his father to his gigs and from time to time playing the congas.  Other notables who Willy attributes to having helped him with his early musical development were Freddy Kenton, Porfirio Morel and his grandfather, Ramón Torres.  Sometime in the mid 80s, the Torres family moved to the Bronx, New York.

As for Willy's singing ability, while he was still attending high school his first efforts as a soloist were with a band formed by his uncles, Nelson and Juan Ramón (Monchi), called Los Hermanos Torres.  Initially, Willy played the saxophone for the band and his uncles began teaching him how to be a band leader.  Since Monchi, the band's lead singer, was very busy during this time, he had difficulties finding the time to learn all the songs.   So, the co-leader, Nelson, who at the time was also the bass player for La Majestad, informed the leader and composer of La Majestad, Miguel Maldonado, that he was looking for a singer to accompany Monchi.  Maldonado suggested that they try using Willy.  Nelson took Maldonado's advice.  

Around 1989, Maldonado's band, Orquesta Majestad, lost its lead singer and Maldonado, who by then knew of Willy's burgeoning success on lead vocals, offered the position to Willy; which Willy gladly accepted.   So it was then, in 1989, that Willy made his first professional debut and would record four songs with Orquesta Majestad.  Also during this time frame, Willy had the opportunity to sing with Larry Harlow, and with Johnny Ray's orchestra, Salsa Con Clase.  When one considers that during this time in Willy's life, he was still attending high school, while learning songs, playing the saxophone and writing music,, it is clear that Willy had a high level of determination, persistance and ambition! 

After his work with Larry Harlow's Latin Legends Band, many doors were open for Willy.  From there, he worked with a long list of salsa royalty, including, Gilberto Santa Rosa, Victor Manuelle, Johnny Rivera, Domingo Quiñones, Ray Sepulveda, and Conjunto Clásico, just to name a few.  

In 1993, Willy was recommended and later offer a position as a backup singer with Victor Manuelle.  However, this meant that he would have to move back to his native Puerto Rico.  After giving the proposition some consideration, Willy made the move and would remain in Puerto Rico, and very busy, for about five years.    

Towards the end of 1998, after leaving Manuelle's orchestra, Willy had desires to produce, arrange, coach singers, record cds and open his own recording studio and production company.  To achieve these goals, Willy returned to New York.  While working on his new goals, Willy continued to record with another long list of very talented producers, including Sergio George, Pablo "Chino" Nuñez, William Ruiz, Ramón Rodríguez, Guillermo Calderón, Julito Alvarado, Osvaldo Pichaco, Omar Alfanno, Luis Cabarcas, Mike Rivera, Edwin Sánchez, Paul Simon, Robby Rosa, to name a few, and with artists such as Johnny Ray, Ray Sepulveda, DLG, Huey Dunbar, George Lamond, Frankie Negrón, Van Lester, Junior González, Joe King, Luis Damón, Rey Ruiz, Ley Alejandro, Alexandre Pires, Ricardo Montaner, Ricky Martin, Chayanne, Carolina La O, Brenda K. Starr.    

In 2003, Willy received what would turn out to be a very fortuitous phone call from Oscar Hernández, who at the time was looking for a sub for Hermán Olivera for a couple of dates.  Willy gladly accepted the offer and found himself soloing as well as singing alongside master soneros Ray de la Paz and Frankie Vázquez.  This would mark the beginning of Willy's international exposure.    

In 2008, Willy collaborated with DJ Henry Knowles to produce the album, Back on the Streets - A Taste of Spanish Harlem, which was the comeback album of New Swing Sextet.  

Also in 2008, and also co-produced by DJ Henry Knowles, Willy released his first solo album called, Lo Que Traigo Yo - Willy's NYC Salsa Project, for which he wore the hats of musical director, producer, composer, conga player, bongo player, lead vocalist, recording engineer and even arranger for some songs.  The project is a mixture of four of Willy's original compositions, "Baila con sabor," "Lo que traigo yo," "Si te preguntan" and "Fajardeño pa' mi tierra," and revamped covers of classics such as Joe Cuba Sextet's "A Las Seis", Héctor Lavoe's "Rompe Saragüey", Tito Puente's "Yambeque" (made famous by La Sonora Ponceña) and El Gran Combo's "La Muerte".  Amazingly, this album was recorded by a total of only six musicians, including Willy, yet has the powerful and swinging sound of a much bigger band!  It is an amazing production for sure!  



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MIGUEL 'MEÑIQUE' BARCASNEGRAS

12/30/2014

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Destacado sonero que ha participado, entre otras, con Orquesta de Tito Puente, Orquesta de Charlie Palmieri, Orquesta de Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez y su propia orquesta.  


Featured sonero who participated, among others, with Orquesta Tito Puente, Orquesta Charlie Palmieri, Orquesta Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez and his own orchestra.

Español

El 30 de diciembre del año 1933, nace Miguel 'Meñique' Barcasnegras en Ciudad de Panamá, Panamá; destacado sonero que ha participado, entre otras, con Orquesta de Tito Puente, Orquesta de Charlie Palmieri, Orquesta de Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez y su propia orquesta.  

Sobrepasar los 60 años de historia musical con la voz tan clara como siempre y con la vitalidad sorprendente que irradia en tarima, Meñique, es inusual y merece aplauso.   En efecto, este pequeño gigante todavía alcanza los registros vocales que se oyen en sus discos originales, ya que sea con el tema 'Niña y señora' que grabó con Tito Puente, 'La cuesta de la fama' que grabó con Willie Rosario, 'Tiene sabor' que grabó con Charlie Palmieri o con 'El gato sobre la lluvia' que grabó con Louie Ramírez, sus melífluos soneos de hoy son reflejos fieles de todos estos exitazos.  A través de los años, el gran Meñique ha conservado la voz intacta, la cual le depara un sitio especial en la historia de la música latina, y en especial del movimiento salsero neoyorquino.

Los humildes orígines de Meñique tuvieron lugar en un barrio popular donde por ser uno de 14 hermanos se vio obligado a ayudar financieramente a la familia desde muy temprana edad, limpiando zapatos, lavando platos y vendiendo periódicos.  Sin embargo, también en ese mismo barrio no paraban de sonar los radios y la música y los padres de Meñique, Rosa Helena Diaz y Cesar Cantoral (padrastro), quienes eran cantantes, lo hacian bien cantando en fiesta populares. 

Cuando Meñique tenía 16 años, lo descubrió su cuñado, Bacilio Hernández, cantante de la Sonora Panameña de Guillermo Cantillo, al escuchar al cantante en ciernes mientras visitaba a la hermana de Meñique.  Al preguntar Bacilio que quién era el que cantaba, le respondió la hermana de Meñique que era Meñique y que siempre se la pasaba cantando cuando se metía en la ducha.  Bacilio esperó a que saliera Meñique de la ducha y lo invitó a que lo acompañara a un ensayo con la Sonora Panameña de Guillermo Cantillo, una invitación que la aceptó Meñique con mucho afán.  Resultó que le dieron la posición de corista en la orquesta.  Sin embargo, había una vez que Bacilio se decidió cantar con otra orquesta sin avisarle a nadie, y Meñique, quien se sabía unos de los temas, tenía que cantar la voz principal y después se quedó con la posición de cantante principal de la orquesta.  Meñique no llegó a grabar con Sonora Panameña de Guillermo Cantillo, pero esta experiencia le abrió paso a otras agrupaciones como la Raul Ortiz y su Orquesta, La Orquesta Universal y La Perfecta de Armado Boza, que era la banda número uno en la década de los 50's.

En el año 1968 ocurrió el encuentro con Kako cuando Kako y su orquesta fueron invitados a tocar en los carnavales de Panamá. El cantante de aquella época era Camilo Azuquita quien por problemas con Kako abandonó la gira dejando al timbalero con los brazos cruzados y sin cantante. Para resolver la situación, Kako empezó a buscar el reemplazo ahi mismo en Panamá, y  terminó con dos candidatos: Beto Dubois y Meñique.  Hubo una audición, y la competencia fue fuerte y pareja.  A Kako, le gustó Beto, pero a Rafael Lavastar, primer trompeta de Kako , le gustó el estilo de Meñique.  A fin de cuentas, decidieron llevar a los dos a Nueva York.  No obstante, por desgracias, Beto experimentó muchos problemas cuando trató de sacar su visado.  Ya que Meñique no experimentó esos reveses, pudo viajar con Kako ese mismo año.   Sin embargo, solamente unos meses después, Meñique abandonaría la agrupación de Kako para irse con Tito Puente.  


Solo habían pasado dos o tres meses en Nueva York cuando en una presentación le tocó a Kako alternar con Tito Puente, quien después de oir a Meñique le propuso directamente a Kako que dejara libre a Meñique para que se fuera con la orquesta de él.  Kako accedió y fue asi que para enero o febrero de 1969 Meñique ya era cantante de Tito Puente.  


Esta primera estadia de Meñique con la orquesta de Tito Puente no duraria mucho, pues las inclemencias del invierno, la falta de transporte y las intensas semanas de presentaciones agotaron a Meñique hasta el punto que a los pocos meses se fue de la orquesta de Puente para las cálidas tierras de Puerto Rico junto a Willie Rosario.

Estando en Nueva York y antes de irse con Willie Rosario, Meñique escribió el tema "La Cuesta de la Fama" que después salió en el álbum de Willie Rosado entitulado El Bravo de Siempre (1969), y tema con el cual Meñique ganó glorias junto con el afamado director de orquestas.

Después de ese periodo de dos meses con Willie Rosario, Meñique regresa de nuevo con Puente y es alli donde estaría por casi seis años.


Discografía

- Kako, Sock It To Me, Latino! (1968)
- Arsenio Rodríguez, Arsenio Dice (1968)
- Willie Rosario, El Bravo de Siempre (1969)
- Tito Puente, Pa'Lante! / Straight! (1970)
- Tito Puente, Para Los Rumberos (1972)
- Meñique (1972)
- Santos Colón and Meñique, Long Live The King (1973)
- Soy Hijo de Chango (1974)
- Tico-Alegre All Stars Recorded Live At Carnegie Hall, Vol. 1 (1974)
- Meñique Presenta Tropical de Chicago (1975)
- Meñique and Charlie Palmieri, Con Salsa y Sabor (1977)
- Charlie Palmieri, The Heavyweight (1978)
- Charanga Sensación, Sensación Hay Una Sóla (1978)
- Charanga Sensación, Charanga Super Charanga (1979)
- Carlos Barbería y su Orquesta Kubavana, Rarezas del Siglo (1980)
- Noche Caliente Vol. 2 (1983)
- Noche Caliente Vol. 3 (1984)
- Nicolás Vivas y su Conjunto Chaney (1983)
- Meñique En Blanco y Negro (1983)
- Papo Colón, Papo Colón y Salsa Punta (1985)
- Los Pleneros de la 21, Somos Boricuas / We Are Puerto Rican: Bomba y Plena en Nueva York (1996)
- Meñique, Sonero Añejo - 55 Años Trayectoria Músical (2004)
- Meñique, Salsa Y Bembe (2008)



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On December 30, 1933, is born Miguel 'Meñique' Barcasnegras in Panama City, Panama; featured sonero who participated, among others, with Orquesta Tito Puente, Orquesta Charlie Palmieri, Orquesta Willie Rosario, Orquesta de Kako, Orquesta Noche Caliente de Louie Ramírez and his own orchestra.

Exceeding 60 years of musical history with his voice as clear as ever and with the surprising vitality that Meñique radiates on stage is unusual and deserves applause.  Indeed, this little giant still hits the vocal registers that are heard in his original records, whether it be with the song 'Niña y señora' that he recorded with Tito Puente, 'La cuesta de la fama' that he recorded with Willie Rosario, 'Tiene sabor' that he recorded with Charlie Palmieri or' El gato sobre la lluvia' that he recorded with Louie Ramirez, his mellifluous soneos today are faithful reflections of all these hits. Over the years, the great Meñique has preserved intact his voice, which gives him a special place in the history of Latin music, and especially in the New York salsa movement. 

The humble origins of Meñique took place in a popular neighborhood where because of being one of 14 siblings he was forced to support the family financially at an early age, by shining shoes, washing dishes and selling newspapers.  However, also in that same neighborhood radios and music not stopped playing and Meñique's parents, Rosa Helena Cesar Diaz and Cantoral (stepfather), who were singers, did well singing at popular party.

When Meñique was 16, his brother-in-law, Bacilio Hermandez, singer of Guillermo Cantillo's Sonora Panamaña, discovered him upon listening to the aspiring singer while visiting his sister.  When Bacilio asked who was singing, the sister replied that it was Meñique and that Meñique always spent his time singing when he got into the shower.  Bacilio wanted for Meñique to get out the shower and invited him to accompany him to a rehearsal of Guillermos Cantillo's Sonora Panameña, an invitation that Meñique accepted with great eagerness. It turned out that he was given the position of chorister in the orchestra.  However, there was a time that Bacilio decided to sing with another orchestra without telling anyone, and Meñique, who knew some of the songs, had to sing lead vocals and later kept the position of lead singer of the band.  Meñique did not get to record with Sonora Panameña, but this experience paved the way for other groups such as Raul Ortiz y su Orquesta, La Orquesta Universal y Amado Boza"s La Perfecta; which was the number one band in the early 50's.

In 1968 the meeting with Kako happened when Kako and his band were invited to play at the carnival of Panama.  The singer at that time was Camilo Azuquita who because of problems with Kako left the tour leaving the timbales player with his arms crossed and without a singer. To resolve the situation, Kako started looking for a replacement right there in Panama, and ended with two candidates: Beto Dubois and Meñique.  There was an audition, and the competition was strong and even.   Kako liked Beto, but Rafael Lavastar, Kako´s first trumpet, liked Meñique's style.  In the end, they decided to take both of them to New York.  However, by misfortune, Beto experienced many problems when he tried to get his visa. Since Meñique did not experience such setbacks, he was able to travel with Kako that year.  Nevertheless, only a few months later Meñique would leave Kako to go with Tito Puente. 

They had only spent two or three months in New York when Kako had to alternate with Tito Puente in a performance; who after hearing Meñique directly proposed to Kako that he let Meñique free to go with his orchestra. Kako agreed and so it was that in January or February 1969 Meñique was already Tito Puente's singer. 



Meñique's first stay with Tito Puente Orchestra would not last long, because the harsh winter, lack of transportation and intense weeks of performances wore out Meñique to the point that a few months later he leaves Puente's orchestra for teh warm land of Puerto Rico with Willie Rosario.

While in New York and before going with Willie Rosario, Meñique wrote the song La cuesta de a fama that later came out on Willie Rosario's album entitiled El Bravo de Siempre 1969), the song with which Meñique won accolades together with the famed bandleader.

After that period of two months with Willie Rosario, Meñique returns again with Puente and that is where he would be for almost six years.



Discography

- Kako, Sock It To Me, Latino! (1968)
- Arsenio Rodríguez, Arsenio Dice (1968)
- Willie Rosario, El Bravo de Siempre (1969)
- Tito Puente, Pa'Lante! / Straight! (1970)
- Tito Puente, Para Los Rumberos (1972)
- Meñique (1972)
- Santos Colón and Meñique, Long Live The King (1973)
- Soy Hijo de Chango (1974)
- Tico-Alegre All Stars Recorded Live At Carnegie Hall, Vol. 1 (1974)
- Meñique Presenta Tropical de Chicago (1975)
- Meñique and Charlie Palmieri, Con Salsa y Sabor (1977)
- Charlie Palmieri, The Heavyweight (1978)
- Charanga Sensación, Sensación Hay Una Sóla (1978)
- Charanga Sensación, Charanga Super Charanga (1979)
- Carlos Barbería y su Orquesta Kubavana, Rarezas del Siglo (1980)
- Noche Caliente Vol. 2 (1983)
- Noche Caliente Vol. 3 (1984)
- Nicolás Vivas y su Conjunto Chaney (1983)
- Meñique En Blanco y Negro (1983)
- Papo Colón, Papo Colón y Salsa Punta (1985)
- Los Pleneros de la 21, Somos Boricuas / We Are Puerto Rican: Bomba y Plena en Nueva York (1996)
- Meñique, Sonero Añejo - 55 Años Trayectoria Músical (2004)
- Meñique, Salsa Y Bembe (2008)


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ENRIQUE 'QUIQUE' LUCCA CARABALLO

12/12/2014

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Guitarista, vocalista, fundador de La Sonora Ponceña y padre del pianista de renombre, Papo Lucca

Guitarist, vocalist, founder of La Sonora Ponceña and father of renowned pianist, Papo Lucca



Español

El 12 de diciembre del año 1912, nace Enrique 'Quique" Lucca Caraballo en Yauco, Puerto Rico; guitarista, vocalista, fundador de La Sonora Ponceña y padre del pianista de renombre, Papo Lucca.  ¡En el año 2014 Quique cumplió 102 años!  

En 1928, cuando Quique tenía 16 años, su familia se trasladó a Ponce, Puerto Rico y Quique comenzó a trabajar como mecánico de automóviles y comenzó a tocar la guitarra.,

En 1932, Quique conoció a Angélica Quiñones, la futura madre de sus hijos, Zulma, Papo y Wanda.

En 1944, Quique reunió una banda llamada El Conjunto Internacional, en el que tocó la guitarra y cantó segunda voz. Más tarde, Antonio "Tato" Santaella se unió como bongocero.

El 10 de abril de 1946, nació Enrique Lucca Jr. ("Papo") quien más tarde se convertiría en el director musical de "La Sonora". De hecho, en 1951, Papo sorprendió a su padre y a los demás miembros de la banda "Internacional", cuando, con sólo 5 años de edad, se unió a una práctica de la banda y comenzó a tocar la tumbadora al compás del tema Ran Kan Kan de Tito Puente.

En 1954, de las cenizas de su banda anterior, Conjunto Internacional (también conocida como Orquesta Internacional), Quique fundó la Sonora Ponceña.  El concepto de tener una sección de metales formada íntegramente por trompetas se le prestó a uno de los grupos cubanos favoritos de Quique, La Sonora Matancera, así como la idea para el nombre de la nueva banda. Al incorporar el nombre de su ciudad natal de Ponce, Puerto Rico, no sólo estaba mostrando orgullo para su pequeño pueblo en la costa sur de la isla, también estaba haciendo una declaración audaz sobre el lugar de esta banda puertorriqueña en el linaje de la historia musical afrocubana.

El ingrediente, no tan secreto, era hijo de Quique, Enrique "Papo" Lucca Jr., un niño prodigio que, a la edad de seis años, comenzó a estudiar diversos instrumentos y teoría de la música en la Escuela Libre de Música. Su padre le vio un gran potencial a él y fomentó su talento con clases particulares del pianista Ramón Fernández.

Papo grabaría su primer solo de piano a la edad de doce años como artista invitado con La Sonora Ponceña mientras fueron la banda de acompañamiento de los cantantes populares, Felipe Rodríguez y Davilita, en el álbum Al compás de las Sonoras. Dos años más tarde, se integró a la banda como miembro de tiempo completo.

Los dos primeros discos de La Sonora Ponceña, Hacherso Pa' un Palo (1968) y Fuego en el 23 (1969), fueron rotundos éxitos y establecieron un sonido potente basado alrededor del piano virtuoso de su líder Papo Lucca.  



Después de una pausa de dos años, Papo y su banda regresaron con una venganza. Fue un momento fuerte en la primera fase de la larga historia de la banda, ya que grabarían cuatro álbumes entre 1971 y '72, trabajando principalmente en Nueva York con el productor Larry Harlow.

En 1960, la Sonora Ponceña fue a la Ciudad de Nueva York, donde se presentaron en el Centro de Manhattan y el Teatro Puerto Rico con críticas muy favorables. Papo se destacó ante las audiencias americanas. Alrededor de este tiempo, se vio expuesto al jazz y decidió continuar su educación en el Conservatorio de Música de Puerto Rico. Perfeccionó su habilidad para mezclar moñas de piano al estilo cubano con un enfoque jazzista. Fue una ruptura significativa con el estilo tradicional de Puerto Rico de la época cuando el piano funcionaba más como un instrumento de ritmo constante y menos como un instrumento expresivo. Sería esta combinación exitosa de estilos que conseguía hacer adelantarse el saoco y llegó a ser un ingrediente esencial para el sonido de la Sonora Ponceña.

Para 1968, Papo había asumido el cargo de director musical de la banda, mientras que su padre se mantuvo como el director general, y pronto firmó un acuerdo con Inca Records; una asociación que duró por más de treinta álbumes.

El grupo estaba ganándose mucho impulso para cuando hicieron su tercer álbum: Algo de Locura. Al igual que con sus primeras grabaciones, el sonido era crudo, una mezcla de estilos de la vieja escuela con un toque de improvisación. Las secciones de trompeta y de ritmo formaron una máquina bien engrasada, mientras que los cantantes principales, Luis Guillermo "Luigui" Texidor Ortiz y Humberto "Tito" Gómez, pisaron con mucha destreza la línea entre la irreverencia juvenil y el respeto por el pasado.

Larry Harlow no tenía idea de quién era la Sonora Ponceña cuando entró como productor. "Esa fue una de mis primeras producciones," dijo, "y yo fue más o menos asignado a ella por Jerry Masucci." 

Hasta hoy, la Sonora Ponceña sigue realizando los exitos, 60 años desde que fue formada por don Quique Lucca.

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On December 12, 1912, is born Enrique "Quique" Lucca Caraballo in Yauco, Puerto Rico;. guitarist, vocalist, founder of La Sonora Ponceña and father of renowned pianist, Papo Lucca.  In 2014 Quique turned 102 years old!

In 1928, when Quique was 16 years old, his family moved to Ponce, Puerto Rico and Quique began to work as an auto mechanic and started playing the guitar. 

In 1932, Quique met Angélica Quiñones, the future mother of his children, Zulma, Papo and Wanda. 

In 1944, Quique put together a band called El Conjunto Internacional, in which he played the guitar and sang second voice.  Later, Antonio "Tato" Santaella joined, playing the bongó. 

On April 10, 1946, Enrique Lucca Jr. ("Papo") was born and he would later become the musical director of "La Sonora". In fact, in 1951, Papo surprised his father and the other members of the "Internacional" band when, at only 5 years old, he joined a band practice and started playing the tumbadora on Tito Puente's "Ran Kan Kan".

In 1954, la Sonora Ponceña was founded by Quique from the ashes of his earlier band, Conjunto Internacional (aka Orquesta Internacional). The concept of having a horn section made up completely of trumpets was lifted from one of Quique’s favorite Cuban groups, La Sonora Matancera, as was the idea for the name of his new band. By incorporating the name of his hometown of Ponce, Puerto Rico, he was not only showing pride for his small town on the island’s southern coast, he was also making a bold statement about this Puerto Rican band’s place in the lineage of Afro-Cuban musical history. 

The not-so-secret ingredient in the mix was Quique’s son, Enrique “Papo” Lucca Jr.,  a child prodigy who, at the age of six, began studying various instruments and music theory at the Free School of Music. His father saw great potential in him and fostered his talent with private lessons from pianist Ramon Fernandez. 

Papo would record his first piano solo at the age of twelve as a guest artist with La Sonora Ponceña as they were the backing band for popular vocalists Felipe Rodriguez and Davilita on the album Al Cómpas de las Sonoras. Two years later, he stepped in as a full-time member of the band. 

La Sonora Ponceña’s first two albums, Hacheros Pa’ un Palo (1968) and Fuego en el 23 (1969), were bona fide hits and established a powerhouse sound based around the virtuosic piano of their leader Papo Lucca.



After a two-year break, Papo and his band came back with a vengeance. It was a robust moment in the early phase of the band’s long history, as they would record four LPs from 1971 to ’72, working mainly in New York with producer Larry Harlow. 

In 1960, Sonora Ponceña went to New York City where they performed at the Manhattan Center and the Teatro Puerto Rico to rave reviews. Papo was a standout for the American audiences. Around this time, he was exposed to jazz and decided to continue his education at the Puerto Rico Conservatory of Music. He honed his ability to commingle Cuban-style piano riffs fluidly with a jazz approach. This was an important break from the traditional Puerto Rican style of the time where the piano would vamp, functioning more as a steady rhythm instrument and less as an expressive one. It would be this winning combination of styles that kept the groove moving forward and became an essential ingredient to the Sonora Ponceña sound. 

By 1968, Papo had taken over as musical director of the band while his father kept his hand in as director, and they soon inked a deal with Inca Records; a partnership that lasted for over thirty albums. 

The group was on a roll by the time they made their third album:  Algo de Locura. As with their earlier recordings, the sound was raw, a mix of old-school styles with a flair for improvisation. The trumpet and rhythm sections form a well-oiled machine, while the lead singers, Luis Guillermo “Luigui” Texidor Ortiz and Humberto “Tito” Gómez, tread the line between youthful irreverence and respect for the past with great dexterity. 

Larry Harlow had no idea who La Sonora Ponceña was when he came on as producer. “That was one of my first productions,” he says, “and I was kind of assigned that by Jerry Masucci.” 

La Sonora Ponceña continues to make hits to this day, 60 years since it was formed by don Quique Lucca.

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JUSTO BETANCOURT

12/6/2014

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Sonero virtuoso que se inicia con “El Conjunto Club”, “La Sonora Matancera”, “Orquesta de Orlando Marín”, “La Fania All Stars” y “La Borincuba” entre otras orquestas.

Virtuoso improvisational singer who starts off with "El Conjunto Club", "La Sonora Matancera", "Orquesta de Orlando Marín", "La Fania All Stars" and "La Borincuba" among other orchestras.

Español

El 6 de diciembre del año 1940, nace Justo Betancourt “El Explosivo”, “El Matancero” en Matanzas, Cuba; sonero virtuoso que se inicia con “El Conjunto Club”, “La Sonora Matancera”, “Orquesta de Orlando Marín”, “La Fania All Stars” y “La Borincuba” entre otras orquestas.

El canto de improvisación es uno de los fundamentos del sonido clásico de la salsa y es la espontaneidad y la creatividad del soneo de Betancourt, además de su capacidad de cantar en una variedad de estilos con igual pericia, desde el bolero más lento hasta los ardientes temas acelerados, que le ha hecho de un 'cantante de los cantantes '.

El heredero de la sólida tradición musical de su familia, Justo Betancourt ha sido un sonero incomparable, poseedor de un estilo único y personal.

Comenzó su carrera a una edad muy temprana en su Cuba natal, donde participó con orquestas locales. Cuando tenía solamente 11 años, cantaba con un pequeño grupo llamado Cabeza De Perros, el nombre de la marca de cerveza que lo patrocinaba. A los 16 años cantaba con el grupo popular, Guaguancó Matancero.

En 1958 comenzó a cantar con el Conjunto Club y grabó con ellos el tema 'Para gozar Cubita' en la etiqueta Fama.

En 1964 salió de Cuba y pasó ocho meses en Grecia antes de mudarse a Nueva York. En Nueva York, trabajó con el líder de orquesta y timbalero, Orlando Marín, durante un par de años, y apareció en el álbum exitazo de Marín, Está En Algo (1967) en el sello, Fiesta. Cantó con el líder de orquesta y flautista, Johnny Pacheco, durante dos semanas antes de convertirse en cantante con la Sonora Matancera, en la que se quedó unos cinco años.  También trabajó con las orquestas de Eddie Palmieri, Ray Barretto, Alfonso Salines y otros.

En 1968, Betancourt firmó con el sello Fania Records. Su debut fue el álbum, El Explosivo, pero no fue hasta Los Dinámicos (1971), una colaboración con Pacheco, y su álbum de 1972, Pa Bravo Yo, que su popularidad realmente comenzó a crecer. El tema que lleva el nombre del álbum, Pa bravo yo, fue un gran éxito y ha alcanzado el estatus de un clásico. También en 1972, se trasladó a Puerto Rico y allí se convirtió en una gran estrella. En Puerto Rico, organizó una orquesta de 13 músicos jóvenes puertorriqueños a la cual llamó, Borincuba, para reflejar la combinación de un cubano con músicos puertorriqueños. Sus únicos dos álbumes como cantante con Borincuba fueron Distinto Y Diferente (1977) y Presencia! (1978).

Un líder de la orquesta cubano obteniendo tanto éxtio en Puerto Rico, generó algo de celos y al parecer la personaliad algo brusca y de mal humor de Betancourt comenzó a causar problemas. El corista de Borincuba, Tito Rojas, se convirtió en el vocalista principal en el álbum, Con Amor (1978), en el que Betancourt realizó dirigió y cantó los coros. Después, Rojas se lanzó como solista y fue el principal de una orquesta llamada Conjunto Borincano.

Con la excepción de un tema en el álbum, Homenaje a Beny Moré, Vol 3, de Celia Cruz y Tito Puente, en 1985, Betancourt no lanzó ningún otro álbum entre 1983 y 1989. Volvió su popularidad en 1990 con el álbum, Regresar, para su propio sello, RMQ, el cual produjo, dirigió y compuso la mitad de los arreglos, Eric Figueroa. 

Un talentoso director y vocalista, el nombre de Justo Betancourt siempre se estampará en la escena de la música popular.

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On December 6, 1940, is born Justo Betancourt "El Explosivo", "El Matancero" in Matanzas, Cuba; virtuoso improvisational singer who starts off with "El Conjunto Club", "La Sonora Matancera", "Orquesta de Orlando Marín", "La Fania All Stars" and "La Borincuba" among other orchestras.

Improvisational singing is one of the foundations of the classic salsa sound and it is Betancourt’s lyrical spontaneity and creativity, plus his ability to sing in a variety of styles with equal expertise, from the slowest bolero to up-tempo scorchers, that has made him a ‘singers’ singer’. 

The heir to his family's solid musical tradition, Justo Betancourt has been an unparalleled sonero, possessed of a uniquely personal style.

He began his career at a very early age in his native Cuba, where he participated with local orchestras. When he was only 11 years old, he sang with a small group called Cabeza De Perros, named after the brand of beer that sponsored them. At 16 he sang with the popular group, Guaguancó Matancero. 

In 1958 he began singing with Conjunto Club and recorded with them on the single ‘Para gozar Cubita’ on the Fama label. 

In 1964 he left Cuba and spent eight months in Greece before moving to New York. In New York, he worked with band leader and timbales player, Orlando Marín, for a couple years, and appeared on Marín's hit ablum, Está En Algo (1967) on the Fiesta label.  He sang with band leader and flautist Johnny Pacheco for two weeks before becoming a vocalist with Sonora Matancera where he stayed for about five years.  He also worked with the orchestras of Eddie Palmieri, Ray Barretto, Alfonso Salines and others. 

In 1968, Betancourt signed to the Fania Records label. His debut was the album, El Explosivo, but it was not until Los Dinamicos (1971), a collaboration with Pacheco, and his 1972 Pa Bravo Yo, that his popularity really started to grow. The title track, Pa bravo yo,  was a massive hit and has achieved classic status. Also in 1972, he relocated to Puerto Rico and became a big star there.  In Puerto Rico, he organized a orchestra of 13 young Puerto Rican musicians that he called, Borincuba, to reflect the combination of a Cuban with Puerto Ricans musicians.  His only two albums as lead singer with Borincuba were Distinto Y Diferente (1977) and Presencia! (1978). 

A Cuban band leader doing well in Puerto Rico generated some jealousy and reportedly Betancourt’s rough, bad-tempered character started to cause problems. Borincuba’s coro (chorus) singer, Tito Rojas, became lead vocalist on the album Con Amor (1978), on which Betancourt conducted and sang coro.  Rojas went solo and fronted an orchestra called Conjunto Borincano. 

With the exception of one track on Celia Cruz and Tito Puente’s Homenaje A Beny Moré Vol. 3 in 1985, Betancourt did not release another album between 1983 and 1989. His poularity later returned, in 1990, with the album, Regresar, for his own RMQ label, which was produced, conducted and had half the arrangements written by Eric Figueroa. 

A talented director and vocalist, Justo Betancourt’s name will forever be imprinted on the popular music scene.

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FRANCISCO RAÚL GUTIÉRREZ GRILLO "MACHITO"

12/3/2014

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Legendario sonero, compositor  y director de su propia orquesta, Machito y sus Afro Cubans; pioneros genuinos del fundamento del movimiento salsero mundial.

Legendary sonero, composer and conductor of his own orchestra, Machito y sus Afro Cubans; genuine pioneers of the foundation of the world salsa movement.

Español

El 3 de diciembre del año 1909, nace Francisco Raúl Gutiérrez Grillo “Machito” (1912 - 1984) en La Habana, Cuba.  Legendario sonero, compositor y director de su propia orquesta, Machito and His Afro Cubans, pioneros genuinos del fundamento del movimiento salsero mundial.

Machito hizo un gran papel en la historia del jazz latino, ya que sus orquestas de la década de 1940 fueron, si no las primeras, ciertamente unas de las primeras en lograr una fusión de poderosos ritmos afrocubanos con la improvisación del jazz. En su apogeo, la orquesta contaba con un fuerte sonido arrollador, cargado con empujones, bongos y congas hiperactivos y metales con moñas penetrantes. Machito era el testaferro, cantando, conduciendo, tocando las maracas, mientras que su cuñado, Mario Bauzá, era el innovador tras bambalinas, logrando que Machito contratara a arreglistas de orientación jazz..

Tras la insistencia de Bauzá, la banda de Machito contó con una galaxia de solistas de jazz americano en sus grabaciones de 1948 a 1960, incluyendo a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller y Johnny Griffin.

El hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba durante su adolescencia antes de emigrar a Estados Unidos en 1937 como el vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas latinos y orquestas a finales de los años 30, hasta grababa con el director de orquesta, dominante en aquel entonces, Xavier Cugat.

Después de un intento abortado antes de lanzar una banda con Bauzá, Machito fundó los Afro-Cubans en 1940, incluyendo a Bauzá al año siguiente como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de grabar unos tempranos álbumes 78 rpm para el sello Decca, los Afro-Cubans realmente se hicieron populares después del final de la Segunda Guerra Mundial, haciendo presentaciones con la orquesta de Stan Kenton y sin duda influenciándola a la vez.

Machito hizo numerosas grabaciones desde los 1940 hasta la década de los 1980, muchos de ellaos con su hermana de crianza, Graciela, como cantante. Pasó al formato de un conjunto más pequeño en 1975, haciendo extensas giras por Europa. Incorporó a su hijo e hija a la banda, y recibió un premio Grammy en 1983, un año antes de su fallecimiento.

Presentándose regularmente en el Palladium de Nueva York, la orquesta de Machito alcanzó la cumbre de su popularidad durante la locura del mambo de los años 1950, sobrevivió los levantamientos de los años 60 a pesar de la pérdida de Bauzá en 1976, siguió trabajando con frecuencia en los años '60, '70, y a principios de los 80 cuando el término "salsa" se volvió común y corriente. 

Durante sus últimos años, la orquesta grabó para el sello, Pablo, junto con Gillespie y el sello Timeless, y tocaba en el club de Ronnie Scott en Londres en 1984, cuando Machito sufrió un derrame cerebral fatal.

George Shearing, Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Stan Kenton acreditan a Machito como una de sus influencias más importantes. 

Una película documental de Carlo Ortiz, Machito: Un legado de Jazz Latino, fue lanzado en 1987.

Una intersección en East Harlem se llama "Machito Square" en su honor.



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On December 3, 1909, is born Francisco Raúl Gutiérrez Grillo "Machito" (1912-1984) in Havana, Cuba. Legendary sonero, composer and conductor of his own orchestra, Machito and His Afro Cubans, genuine pioneers of the foundation of the world salsa movement.

Machito played a huge role in the history of Latin jazz, since his orchestras of the 1940s were, if not the first, certainly some of the first, to achieve a fusion of powerful Afro-Cuban rhythms and jazz improvisation. At its roaring best, the band had a hard-charging sound, loaded with jostling, hyperactive bongos and congas and razor-edged riffing brass. Machito was the front man, singing, conducting, playing the maracas, while his brother-in-law Mario Bauzá was the innovator behind the scenes, getting Machito to hire jazz-oriented arrangers. 

Upon Bauza's urging, Machito's band featured a galaxy of American jazz soloists on its recordings from 1948 to 1960, including Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller and Johnny Griffin. 

The son of a cigar manufacturer, Machito became a professional musician in Cuba in his teens before he emigrated to America in 1937 as a vocalist with La Estrella Habanera. He worked with several Latin artists and orchestras in the late '30s, recording with the then-dominant Latin bandleader Xavier Cugat. 

After an earlier aborted attempt to launch a band with Bauzá, Machito founded the Afro-Cubans in 1940, taking on Bauza the following year as music director where he remained for 35 years. After making some early 78s for the Decca label, the Afro-Cubans really began to catch on after the end of World War II, appearing with, and no doubt influencing, Stan Kenton's orchestra. 

Machito made numerous recordings from the 1940s to the 1980s, many with his foster sister, Graciela, as the singer. He changed to a smaller ensemble format in 1975, touring Europe extensively. He brought his son and daughter into the band, and received a Grammy Award in 1983, one year before his passing.

Playing regularly at New York's Palladium, Machito's band reached its peak of popularity during the mambo craze of the 1950s, survived the upheavals of the '60s and despite the loss of Bauzá in 1976, continued to work frequently in the '60s, '70s, and early '80s when the term "salsa" became popular. 

The band recorded for the Pablo label in tandem with Gillespie and the Timeless label in its later years, and was playing Ronnie Scott's club in London in 1984 when Machito suffered a fatal stroke. 

George Shearing, Dizzy Gillespie, Charlie Parker and Stan Kenton credited Machito as one of their most important influences. 

A documentary film by Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, was released in 1987.

An intersection in East Harlem is named "Machito Square" in his honor.



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LUCIANO "CHANO" POZO GONZÁLEZ

12/2/2014

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Virtuoso percusionista, compositor, bailarín y sonero cubano, uno de los genuinos pioneros del jazz / jazz latino mundial.

virtuoso percussionist, composer, dancer and Cuban improvisational singer, one of the genuine pioneers of world jazz / Latin jazz.

Español

El 2 de diciembre del año 1948, fallece trágicamente Luciano “Chano” Pozo González (1915 - 1948), conocido póstumamente como "El Tambor de Cuba"; virtuoso percusionista, compositor, bailarín y sonero cubano, uno de los genuinos pioneros del jazz / jazz latino mundial.

Chano Pozo hizo un papel importante en la fundación del jazz latino, que era esencialmente una mezcla del bebop y la música popular cubana. Había obtenido su formación musical de los cultos religiosos cubanos. Después de mudarse a Nueva York en 1947, conoció a Dizzy Gillespie que con entusiasmo le añadió a su gran banda bebop. Entre sus presentaciones destacadas con Dizzy se encuentran "Cubana Be", "Cubana Bop", "Tin Tin Deo", y "Manteca"; Pozo co escribió los dos últimos. 

El primer sencillo de Chano fue el tema “Blen Blen”, el cual le hizo los arreglos Anselmo Sacasas, de la orquesta Casino de la Playa, de la cual era director y cantante el renombrado Miguelito Valdés.  Después Chano compuso “Nague”, “Son los dandies”, “Ariñara”, “Anana”, “Boroco”, “Tinde”, “Muna san finba”, “Un cabito” y muchos más.

En 1947, fue Miguelito Valdés quien le convenció a Chano que se mudara de Cuba a Nueva York, EE. UU., donde había empezado a tocar con frecuencia en los clubes nocturnos.

Desafortunadamente, Chano Pozo tenía muy mal genio y fue asesinado en un bar de Harlem un mes antes de cumplir los 34 años.    

Lo cierto es que el asesino fue Eusebio Muñoz, apodado El Cabo o El Cabito, quien le había disparado a Chano seis veces y que una de las balaa le partió el corazón, pero no se sabe a ciencia cierta el móvil y ha habido muchas opiniones al respecto. Algunos han dicho que el incidente fue por una deuda de 15 dólares, mientras que han postulado otros que fue por un asunto de estupefacientes que salió mal, y hasta hay algunos que se han referido a la existencia de una mujer por la cual tuvieron un disgusto los dos protagonistas.    

Por su parte, en sus declaraciones a la policía, alegó Eusebio Muñoz que Chano le había robado.  Sin embargo, la mujer de Chano, Caridad Martínez, le había dicho a un periodista que son inciertas esas declaraciones, que Chano le había contado el incidente que tuvo con El Cabito (Muñoz) sin darle mucha importancia.  Hasta comentó Caridad que el día de los sucesos Chano había salido de la casa más alegre que nunca, pensando en su próximo debut en el Strand.  Además, ofreció Claridad que a El Cabito le dieron “máquina” para que actuara como actuó.

Aunque vivió sólo 33 años, no hay discusión de jazz latino que sea completa sin la mención de su nombre y ninguna discusión sobre el gigante de la trompeta, Dizzy Gillespie, el padrino de jazz latino en los EE.UU., puede haberse sin el nombre de Chano Pozo, quien fue el primero en una sarta muy larga de percusionistas latinos en las varias orquestas de Dizzy. A pesar de una breve estancia en la orquesta de Dizzy, segada por su trágica muerte temprana, la influencia de Chano Pozo se podía sentir en las presentaciones y composiciones de Dizzy durante décadas, un hecho que el propio Dizzy ha reconocido abiertamente.



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On December 2, 1948, tragically dies Luciano "Chano" Pozo González (1915-1948), posthumously known as "El Tambor de Cuba"; virtuoso percussionist, composer, dancer and Cuban improvisational singer, one of the genuine pioneers of world jazz / Latin jazz.

Chano Pozo played a major role in the founding of Latin jazz, which was essentially a mixture of bebop and Cuban folk music. He had gained his musical background from Cuban religious cults. After moving to New York in 1947, he met Dizzy Gillespie who enthusiastically added him to his bebop big band. Among his features with Dizzy are "Cubana Be," "Cubana Bop," "Tin Tin Deo," and "Manteca"; Pozo co-wrote the latter two. 

Chano's first single was the song "Blen Blen" for which Anselmo Sacasas, from the Casino de la Playa orchestra, made the arrangements for him, and for which was the director and singer, the renowned Miguelito Valdés. Chano later wrote "Nague", "Son los dandies", "Ariñara", "Anana", "Boroco", "Tinde", "Muna san finba", "Un cabito" and many more.

In 1947, it was Miguelito Valdés who convinced Chano to move from Cuba to New York, USA., where he started playing frequently in nightclubs.

Unfortunately, Chano Pozo had a bad temper and was killed in a bar in Harlem one month before becoming 34 years old. 

The truth is that the murderer was Eusebio Muñoz, nicknamed El Cabo or El Cabito, who had shot Chano six times and that one of the bullets split his heart, but no one knows the motive for sure and there have been many opinions. Some have said that the incident was over a $15 debt, while others have postulated that it was because of a narcotics deal that went bad, and there are even some who have referred to the existence of a woman because of whom the two protagonists had a falling out.

Meanwhile, in his statements to the police, Eusebio Muñoz claimed that Chano had robbed him. However, Chano's wife, Caridad Martinez, had told a reporter that these statements are untrue, that Chano had told her about the incident that he had with El Cabito (Muñoz) without giving it much importance. Caridad even said that the day of the event Chano had left home happier than ever, thinking about his upcoming debut in the Strand. Furthermore, Caridad offered that El Cabito was "fired up" to act as he did.

Although he lived only 33 years, no discussion of Latin jazz is complete without mention of his name and no discussion of trumpet giant Dizzy Gillespie, the godfather of Latin jazz in the U.S., can be had without the name of Pozo, who was the first in a long line of Latin percussionists in Dizzy's various orchestras. Despite a short stint in Dizzy's orchestra, cut short by his tragic early death, Chano Pozo's influence could be felt in Dizzy's playing and compositions for decades, a fact which Dizzy himself has readily acknowledged.



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FRANK 'FRANKIE' MALABÉ

11/28/2014

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Bravo percusionista y uno de los congueros del mundo más respetados durante la época dorada de la salsa, quien colaboró con muchas estrellas de gran magnitud, como Tito Rodríguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, la Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri y Charlie Palmieri, entre muchos Otros. Tal vez el conjunto con el que más se asocia Frankie es la renombrada Orquesta de Larry Harlow

A fierce percussionist and one of the world's most respected conga drummers during the golden age of salsa, who collaborated with many stars of great magnitude, such as Tito Rodriguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, the Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri and Charlie Palmieri, among many otros.  Perhaps the ensemble that Frankie is most often associated with is the renowned Larry Harlow Orchestra

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El 28 de noviembre de 1940, nace Frank 'Frankie' Malabé (1940 - 1994), en Nueva York; bravo percusionista y uno de los congueros del mundo más respetados durante la época dorada de la salsa, quien colaboró con muchas estrellas de gran magnitud, como Tito Rodríguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, la Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri y Charlie Palmieri, entre muchos otros. Tal vez el conjunto con el que más se asocia Frankie es la renombrada Orquesta de Larry Harlow. 

Frank Malabé se crió en East Harlem, el área universalmente conocido por los latinos como "El Barrio". Su juventud la pasó jugando a la pelota, la pesca de bagre en el Central Park y compartiendo con amigos cercanos como Willie Bobo.

Cuando Frankie tenía solamente ocho años, fue inspirado por un músico del barrio conocido como "Don Pulli", que silbaba melodías, utilizaba un rallador de queso como un güiro, y una caja como una conga. Para cuando llegó a los diez años, trabajando en una bodega y en una tintorería, Frankie había ahorrado el dinero suficiente para comprar su primera conga. Un conguero veterano, Ray Armando, conociendo el interés que Frankie tenía en la percusión, le dio algunos consejos, y también lo hizo el bongocero, Bobby Flash. Además, el legendario guitarrista cubano ciego, Arsenio Rodríguez, le propinaba a Frankie algo de aliento.

Durante los próximos años, Frankie practicaba diariamente y se beneficiaba de crecer en un momento y en un lugar donde podía participar en descargas de rumba con tales músicos como "Little Ray" Romero, Tommy López Sr., Changuito, Kako, y José "Buyú" Mangual. La fascinación de Frankie, siempre creciente, con los instrumentos de percusión fue inspirada aún más por grandes congueros como Cándido, Mongo Santamaría, y según se informa, su mayor influencia, Carlos "Patato" Valdez.  Con el tiempo, Frankie comenzaría a trabajar con múltiples tambores.

La primera experiencia profesional de Frankie fue con Ángel René, un timbalero también de El Barrio y más tarde hizo su primera grabación con Harvey Averne y Pete Terrace. El resultado de estas experiencias fue que, para cuando cumplía los veinte años, Frankie ya estaba grabando y tocando con Tito Puente, Tito Rodríguez, y la Alegre All-Stars.

En 1977, Frankie se unió al personal docente de los Drummers Collective, un centro de aprendizaje renombrado por mundialmente para drumset y percusión. También se unió al Harbor Performing Arts Center, un repositorio de la historia y la cultura de la música latina que ofrece instrucción musical, a bajos precios, para la comunidad. En ambas escuelas, se profundizó en los ritmos tradicionales latinoamericanos, así como las posibilidades creativas de la aplicación de estos para el drumset.

En 1990, Frankie co escribió la innovadora guía de estudio, "Afro-Cuban Rhythms for the Drumset", con percusionista e historiador, Bob Weiner. El libro recibió buenas críticas y el paquete de libro / cd se destaca como uno de los mejores cebadores y referencias históricas sobre el tema, y contiene excelentes muestras de audio del toque único de Frankie en las congas.

A pesar de haber luchado muchos años contra el abuso de las sustancias; un hecho que conduciría a su muerte prematura a solamente los 53 años, los logros de Frankie y sus aportaciones a la música latina han sido increíbles y completaron un círculo.  Frank Malabé comenzó como músico autodidacta, llegó a la cima de su profesión y dedicó gran parte de su vida posterior a la enseñanza de su oficio.


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On November 28, 1940, is born Frank 'Frankie' Malabé (1940 - 1994) in New York; a fierce percussionist and one of the world's most respected conga drummers during the golden age of salsa, who collaborated with many stars of great magnitude, such as Tito Rodriguez, Tito Puente, Johnny Pacheco, the Alegre All Stars, Celia Cruz, Eddie Palmieri and Charlie Palmieri, among many others.  Perhaps the ensemble that Frankie is most often associated with is the renowned Larry Harlow Orchestra.

Frank Malabé was raised in East Harlem, the neighborhood universally known to Latinos as "El Barrio".  His youth was spent playing stickball, fishing for catfish in Central Park and hanging out with close friends like Willie Bobo.

When Frankie was only eight years old, he became inspired by a neighborhood musician known as "Don Pulli," who whistled tunes, used a cheese grater as a guiro, and a box as a conga. By the time he reached ten years old, Frankie had saved enough money from working at a bodega and a dry cleaners to buy his first conga drum.  A veteran conga player, Ray Armando, knowing of Frankie's interest in the percussion, gave him some pointers, and so did bongocero, Bobby Flash. Also, the legendary blind Cuban guitarist, Arsenio Rodriguez, would offer Frankie some encouragement.  

For the next few years Frankie practiced daily and benefitted from growing up at a time and in a place where he was able to participate in rumba jam sessions with such musicians as "Little Ray" Romero, Tommy Lopez Sr., Changuito, Kako, and José "Buyú" Mangual. Frankie's ever growing fascination with percussion instruments was further inspired by great congueros such as Cándido, Mongo Santamaría, and reportedly his greatest influence, Carlos "Patato" Valdez,  Eventually, Frankie would began working with multiple drums. 

Frankie´s first professional experience was with Ángel René, a timbalero also from El Barrio and would later make his first recording with Harvey Averne and Pete Terrace. The result of these experiences was that by the time he was twenty years old, Frankie already was recording and performing with Tito Puente, Tito Rodriguez, and the Alegre All-Stars.

In 1977, Frankie joined the teaching staff of the Drummers Collective, a world-renowned learning center for drumset and percussion.  He also joined The Harbor Performing Arts Center, a repository of the history and culture of Latin music that provides low-cost musical instruction to the community. At both of these schools, he delved into traditional Latin-American rhythms as well as the creative possibilities of applying these to the drumset. 

In 1990, Frankie co-authored the groundbreaking study guide, "Afro-Cuban Rhythms For The Drumset," with percusionist and historian, Bob Weiner.  The book received critical acclaim and the book/cd package stands out as one of the best primers and historical references on the subject, and contains excellent audio examples of Frankie's unique touch on congas.

Despite having struggled many years with substance abuse; a fact that most likely led to his untimely death at only 53 years old, Frankie's accomplishments and contributions to Latin music have been amazing and went full circle. Frank Malabe began as a self-taught musician, rose to the top of his field, and devoted much of his later life to teaching of his trade.


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CHOCO ORTA

11/28/2014

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Sonera-cantante, percusionista y actriz que se ha destacado en presentaciones al lado de las orquestas de Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres y Julio “Gunda” Merded. Fue bautizada La Reina del Sabor por Tito Puente. 

Sonera-singer, percussionist and actrice who has excelled in presentations alongside the orchestras of Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres and Julio "Gunda" Merded. She was called La Reina del Sabor by Tito Puente.

Español

El 28 de noviembre del año 1959, nace Virgen Milagros Orta Rodríguez  “Choco Orta”, “La Reina del Sabor”, “La Sonera del Milenio” en Santurce, Puerto Rico.  Brava sonera, percusionista y actriz de destacadas participaciones al lado de las orquestas de Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres y Julio “Gunda” Merded. Fue bautizada La Reina del Sabor por Tito Puente quien la tenía conceptuada como uno de los principales talentos femeninos de la salsa mundial, cosa que todos podemos corroborar dado la calidad de su voz y su carisma. Su carrera artística da muestra evidente de la multiplicidad de talentos que componen a esta mujer puertorriqueña.

De veras me complace enormemente poder compartir un poco sobre la carrera de esta artista fenomenal a quien le he tenido el honor de entrevistar  durante uno de mis programas de radio.  Como sonera, esta sensación puertorriqueña tiene un estilo apasionado y extrovertido que hace hincapié de su voz contra-alta sensual, profunda y emocional; y la hace ser considerada por muchos como la sucesora natural de Celia Cruz.

Como cantante, Choco ha grabado varios discos incluyendo Reina del Sabor, Sentimiento y Sabor, Ahora Mismo y el aclamado 'Choco Swing ". En los últimos años, Choco ha estado cantando por todo Puerto Rico, Francia, Colombia, Cuba, Dominicana República, Sengal, Chicago, Tampa (como embajadora cultural puertorriqueña), Miami y Nueva York. Esta vocalista de renombre también es una atriz consumada habiendo aparecido en varias obras de teatro y películas, entre ellas la producción especial del Banco Popular sobre la música puertorriqueña llamada Raices. Sus largometrajes incluyen Bala perdida (2003), Assassins (1995), y A Show of Force 1990). Choco tambén ha actuado junto a numerosos maestros de Salsa incluyendo a Celia Cruz, Tito Puente e India.

En el baile se ha destacado al estudiar con José "Junito" Betancourt, Sarita Ayala e Ita Medina. Su talento interpretativo ha sido desarrollada bajo la tutela de los profesores Ramón Fonseca y Darisabel Isales. Sus conocimientos en Teoría y Solfeo provienen de estudios en el Conservatorio de Música de Puerto Rico. Su devoción a la percusión es desarrollada autodidácticamente.

Con todos estos dotes y conocimientos a la mano, Choco Orta emprende sus inicios en el mundo del espectáculo con mucho ímpetu en el año 1979, realizando pasos de comedia y cantando con el conocido actor puertorriqueño, Antonio Pantojas. Prosigue conformando parte del elenco original de la obra teatral "La verdadera historia de Pedro Navaja", por la que su personaje "Piola" consiguió aplausos del ´público cada noche. Posteriormente se integró al proyecto músico teatral "Las bohemias" en el que actuó, cantó y tocó la percusión.

En mayo de 1999 Choco ganó el Premio Farándula como mejor cantante de salsa. Semanas antes, durante la celebración del "Día Nacional de la Salsa", echó al público en un bolsillo cuando subió a la tarima para cantar con El Gran Combo frente a una multitud de más de 30,000 personas que colmaban el estadio Juan Ramón Loubriel.


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On November 28, 959, is born Virgen Milagros Orta Rodríguez "Choco Orta", "La Reina del Sabor", "La Sonera del Milenio" in Santurce, Puerto Rico. Fierce improvisational singer, percussionist and actress of prominent performances alongside the orchestras of Nacho Sanabria, Roberto Angleró, Waldo Borres and Julio "Gunda" Merded. She was called La Reina del Sabor by Tito Puente who conceptualized her as one of the leading female talents of the salsa world, which we all can corroborate given the quality of her voice and her charisma. Her artistic career gives clear sign of the multiplicity of talents that make up this Puerto Rican woman.

It truly gives me great pleasure to share a little about the career of this phenomenal artist who I've had to honor to interview during one of my radio shows. As a sonera, (improvisational singer) this Puerto Rican sensation has a passionate and extroverted style that makes the most of her sensual, deep and emotional contra-alto voice; and makes her to be considered by many to be the natural successor to Celia Cruz.

As a singer, Choco has recorded several albums including Reina del Sabor , Sentimiento y Sabor, Ahora Mismo and the acclaimed 'Choco Swing". In the past few years, Choco has been singing all over Puerto Rico, France, Colombia, Cuba, Dominican Republic, Sengal, Chicago, Tampa (as a Puerto Rican Cultural Ambassador), Miami, and New York City. This renowned vocalist is also an accomplished actress appearing in various plays and films including the Banco Popular’s special on Puerto Rican music called Raices. Her feature films include Bala perdida (2003), Assassins (1995), and A Show of Force (1990). Choco also has performed alongside numerous Masters of Salsa including Celia Cruz, Tito Puente and India.

In dance she has stod out by studying with Joseph "Junito" Betancourt, Sarita Ayala and Ita Medina. Her acting talent was developed under the guidance of teachers Ramon Fonseca and Darisabel Isales. Her knowledge in Music Theory comes from studies at the Conservatory of Music of Puerto Rico. Her devotion to percussion is developed autodidactically.

With all these skills and knowledge at hand, in 1979 Choco Orta undertakes her beginnings in showbiz with a lot of momentum, performing comedy and singing with the famous Puerto Rican actor, Antonio Pantojas. She goes on to form part of the original cast of the play "La verdadera historia de Pedro Navaja," where her character "Piola" tore applause from the audience every night. Then she joined the musical theater project "Las Bohemias" in which she acted, sang and played percussion.

In May 1999, Choco won the Premio Farándula as the best salsa singer. Weeks earlier, during the celebration of the "National Day of Salsa", she had the audience in her pocket when he went on stage to sing with El Gran Combo in front of a crowd of over 30,000 people that filled the Juan Ramón Loubriel stadium.


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PELLÍN RODRÍGUEZ

10/31/2014

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One of the foremost singers of popular Puerto Rican music that spent many years singing with El Gran Combo de Puerto Rico
Uno de los más destacados intérpretes puertorriqueños de música popular que llevó muchos años cantando con El Gran Combo de Puerto Rico

English:


On October 31, 2006, dies Pellín Rodríguez (1926 - 2006); one of the foremost Puerto Rican singers of popular music, who spent many years singing with El Gran Combo de Puerto Rico. 

Pedro Rodríguez de Gracia, better known as Pellin Rodriguez was one of the foremost Puerto Rican singers of popular music.   Everyone's friend, he enjoyed sharing good times with children and youths.    Everyone esteemed and admired him for his performances, but also loved him for his great humanity.   Pellin was born in Villa Palmeras on December 4, 1926.   He died in San Juan, on October 31, 1984.  His parents were doña Tomasita De Gracia and don Zenón Rodríguez.   He was the sixth of ten children, eight boys and two girls.  While still a teenager, he was part of Conjunto Moderno, a group organized in Barrio Obrero.  Shortly afterward, he joined the Dandies of '42 that Johnny Segui led. 
 
He went on to sing with the Carmelo Díaz Soler's orchestra, a strictly dancehall orchestra, "El Guadalquivir," in Isla Verde, a section of the town, Carolina.  He also sang with la Orquesta de Moncho Usera and the Manuel Jimenez "Canario" quartet, among others.  Later he joined, alongside Gilberto Monroig, the Orquesta Tropicana de Rafael Elvira. 
 
While with the Tropicana, Noro Morales, the director of one of the leading orchestras in New York, went to Puerto Rico.  He heard Pellín sing in a live program of the former WIAC in Miramar and hired him to sing in New York.  There, Xavier Cougat met him and he sometimes sang with his orchestra on loan due to the friendship that existed between Noro and Cougat. 
 
Some time later Noro Morales dissolved his orchestra and formed a sextet.  It was then that Pellín began working at the Palladium with José Curbelo, Tito Puente and others.  He also worked for Ed Sullivan.  At that time, Pellín sets a record at Paramount, where she sang for six consecutive weeks.  Then he moved to Chicago where he lived for several years and formed his own group.  Upon his return to Puerto Rico, he met up with Noro Morales, who had a contract with Hotel La Concha.  Noro asked Pellín to join the band while he was in Puerto Rico and he did so.  But that was not for long, since a new group of the members Cortijo y su Combo was being organized and they asked Pellín to join.  It was in this way that "El Gran Combo de Puerto Rico" emerged. 
 
After many years with El Gran Combo, where he sang with Andy Montañez, Pellín went to Venezuela.  There he worked with the La Salsa Mayor orchestra where he was very successful. 
 
Yet, the call to his Island was stronger and he tried his luck again; this time as a solo artist.  He began this facet with the album "Amor Por Ti."  This recording placed him among the most popular bolero singers of those years, with which he also won a Gold Record. 
 
Pellín kept singing all his life.  He celebrated 45 years in music, a very significant event for him.  In later years he sang accompanied by great friends like Roberto Roena, Andy Montañez, Milton Correa, Elías Lopes y Martín Quiñones, among others.  They came together to form "El Combo del Ayer" with great success. 
 
Besides being a singer, Pellín was a comedian; demonstrating this natural ability in the "Show de las 12" next to the entertainer Eddie Miró and on another occasion, the show "Cambia Cambia," with which he shared good times with Atilda Pedrosa and Alfred D. Herger.  There were many achievements and successes in his profession as an artist and singer; but his greatest pride was being a "Cantante de Pueblo" (Singer of the People), as described by Gilberto Santa Rosa. 
 
More than a friend, people in Villa Palmeras, Llorens Torres, Shanghai, Barrio Obrero and everywhere, in and outside of Puerto Rico, considered him a brother, because Pellín shared with his people life itself.  He shared in their simplicity, by fishing in Piñones (fishing was his other great passion); he shared his coffee with the mailman or the garbage collector passing by at dawn, by looking for boards to fix the houses of those less fortunate and even collecting cans for others ... always singing and laughing.  Today, Providencia street en Villa Palmeras bares the name Calle Pellin Rodriguez and his bust in the Placita of Salseros can be seen with the immortal Rafael Cortijo, Ismael Rivera and Hector Lavoe.

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Español:


El 31 de octubre del año 2006, fallece Pellín Rodríguez (1926 - 2006); uno de los más destacados intérpretes puertorriqueños de música popular quien llevó muchos años cantando con El Gran Combo de Puerto Rico.

Pedro Rodríguez De Gracia, mejor conocido como Pellín Rodríguez fue uno de los más destacados intérpretes puertorriqueños de música popular.   Amigo de todos, disfrutaba compartiendo con niños y jóvenes.  Todos lo estimaban y admiraban por sus interpretaciones, pero también lo querían por su gran calidad humana.  Pellín nació en Villa Palmeras el 4 de diciembre de 1926. Falleció en San Juan, el 31 de octubre de 1984.   Fueron sus padres doña Tomasita De Gracia y Don Zenón Rodríguez.  Fue el sexto de diez hermanos: ocho varones y dos mujeres.  Siendo aun un adolescente, formó parte del Conjunto Moderno, un grupo organizado en el Barrio Obrero.  Poco después se integró a los Dandies del ’42 que dirigía Johnny Seguí.
 
Luego pasó a cantar con la Orquesta de Carmelo Díaz Soler, orquesta exclusiva del salón de baile “El Guadalquivir” en Isla Verde, sector del pueblo de Carolina.  Cantó además con la Orquesta de Moncho Úsera y el cuarteto de Manuel Jiménez “Canario”, entre otros.  Más tarde formó parte, junto a Gilberto Monroig, de la Orquesta Tropicana de Rafael Elvira.
 
Estando con la Tropicana, vino a Puerto Rico Noro Morales, director de una de las principales orquestas de Nueva York. Este oyó cantar a Pellín en un programa en vivo, de la antigua WIAC en Miramar y lo contrató para cantar en Nueva York.  Allí lo conoció Xavier Cougat y en ocasiones cantaba con su orquesta en calidad de préstamo, por la amistad que existía entre Noro y Cougat.
 
Un tiempo después Noro Morales disolvió la orquesta y formó un sexteto.  Fue entonces cuando Pellín comenzó a trabajar en el Palladium con José Curbelo, Tito Puente y otros.  Además trabajó para Ed Sullivan.  En aquella época, Pellín establece un record en el Paramount, donde cantó por seis semanas consecutivas.  Luego se traslada a Chicago donde vivió por varios años y formó su propio grupo.  A su regreso a Puerto Rico, coincidió con Noro Morales, quien tenía un contrato con el Hotel La Concha. Noro le pidió a Pellín que se uniera a la orquesta mientras estaba en Puerto Rico y éste lo complació. Pero eso fue por poco tiempo, ya que se estaba organizando un nuevo grupo de los integrantes de Cortijo y su Combo y le pidieron a Pellín que se uniera.  Así fue que surgió “El Gran Combo de Puerto Rico”.
 
Luego de muchos años con El Gran Combo, donde cantaba con Andy Montañez, se fue a Venezuela. Allí trabajo con la orquesta La Salsa Mayor donde tuvo mucho éxito.
 
Sin embargo, el llamado a su Isla fue más fuerte y volvió a probar fortuna; esta vez como solista.  Inició esta faceta con el disco “Amor Por Ti”.  Esta grabación lo situó entre los boleristas más populares de  esos años, con la que también ganó un Disco de Oro.
 
Pellín se mantuvo cantando toda su vida. Celebró los 45 años en la música, un acontecimiento muy significativo para él. En sus últimos años cantó acompañado de grandes amigos como Roberto Roena, Andy Montañez, Milton Correa, Elías Lopes y Martín Quiñones, entre otros.  Estos se unieron para formar “El Combo del Ayer” con gran éxito.
 
Además de cantante Pellín fue comediante, demostrando esta habilidad natural en el “Show de las 12” junto al animador Eddie Miró y en otra ocasión, en el programa “Cambia Cambia”, donde compartía con Atilda Pedrosa y Alfred D. Herger.  Fueron muchos los logros y éxitos de en su profesión como artista y cantante; pero su mayor orgullo era ser un “Cantante de Pueblo”, como describió Gilberto Santa Rosa.
 
Más que un amigo, la gente de Villa Palmeras, Lloréns Torres, Shangai, Barrio Obrero y de todas partes, en y fuera de Puerto Rico, lo consideraban un hermano, porque Pellín compartió con su pueblo la vida misma. Compartió en sus sencillez, pescando en Piñones (por que la pesca era su otra gran pasión); compartió su café con el cartero o el recogedor de basura que pasaba al amanecer, buscando tablas para arreglar las casitas de los menos afortunados y hasta recogiendo latas para los demás…siempre cantando y riendo. Hoy día la calle Providencia en Villa Palmeras lleva el nombre de Calle Pellín Rodríguez y su busto puede verse en la Placita de los Salseros junto a los inmortales Rafael Cortijo, Ismael Rivera y Héctor Lavoe.

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PETE "EL CONDE" RODRÍGUEZ

10/27/2014

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Extraordinario sonero que se convirtiese en el primer vocalista del sello Fania Records, y quien se destacó a su paso por orquestas como La Orquesta Oriental Cubana, Las Jóvenes Estrellas de Cuba, La Típica Novel, Orquesta de Johnny Pacheco, El Conjunto Sensación, Las Estrellas de Fania y su propia orquesta, haciéndolo una leyenda genuina y referencia del buen soneo.


Extraordinary sonero that would become the first singer of Fania Records, and who stood in his path through orchestras such as La Orquesta Oriental Cubana, Las Jóvenes Estellas de Cuba, La Típica Novel, Orquesta de Johnny Pacheco, El Conjunto Sensación, Las Estrellas de Fania and his own orchestra, making him a true legend and a reference for good improvisational singer.

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Nacido en P
once, Puerto Rico, el 31 de enero del año 1935, Pedro Juan Rodríguez Ferrer (1935 - 2000), mejor conocido como Pete "El Conde" Rodríguez, comenzó a jugar la percusión cuando era niño.  Sin embargo, fueron las habilidades con su voz, y no con las manos, que le impulsarían a llegar a ser uno de los mejores cantantes-soneros de la salsa.   


El Conde era un hombre muy joven cuando se trasladó a la Ciudad de Nueva York y el director de orquesta, Johnny Pacheco, lo vio actuar en un bar del Bronx y pronto lo reclutó para su orquesta.   Fue apodado El Conde por su presencia majestuosa en el escenario.

El Conde también cantó en el álbum del Conjunto Sensación, Swing '65, pero regresó a Pacheco para grabar el álbum Tres de Café y Dos de Azúcar, entre otros, y también con Johnny grabó el primer álbum del sello en ciernes, Fania Records, titulado Cañonazo.  Después, El Conde sería un miembro fundador del supergrupo, Fania All Stars.

En 1974, bajo la dirección de su esposa, Francis, El Conde decidió empezar a trabajar como artista en solitario.  Durante el mismo año, lanzó con mucho éxito su álbum debut, El Conde, que mantuvo el formato del conjunto cubano que había usado con Pacheco.  

En los próximos años, lanzó al mercado cuatro álbumes más, incluidos, Este Negro Sí Es Sabroso, de 1976 y Con Fiesta "El Conde", de 1982.  

En 1983, El Conde se reunió con Pacheco para grabar cuatro álbumes más, entre los cuales se destacaba el que fue nominado al Grammy, Salsobita, de 1987.  

En los años 90, El Conde decidió hacer un cambio y empezó a usar una orquesta completa detrás de él, y lanzó el álbum, Generaciones, en 1993 y el álbum, Pete y Papo, con el pianista de renombre Papo Lucca en 1996.   

Cuatro años más tarde, el 2 de diciembre del año 2000, después de una carrera destacada por presentaciones con las mayores estrellas de la salsa, El Conde falleció de un ataque al corazón en su casa en el Bronx.

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Born in Ponce, Puerto Rico, January 31, 1935, Pedro Juan Rodríguez Ferrer (1935-2000), better known as Pete "El Conde" Rodriguez, began playing drums as a child. However, it was the skills with his voice, and not with his hands, that would drive him to become one of the best salsa singer-soneros.

El Conde was a very young man when he moved to New York City and bandleader, Johnny Pacheco, saw him perform at a Bronx bar and soon recruited him for his orchestra. He was nicknamed El Conde for its majestic stage presence.

El Conde also sang on the album of the Conjunto Sensasión, Swing '65, but returned to Pacheco to record the album Tres de Café y Dos de Azucár, among others, and also with Johnny recorded the first album of the budding label, Fania Records, titled Cañonazo. Later, El Conde would be a founding member of the supergroup, Fania All Stars.

In 1974, under the management of his wife, Francis, El Conde
 decided to start working as a solo artist. During the same year, he launched a very successful debut album, El Conde, which maintained the Cuban conjunto format that Pacheco had used.

In the coming years, he released four albums, including, Este Negro Si Es Sabroso, in 1976 and Con Fiesta "El Conde", in 1982.

In 1983, El Conde reunited with Pacheco to record four more albums, among which stood out the one that was nominated for a Grammy, Salsobita, in 1987.

In the 90s, El Conde decided to make a change and started using a full orchestra behind him, and released the album, Generaciones, in 1993 and the album, Pete y Papo, with renowned pianist Papo Lucca in 1996.

Four years later, on December 2, 2000, after a career distinguished by performances with the biggest stars of salsa, El Conde died of a heart attack at his home in the Bronx.


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CELIA CRUZ

10/22/2014

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Exiliada cubana cuyas canciones apasionadas rezumaban nostalgia de la belleza natural de su tierra natal, así obteniendo el título de la "Reina de la Salsa".

El 21 de octubre del año 1925, nace Úrsula Hilaria Celia Caridad Cruz Alfonso "Celia Cruz", "La Gracia Divina", "La Reina de l Salsa", La Guarachera del Mundo" (1925 - 2003) cantante-sonera de La Sonora Matancera, Orquesta Tito Puente, Estrellas de La Fania, Orquesta de Johnny Pacheco, y una gran solista.  

Celia Cruz fue una de los vocalistas más respetados de la música latina.  Diez veces nominada al Premio Grammy, Celia cantaba solamente en español, su lengua natal, y recibió un premio Smithsonian Lifetime Achievement, un premio National Medal of the Arts, y doctorados honoríficos de la Yale University y la University of Miami.  La popularidad de Celia fue tan grandes que hasta rebautizaron una calle en Miami con su nombre, y un vestido que usaba a menudo, de lunares naranjos, rojos y blancos y los zapatos de Celia se han colocado en la colección permanente del Smithsonian institute of Technology.  El Hollywood Wax Museum, cuenta con una estatua de Celia. 

A Celia le atrajo la müsica desde muy temprana edad y se ha reportado que su primer par de zapatos fue un regalo de un turista a quien le había cantado.  Además de pasar muchas noches poniéndoles a dormir a sus hermanos menores con su canto, Celia cantó en producciones escolares y en reuniones de la comunidad.  La tía de Celia la llevaba a los cabarets y a los clubes nocturnos y fue así que se le expuso al mundo de la música profesional.  Con el aliento de un primo, Celia comenzó a ganar concursos de talento locales.  Aunque su padre intentó guiarla hacia una carrera de profesora, Celia siguió siendo atraída por la música de todas maneras.  En una entrevista de 1997, dijo Celia: "He cumplido el deseo de mi padre de que yo sea maestra, ya que a través de mi música, les enseño a generaciones de gente mi cultura y la felicidad que se puede encontrar con simplemente vivir la vida.  Como artista, quiero que la gente sienta el corazón cantar y el espíritu volar". 

En 1947, al inscribirse en el Conservatorio de Música de Cuba, Celia encontró su inspiración más temprana en el canto de la vocalista afrocubana Paulina Alvarez y en 1950 le llegó su primera oportunidad cuando fue invitada a unirse a la orquesta de la Sonora Matancera, y resultó que se quedaría con esta orquesta por 15 años, durante los cuales viajaría por todo el mundo.     

En 1960, cuando Fidel Castro asumió el control de Cuba, Celia y su novio de entonces, Pedro Knight, trompetista de la Sonora Matancera, se negaron a regresar a su patria y los dos se convirtieron en ciudadanos de los Estados Unidos.   Celia se casó con Pedro el 14 de julio de 1962.  A pesar de que inicialmente firmaron un contrato para hacer presentaciones con la orquesta del Hollywood Palladium, la pareja finalmente se radicó en Nueva York.  En 1965, Pedro se convirtió en el gerente de Celia, cargo que mantendría hasta mediados de los 90 cuando optaría dedicar su atención a servirle a Celia como su director musical personal y el director de su orquesta.


También en 1965, al salir de la Sonora Matancera, Celia inició su carrera en solitario con una orquesta formada especialmente para ella por Tito Puente.  A pesar de lanzar ocho álbumes, la colaboración no pudo alcanzar el éxito comercial.  Sin embargo, en 1987, Celia y Tito reanudaron su colaboración con una presentación especial en la ceremonia de los Premios Grammy,

Después, contratada por el sello Vaya, etiqueta hermana de la Fania, Celia grabó con Oscar D'León, Cheo Feliciano, y Héctor Rodríguez a mediados y a finales de los '60, pero el primer gran éxito de Cruz desde que salió de la Sonora Matancera no le llegó hasta el 1974, cuando grabó el disco, Celia & Johnny, con Johnny Pacheco, director y co propietario de la Fania.  Por consecuencia, comenzó a hacer presentaciones con la Fania All Stars. 

En 1992, la popularidad de Celia alcanzó su nivel más alto cuando apareció en la película The Mambo Kings.

En 1998, Celia lanzó Duetos, un álbum que presentó el canto especial de Celia con varios artistas de renombre como Willie Colón, Angela Carrasco, Oscar D'León, José Alberto "El Canario", y la India. 

Celia siguió grabando y haciendo presentaciones hasta que quedó marginada por un tumor cerebral en 2002.  

Mientras se recuperaba de la cirugía para extirpar el tumor, se las arregló para acudir al estudio a principios de 2003 para grabar su último álbum, Regalo de Alma.   La cirugía solo fue un éxito parcial y lamentablemente, falleció el 16 de julio de 2003.  

El fallecimiento de la "Reina de la Salsa" dejó un gran vacío en la música latina, pero también un catálogo impresionante que documenta su reinado.

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ÁNGEL CANALES 'EL DIFERENTE'

10/15/2014

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Stellar Improvisational singer and band leader

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Ángel Canales' love of music was sparked, as a youngster, when he heard the singing of Ismael Rivera with Rafael Cortijo's Combo. A timbale player for a series of bands led by guitarist Luis Torres, he made his singing debut with the Ray Jay Orchestra. Canales recorded for the first time, in 1971, as lead singer of Sabor, a group led by ex-Willie Colón pianist Mark "Markolino" Dimond. The album, initially released as Brujería in 1971, was reissued as Más Sabor under Canales' name in 1977. With Dimond's departure from the band in 1975, Canales assumed leadership of the group.

So, any comprehensive discussion of the salsa legend known as El Diferente, Angel Canales, has to begin with Mark Dimond’s album, Brujería. 

Mark Dimond was multi-talented: a pianist, arranger and composer.  His debut album as a band leader, Brujería, was initially released in 1971 on the Vaya Records label (one of the many subsidiaries of Fania Records). An accomplished pianist, Mark had been a piano player for Willie Colón's orchestra in the late '60s.   He also wrote songs for Willie Colón’s albums, The Hustler and Guisando (Doing A Job).  In 1975, Mark performed an astonishing piano solo on the song, Rompe Saragüey, on Héctor Lavoe's 1975 album, La Voz.  The salsa industry during that time certainly knew of, and very much respected, Mark Dimond!

Just how talented was Mark Dimond?  For the album Brujería, Mark Dimond wrote all the music, lyrics and arrangements.  Wouldn't you say that he was extremely talented!  In every way imaginable, the album was all about Mark Dimond!  The lead singer for Mark’s band was the soon to become legendary sonero, Angel Canales.  Other members of the band were: Ricardo "Richie" Montañez (trombone), John "Fudgy" Torres (trombone), Antonio Tapia (conga), Louie Rivera (bongo), Danny Reyes (trumpet), Eddie "Gua Gua" Rivera (bass), Andy González (bass), Ismael Quintana (chorus) and Justo Betancourt (chorus).  Larry Harlow and Johnny Pacheco partnered as the co-producers and co-recording directors.  Harvey Averne was the executive producer.

In 1975, Mark Dimond walked away from his band. Some say that he had to do this because, as with too many artists, drug problems were affecting his performances and he had begun to show up late or even not at all for some shows and rehearsals.  If Mark had not left on his own, it is widely believed that his musicians would have left him anyway. After Mark’s departure, Angel Canales took over the band and named it Sabor.

Mark only released two more of his own albums, both in 1975: Beethoven's V (highly regarded by critics); with singers Frankie Dante and Chivirico Dávila and a very sad rock / R&B album called The Alexander Review.  Soon after the failure of The Alexander Review, Mark simply vanished from the music scene and only resurfaced briefly in 1988 to perform on Andy and Larry Harlow's 1988 album, Salsa Brothers: The Miami Sessions.  About six months later the sad news that Mark had died of a stroke devastated many of his close friends and fellow musicians.

With the above said, let's return to Ángel Canales.  Canales has been on the cutting edge of Latin music for more than three decades. A native of Puerto Rico who grew up in Brooklyn, NY, from the age of ten, Canales has consistently added an explosive punch to his music.  With his gutsy vocals accompanied by such top Latin musicians as trombonists John Torres and Ricardo Martinez, conga player Antonio Tapia, and bongo player Louie Rivera,  After becoming the leader of Sabor, he released that year what most critics consider to be his finest work; the 1975 album, Sabor (see a full review at the end of this biography).  Including Angel Canales, five of Mark's original musicians would later become integral members of Sabor: Ricardo "Richie" Montañez (trombone), John "Fudgy" Torres (trombone), Antonio Tapia (conga) and Louie Rivera (bongo).   

Canales and his newly acquired band, Sabor con Angel Canales, delivered some of the hardest-edged Latin jazz in New York during the 1970s and '80s.  One reviewer described their music as "heavy metal Latin Bronx style."  

In 1976, Ángel released the album, El San Juan; which also did well commercially for him. 

In 1977, realizing that Angel Canales’ popularity was on the rise and understandably looking to maximize profits, the decision makers of the Fania Records label moved to cash in on the stunning popularity that Angel Canales was enjoying following the success of his last two albums.  So, they re-released Mark Dimond's album, Brujería, under Ángel Canales' name; with a new title: Más Sabor; the perfect title for a follow-up to the great Sabor album!  This album was re-released under the Alegre Records label that Fania Records had acquired two years earlier, in 1975.  The true debut album of Canales, El Sentimento del Latino en Nueva York, was released in 1979.  

As one might imagine, many of the industry's professional critics asserted that the re-release of Más Sabor was disrespectful to both Mark and, to a lesser extent, Angel. Although the re-released album did properly credit Mark as being the composer of all seven songs, it did not include a listing of the personnel, nor did it include any liner notes.

Nevertheless, just as Mark’s career was declining, Angel’s career was ascending with a flurry of successful albums: Sabor (1975), El San Juan (1976), Live at Roseland (1978 ),Sentimiento del Latino en Nueva York (1979), El Diferente (1981), El Diferente – Greatest Hits Live (1982), Different Shades of Thought (1982) and Ya Es Tiempo (It’s Time) (1985).

However, in the mid ‘80s, due to the growing popularity of salsa romántica, Angel’s more grassroots style of salsa began to lose much of its appeal. The very nature of his success; a distinctive sound and stage presence, was now working against him. Hence, his 1985 album,Ya Es Tiempo (It’s Time) did not fare very well commercially.  Also, he was no longer in such demand for live performances.

Truthfully, Canales has had a love-hate relationship with the music industry.  Frustrated by a lack of radio airplay, and struggling against the romántica trend that dominated salsa in the 1980s, he disbanded his group in 1990, and tossed the arrangements of his music into the ocean.  Moving to Miami, he opened a successful diamond-cutting business.  However, not surprisingly, he couldn't keep away from music for very long.  Reuniting with his former timbale player, Victor Pérez, in 1993, he resumed touring two years later.

In 2002, Ángel returned with a live album that did relatively well for him: Angel Canales y su Salsa En Vivo.  Later that same year (2002), the news that Angel was suffering from Parkinson's disease was made known to his fans.  All future albums would be mere compilations. 

The latest credible report is that Angel has lost approximately 80% of his memory due to Alzheimer's disease of which he also suffers. 

So, let’s go back to 1977 and ask why Fania Records re-released Mark Dimond's album, Brujería, under Angel Canales' name and with a new title?  The answer, as I have mentioned above, was the soaring success of Ángel's 1975 album, Sabor. 

In this author’s opinion, Sabor was in fact Angel Canales' finest work!  The following is a review that I wrote a few years ago about that album:


Sabor

Originally Released: 1975
Alegre Records/Fania Records

I absolutely love this entire album! My favorite song on the album has changed from time to time, but began with the song Hace tiempo. I remember that the first time that I listened to that song, I played it several times; at least 10, but probably more! "Damn," I thought, "that song is one bad mother... shut yo' mouth!" The song made such an impression that even as I re-write this review for the third or fourth time, I can hear the chorus of the song echoing in the back of my mind: "Ay, ay, ay, no me hagas padecer así" (don't make me suffer like this). What a tremendous track for the salsa dancer! I could hardly wait to play it in a club to a salsa crowd and when I did so, the dance floor was steaming! The dancers absolutely loved it!

The fact is that the entire CD está que arde! The first track, yet another track for the salsa dancer, Sabor los rumberos nuevos, penned by Ángel Canales and opens with the rákata of Aldemaro Luis Rivera's bongós, is essentially a descarga; in which Ángel introduces the group. From the beginning of this first track, you realize that Ángel Canales is very much a sonero like no other! Although this seems a bit cliché, it is absolutely true. His, is a voice that many inveterate salsa lovers would fall in love with and yearn to hear again and again! With his nasal, yet captivating voice, Angel manages masterfully to extend certain notes of the brass. This is really a fantastic feat that you have to hear to appreciate. There are many, many great soneros, but only a select few warrant the moniker of being truly "unique" or simply "different." Ángel Canales, however, certainly deserves such a moniker!

Perhaps, the most memorable track on this album among los boricuas (Puerto Ricans), is Lejos de ti, also penned by Ángel Canales; in which he croons nostalgic verses and improvisations about his beloved Boriquen (term for the island of Puerto Rico; originally used by its indigenous Taíno Indians). In this guaguancó for the salsa dancer, Ángel conjures up the imagery of the towns Loíza Aldea, El Viejo San Juan and Villa Palmeras, golden-brown cuchifritos on the grill, and a rich bomba and plena heritage. There is no wonder that this is a favorite of many who have experienced the very rich and alluring Puerto Rican culture!

As most people know, at contemporary salsa dance venues, cha-cha-chá is the preferred music for changing the pace and adding variety to the venue. So, dancers and DJs alike will love the fact that track two, Sol de mi vida, also penned by Canales, is a great cha-cha-chá tune. It boasts of a swinging piano solo by José Madrid, a remarkable saxophone solo by Emérito Benítez and also a very nice flute solo by Emérito. I could hardly wait to play this track for a dance crowd. When I did, they absolutely loved it as well!

There are two more exceptional tracks on this CD for the salsa dancer: Perico Macoñá, penned by Ángel Canales and about an out of control reefer smoker, and El cantante y la orquesta. Both these songs never fail to fill the dance floor!

The album Sabor was Ángel's second recording. His first recording was as vocalist with acclaimed pianist, Mark "Markolino" Dimond, on the album Brujería, although Ángel did not share the credit on the album's cover.

Well, to sum it all up, Sabor contains seven tracks that are sure to move the dance floor: Sabor los rumberos nuevos, Lejos de ti, Sol de mi vida, Perico Macoñá, Hace tiempo, and El cantante y la orquesta. So, a remarkable 7 out of 8 tracks are for the dancer!  Dancers and DJs alike simply cannot go wrong with this CD!

It is with the utmost sincerity that I very highly recommend this CD.  Click here to buy it now:  BUY SABOR.

Musicians:

Ángel Canales - band leader, lead singer
Juan Torres - trombone
Ricardo Montañez - trombone
Tom Malone - trompet
Emérito Benítez - baritone saxophone, flute
José Madrid - piano
Eddie Testo - bass
Gadier Quiñones - timbales
Aldemaro Luis Rivera - bongos

Atentamente, 
El Caobo
Locutor y DJ de Salsa Oficial de Fania Records

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BOBBY RODRÍGUEZ Y LA COMPAÑÍA

10/11/2014

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Director de orquesta con sede en la Ciudad de Nueva York, compositor, productor y multiinstrumentista, muy popular en la década de los 70 y 80.

Los que leen mi blog con frecuencia ya sabrán que lo que hago, por lo general, es buscar información sobre los artistas, copiarla y publicarla aquí.  Las más veces, utilizo más de una fuente y hago las publicaciones al llegar el aniversario del nacimiento, del fallecimiento o de algún otro día especial en la trayectoria musical de los artistas.  Sin embargo, a veces me siento obligado a escribir algo con mi propio puño y letra sobre uno de los grandes artistas y esto suele pasar después de oír de nuevo un tema extraordinariamente repleto del saoco innegable que me conmueve sobremanera, lo cual resulta ser el caso presente.  Es más, confieso que a veces también quiero demostrar que tengo madera para escritor.

Ahora el lector atento se preguntará que ¿a qué se debe todo esto?  Bueno, es que acabo de escuchar el tema, Ahora te toca a ti, de Bobby Rodríguez y La Compañía, del álbum grabado en vivo, Salsa at Woodstock, de 1976.  En este tema se encuentra lo que debe de constar en la lista de los cinco mejores solos de saxofón que lleva un tema de salsa y lo más probable es que sea el mejor.  ¡Es fenomenal!  Al final del tema, uno de los asistentes grita con emoción,  ¡Bobby! ¡Bobby!  ¡Bobby!, el nombre del artista, y en ese mismo instante, me di cuenta de que yo estaba atrapado en el ese mismo rapto por el saoco de las moñas del saxofón y hasta por el tema en su conjunto.  Me encontraba tamborileando los dedos sobre la mesa, balanceándome de lado a lado en mi asiento y por poco no resistía las ganas de levantarme a bailar. Cuando el asistente empezó a gritar el nombre de Bobby, ¡yo también quería clamarlo!  Al final del tema, ya sabía en el acto que iba a publicar en mi blog algo sobre Bobby Rodríguez y La Compañía, y aquí me encuentro.  

¿Quién es Bobby Rodríguez?

Este Bobby Rodríguez, el saxofonista, flautista, clarinetista, pianista, cantante, percusionista, arreglista, compositor, y productor, nacido en Spanish Harlem, Nueva York, no se debe confundir con el bajista veterano del mismo nombre.  El Bobby Rodríguez ahora homenajeado por este humilde escritor comenzó como miembro de la banda de su hermano, Ray Rodríguez, a finales de los años 60 hasta los comienzos de los 70.  Bobby fue el director musical, arreglista, compositor y saxofonista tenor para la banda.  El segundo lanzamiento de Ray Rodríguez y su Orquesta, Delusión, contenía el tema excepcional 'Olvídame', co escrito entre Bobby y el vocalista original de la banda, 'El Albino Divino', Nestor Sánchez.  Sánchez salió de la banda para unirse a La Protesta de Tony Pabón, y luego parece haber ido de banda en banda, trabjando con el Conjunto Candela, Larry Harlow, Julio Castro, hasta que por fin, se lanzó como artista en solitario. 

Mientras tanto, en 1974, Bobby organizó su propia banda, liderada por los metales y la flauta, y llamada La Compañía.  Por su saoco y el sonido melífluo de los metales, esta banda logró trabajar constantemente en el circuito de clubes nocturnos de Nueva York antes de su debut con el álbum Lead Me to that Beuatiful Band, en 1975.  Desde un principio, el estilo de La Compañía, aunque firmemente arraigada en la tradición latina, fue fuertemente influenciada por el jazz, el soul y el funk, y su repertorio incluía temas de letra en inglés.  Eddie Iglesias Hernéndez, un "Nuyorican" de segunda generaciön, cantó los temas en inglés y además tocó el trombón, mientras que los temas en español los cantaron Junior Córdova y José Acosta.  Durante esta época, Córdova se consideraba un cantante veterano puesto que antes había trabajado con Nelson Feliciano, con Rafael Cortijo y con Kako Bastar.  Un tema del primer álbum de La Compañía, Número 6, una composición de Rubén Blades que lamenta sobre los retrasos en el metro, fue todo un exitazo.   Blades también compuso el éxito What Happened del álbum grabado en vivo, Salsa at Woodstock. 

En 1977, Rodríguez, Iglesias, Acosta y el timbalero de La Compañía, Charlie Salinas, participaron en el álbum para 17 aniversario de los Alegre All-Stars, dirigidos por el gran pianista, Charlie Palmieri, y producido por Al Santiago.  El homónimo (o tocayo) de Bobby, el bajista veterano ya mencionado, tocó el bajo durante esta sesión. 

En 1978, Bobby Rodríguez y La Compañía pegaron otro éxito con el tema Latin From Manhattan del álbum que lleva el mismo nombre.  A esta nueva versión del tema de los años 1930, grabado originalmente por Al Jolson, Bobby y sus músicos le dieron un toque de salsa y jazz, con el clarinete de Bobby sirviéndole de punto culminante.    

En 1984, Eddie Iglesias Hérnandez salió de La Compañía y se llevó a Acosta y Salinas para formar la banda Los Amigos and the Bad Street Boys.  Mientras tanto, después de un intervalo de tres años, Rodríguez cambió el nombre de su banda a La Nueva Compañía y regresó con el álbum apropiadamente titulado, Mi Regreso, con Orlando Castillo 'Watusi' llevando la voz cantante.  Mi Regreso contenía una nueva versión del tema Olvidame y una buena versión del tema clásico Maria Cristina, compuesta por Ñico Saquito. 

En 1987, Córdova, Iglesias y Salinas se reunieron con Bobby y La Nueva Compañía para el álbum, Juntos Otra Vez.  


Perdimos a Bobby Rodríguez el 13 de marzo del año 2003.  Falleció por complicaciones relacionadas con cáncer de estómago. 

Atentamente, 
El Caobo
Locutor y DJ de Salsa Oficial de Fania Records

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FRANCISCO AGUABELLA

10/10/2014

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Baterista / percusionista quien en 1957 emirgró a la Ciudad de Nueva York desde Matanzas, Cuba, donde la música africana era una tradición.  (Drummer / percussionist, Francisco Aguabella, (1935 - 2010), who in 1957 emigrated to New York City from his native Matanzas, Cuba, where African music was a tradition.)

RADIO SALSA CLÁSICA | EL TORNADO TROPICAL CON EL CAOBO | MAY 8, 2014 | TRIBUTO A FRANCISCO AGUABELLA by El Caobo / The Duke Of Earl on Mixcloud


Español:

El 10 de octubre del año 1935, nació Francisco Aguabella (1935 - 2010); baterista / percusionista quien en 1957 emirgró a la Ciudad de Nueva York desde Matanzas, Cuba, donde la música africana era una tradición.  Siguió a una lista muy larga de percusionistas cubanos que hicieron su marca en EE. UU.: Chano Pozo, Patato Valdez, Cándido y Mongo Santamaría.  La música que ha dejado Aguabella fusiona los ritmos africanos tradicionales y los ritmos latinos con el jazz / soul para crear un sonido electrizante. 

A Aguabella su habilidad en el batá, los tambores habladores de Yoruba, le hizo un percusionista cotizado.  Su fama comenzó al trabajar con Dizzy Gillespie, y después con Peggy Lee, Tito Puente, Eddie Palmieri, Weather Report, Cal Tjader, Frank Sinatra, Louie Bellson, Walfredo de los Reyes, Nancy Wilson, Lalo Schifrin, Machito, y Carlos Santana.  Fue integrante original del grupo Malo, que incluía a Jorge Santana.  Malo lanzó tres álbumes y viajó por todos los Estados antes de su disolución. 

Aguabella hasta participó en bandas sonoras de películas y de televisión.  El productor, Les Blank, hizo una crónica de la carrera de Aguabella en el documental Sworn to the Drum.  Aguabella también fue premiado con un National Heritage Award por el National Endowment of the Arts, y se desempeñó como profesor visitante de UCLA en el Departamento de Etnomusicología, donde enseñó un curso básico y un curso avanzado sobre la música afrocubana.  

Francisco Aguabella falleció en Los Ángeles, California, el 7 de mayo del año 2010 a los 84 años después de luchar contra el cáncer.

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English:

On October, 10, 1935, was born drummer / percussionist, Francisco Aguabella, (1935 - 2010), who in 1957 emigrated to New York City from his native Matanzas, Cuba, where African music was a tradition.  He followed a long line of Cuban drummers who made their mark in America: Chano Pozo, Patato Valdez, Candido, and Mongo Santamaria. Aguabella's music fuses traditional African and Latin rhythms with smooth jazz/soul for an electrifying sound.

His proficiency on the bata (talking drums of Yoruba origin) made him a wanted man. He first worked with Dizzy Gillespie, then Peggy Lee, Tito Puente, Eddie Palmieri, Weather Report, Cal Tjader, Frank Sinatra, Louie Bellson, Walfredo de los Reyes, Nancy Wilson, Lalo Schifrin, Machito, and Carlos Santana. He was an original member of Malo, which included Jorge Santana; Malo had three LP releases and crisscrossed the States before disbanding.

Aguabella participated in movie soundtracks and television scores. Producer Les Blank chronicled Aguabella's career in the documentary Sworn to the Drum. He also received a National Heritage Award from the National Endowment of the Arts, and served as a visiting professor in U.C.L.A.'s Department of Ethnomusicology, where he taught a basic and an advanced course in Afro-Cuban music. 

Francisco Aguabella died in Los Angeles on May 7, 2010; he had been battling cancer, and was 84 years old.

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marvin santiago

10/6/2014

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El 6 de octubre del año 2004, muere Marvin Santiago "El Grifo De Canales", "Sonero Del Pueblo" (1947 - 2004), a los 57 años en Puerto Rico.  Sonero de Cortijo y su Combo, Orquesta de Bobby Valentín, La Primerísima de Puerto Rico y su propia orquesta.   

Esta leyenda de la salsa, Marvin Santiago, nació el 26 de diciembre de 1947, en San Juan, Puerto Rico en una familia musicalmente activa.  Su hermano, Billivan Santiago, llegó a ser un exitoso vocalista de plena, y fue preparado desde un principio para ser cantante de boleros.  Por preferir el estilo de salsa que le resultó rítmicamente emocionante, Marvin se afanaba a cantar con las orquestas de baile populares de la época, y por fin logró cantar con uno de los directores de orquesta más famosos de Puerto Rico, Rafael Cortijo.  En 1971, Marvin se juntó con artista en ciernes, Bobby Valentín, para formar un dúo que se convertiría rápidamente en una sensación nacional.  El debut del dúo, Rompecabezas, fue seguido por un álbum que llegaría a ser un clásico de la salsa, Soy Boricua.  El tema que lleva el mismo nombre del álbum, Soy boricua, llegaría a ser un himno del orgullo puertorriqueño durante una década en que muchos boricuas se trasladaban a los Estados Unidos, en busca de mejores alternativas a las dificultades económicas de la Isla.

La popularidad de Valentín y Santiago creció enormemente y pronto fueron honrados con una invitación para unirse a la Fania All-Stars, juntos con grandes artistas como Celia Cruz, Rubén Blades, y Andy Montañez, por nombrar algunos.   En 1977, al igual que muchos veteranos de Fania All-Stars, Santiago se lanzó como solista.  Debido a su repertorio como solista se ganó una reputación como un improvisador maestral.  Su uso de la jerga puertorriqueña común causó que se apodara "El Sonero del Pueblo."   La letra de sus temas dibujaban un retrato del lado áspero de la vida urbana latina, incluyendo numerosas referencias al sexo y a las drogas.  La trayectoria ascendente de Santiago se vio interrumpida por una condena por posesión de cocaína, lo cual causó una encarcelación de cinco años en Puerto Rico.  Durante sus años como reo, abrazó el cristianismo, e incluso grabó un álbum durante su pena, titulado Desde Adentro.

Después de su liberación, Santiago se aproximó a un repertorio de "salsa romántica", junto a artistas como Montañez y Gilberto Santa Rosa, y esto lo mantuvo ocupado, si no popular, en los años 80 y 90.   Marvin Santiago se mantuvo activo (incluso trabajando en un homenaje a Celia Cruz con antiguos compañeros del sello Fania) hasta su muerte en 2004,   Falleció el 6 de octubre de 2004, debido a complicaciones relacionadas con la diabetes, una condición de la que había sufrido desde su infancia.

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CHIVIRICO DÁVILA

10/5/2014

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El 5 de octubre del año 1994, muere Rafael Francisco Dávila, "Chivirico" (1024 - 1994) en Nueva York a los 73 años: tremendo sonero boricua que cantó con músicos de renombre en la historia de la salsa como Joe Cotto, Mon Rivera, Kako Bastar (1962), Ray Barretto (1967), Willie Rodríguez (1967), Randy Carlos, Sexteto La Playa, Rafael Cortijo,  Richie Ray, Joey Pastrana, Orlando Marín, Louie Ramírez, Joe Cuba, Monguito Santamaría, Joe Quijano, Alegre All Stars, La Puerto Rico All Stars (con Kako, 1963), Johnny Pacheco, Tito Puente, entre otros.   

Chivirico nació en Villa Palmeras (Distrito de Santurce), el 2 de agosto del año 1924.  Está reconocido como uno de los mejores intérpretes de música latina y en especial del bolero, la guaracha y el son cubano.  Comenzó su carrera profesional a finales de la década de 1940 como vocalista de la orquesta de Carlos Molina, con la que se dio a conocer en el ámbito antillano.  En 1950 cantó por primera vez como solista en una serie de conciertos en Uruguay.  Posteriormente recaló en Nueva York donde cantó con la formación de Johnny Seguí y Los Dundies, y tras un par de años de intensas giras por toda Sudamérica y unos países de Europa, como España, Italia, Grecia o Francia, en 1958 regresó a la metrópoli neoyorquina para consolidar su posición como una de las más destacadas voces en el panorama de la música de raíces latinas.

En los años sesenta grabó discos para la firma discográfica Alegre, que durante esta época reunió a los músicos puertorriqueños más destacados, y actuó con las orquestas latinas más prestigiosas de su época.  Pese a su indudable talento artístico, Chivirico no tuvo demasiado éxito comercial hasta los años setenta, época en la que sus discos de boleros lanzados por el sello Cotique alcanzaron ventas millonarias.  Entre los temas más recordados con la voz de Chivirico Dávila, destacaron Para mi gente, Cuando tú quieras, Mírame, Perfidia, Ahora no me conoces, Margarita y Cómo fue.

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ISMAEL RIVERA

10/5/2014

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Ismael Rivera fue bendecido con una voz gloriosamente ronca y fue apodado "El Sonero Mayor".

El 5 de octubre del año 1931, nace Ismael Rivera "Maelo", "Sonero Mayor", El Brujo De Borinque" (1931 - 1987), en San Mateo de Cangrejos, Santurce, Puerto Rico.  Sonero de Cortijo y su Combo, Kako y su Trabuco y su propia orquesta, Los Cachimbos.

Todo comenzó en la misma calle donde nació y se crió Maelo: Calle Calma.  Allí fue inculcado con los sonidos y ritmos de Puerto Rico: la bomba y la plena.  A temprana edad, fue expuesto a las influencias que lo pusieron en su destino musical.  En primer lugar, su madre, Margarita, le dio un amor por el canto.  Y a continuación, su amigo de la infancia, Rafael Cortijo le proporcionó el impulso y afán, así como un plataforma musical más estructurado para que pudiera dar rienda suelta a su único estilo vocal.   La relación entre los dos llevaría el sonido de la Calle Calma, y luego, la de Puerto Rico, para todo el mundo, inmortalizando sus nombres y su música en la evolución de la música latina y de la salsa.

En 1954, Ismael Rivera y Cortijo grabaron su primer éxito, "El Bombón de Elena". Con Rivera como cantante, Cortijo y su Combo conquistó de forma arrolladora a todo el Caribe.   A comienzos de la próxima década, viajaron a Nueva York por primera vez y no tardó mucho hasta que Cortijo y Rivera solidificaran su posición en la creciente escena musical latina de Manhattan.   Su popularidad se debió en gran medida a su sonido rítmico y la capacidad de la banda para tocar muy buena música y a la vez entretener al público con sus rutinas de baile coreografiadas.  Sin embargo, el elemento único que separó a Cortijo y su Combo de todas las otras bandas de canto y de baile latino era la voz de Rivera.  Un ingrediente clave para la bomba y la plena de Puerto Rico es la voz, y la voz de Maelo es el aspecto más definitorio de la música de la banda.  Con una voz retumbante, precisamente rítmica, pero igualmente espontánea, Ismael Rivera era un maestro del son cubano.

Obtuvo el título de "El Sonero Mayor" de nada menos que del legendario cantante cubano, Beny Moré.  El título no sólo hizo hincapié en el gran talento de Maelo, pero también demostró cómo la música latina en esa época empezaba a mezclar todas las tradiciones musicales distintivas de las Américas en un solo sonido: que llegaría a llamarse salsa.  Ismael Rivera encarnaba una mezcla de la bomba y la plena tradicionales puertorriqueñas con el estilo de canto son cubano.   Sin embargo, después de su exitoso viaje a los EE.UU., Cortijo perdió a su "voz" cuando en 1962 Rivera comenzó una pena de prisión de cinco años por cargos de narcotráfico.  Después, Maelo cantó sobre su experiencia en un tema titulado "Las Tumbas", el nombre que le dio la prisión de Kentucky que tenía varios pisos bajo tierra.

Después de servir cuatro años en prisión, Rivera estaba ansioso por volver a cantar con Cortijo, pero los clubes no reservaron fechas para el músico latino cuyo pasado no podían perdonar.  Cortijo y Rivera se encontraron en una escena musical latina cambiada que les obligaría a ir por caminos separados.  Sin embargo, "El Sonero Mayor", iría a grabar unos de sus mejores trabajos con su propia banda, la Cachimbos, mejor que nunca mostrando su talento inigualable.  En la década de los 1970, fue considerado como una leyenda de la época, y ayudó a comenzar a una serie de músicos jóvenes en la escena de la salsa de Nueva York, incluyendo a Ismael Miranda y a Rubén Blades.

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RAFAEL CORTIJO

10/3/2014

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El 3 de octubre del año 1982, muere Rafael Cortijo (1928 - 1982)  a los 54 años, a causa de un cáncer en el páncreas y el hígado, tras una operación realizada dos meses antes.  Timbalero, director musical de Cortijo y su Combo y sempiterno compadre y descubridor de Ismael Rivera,  

Rafael Cortijo Verdejo nació el 11 de diciembre de 1928 en la Calle Colón de la parada 21 abajo, en Santurce, Puerto Rico. Desde niño mostró habilidades especiales para la música y ya, a los nueve años, tocaba un bongó hecho de lata de leche Klim que le fabricó su primo.  Así fue aprendiendo con otros compañeros músicos en talleres improvisados y en rumbas callejeras, sin realizar nunca estudios de música formales.

Un día su padre le regaló una guitarra que nunca habría de tocar, pues lo que le interesaba era la percusión.

Su familia lo castigaba porque no quería hacer otra cosa que tocar su "bongó" en los bailes y fiestas del vecindario cangrejero.

Casi siempre lo espantaban de los toques de bomba y plena, pero él regresaba y se colaba con sus tamborcitos de latas de manteca vacías, hasta que a la larga le enseñaron algunos trucos.

Una tarde, tocando con Miguelito Valdés "Mr. Babalú", éste le dijo que su estilo con la tumbadora era único y eso lo envalentonó. Continuó dándole duro a los cueros y pronto llegó a acompañar al Trío Matamoros en la vieja emisora WNEL.

De joven transitó por varias agrupaciones musicales, entre éstas el Conjunto de las Hermanas Sustache, el Grupo de Monchito Muley, la Orquesta de Parques y Recreos, la Sonora Boricua, Miguelito Miranda, Frank Madera y el Grupo de Mario Román.

Formalmente incursionó en la música en 1942 como bongocero del Conjunto Monterrey, de Juan Palm (Mentokín). Posteriormente ingresó a la Sonora Boricua, pero debió abandonarla para cumplir con el ejército norteamericano, dejándole el espacio suplente a un amigo, el cantante Daniel Santos.

Su gran oportunidad surgió en 1954 mientras se desempeñaba como conguero en el combo del pianista Mario Román, en el sector de la Marina en San Juan. Román tuvo que ausentarse de la Isla y le cedió el combo y el contrato a Cortijo, quien reemplazó al pianista con Rafael Ithier y consiguió el cantante oficial de la Orquesta Panamericana, Ismael Rivera, para una serie de grabaciones con el sello Seeco.

En aquellos días Ismael ya había pegado el éxito "El charlatán" con la Panamericana. Así que al grabar "El bombón de Elena" con Cortijo y su Combo el éxito fue inevitable. Su particular estilo de cantar - típicamente cangrejero - se acopló de inmediato al ritmo de la agrupación de su compadre Cortijo. Y juntos alcanzaron la gloria internacional interpretando, cantando y bailando bomba y plena en la más auténtica de sus versiones.

Entre los años 50 y 60 popularizaron grandes éxitos, entre ellos "Quítate de la vía, Perico", "Maquinolandera", "El negrito bembón", "En un solo pie", "Tuntuneco", "Con la punta del pie", "Yo no quiero piedras en mi camino", "Saoco" y otros legendarios temas.

La primera versión de Cortijo y su Combo se estableció en 1954 y duró hasta 1962, cuando, en medios de una crisis interna, varios de sus exponentes siguieron a Rafael Ithier para formar parte de un nuevo experimento musical que llegó a llamarse El Gran Combo.

En televisión tuvieron su espacio en "La Taberna India", "Jueves de Boby Capó" y su show diario por Radio El Mundo. Alternaron con las orquestas y músicos más solicitados en los salones de baile de la época, en carnavales y plazas, entre éstos Vicentico Valdés, Joe Valle, Xiomara Alfaro, Panchito Riset, El Trío Vegabajeño, así como con Machito y sus Afro Cubans en el prestigioso Palladium Ball Room de Nueva York.

Con Benny Moré tocaban en dos y tres espectáculos diarios. Muchos músicos internacionales procuraban grabar con su orquesta, entre éstos, Rolando Laserie y Nelson Pinedo.

La salsa, que llega hoy a los más sofisticados salones internacionales interpretada por reputadas orquestas, tuvo su precursor en Cortijo, artista de grandes presentaciones en Centro y Sur América, y en importantes centros de Estados Unidos.

Recibió un sinnúmero de distinciones, entre éstas un Guaycaipuro de oro en Caracas, Venezuela, como orquesta extranjera más popular en ese país. Se le considera el creador del nuevo concepto de combo, con dos trompetas y dos saxofones.

Una de sus mayores aportaciones al folklore musical puertorriqueño fue "ponerle frac a la bomba y plena", al decir de Ernesto Vigoreaux, presidente de la Asociación de Compositores. Con él y su "bonche" los ritmos afroantillanos alcanzaron resonancia internacional y llegaron al sitial que merecían.

En sus cerca de 40 discos Cortijo y su Combo popularizaron varias composiciones del maestro Don Rafael Cepeda, entre éstas "El bombón de Elena", que fue un hit en Francia y España, "Juan José", "Cuembe, na' más", "María Teresa" y otras. Como vocalista popularizó el número de Tite Curet Alonso "Sorongo" en 1970. Su retrato figura en el Salón de la Fama de París, de donde eran sus abuelos.

Durante sus 25 años de carrera musical ayudó a formar una cantera de músicos y artistas alrededor suyo. Cortijo marcó una nueva era de progreso para músicos y ritmos tratados con indiferencia, peyorativamente denominados 'menores' o 'conjuntos', particularmente en Estados Unidos. El apelativo de 'combo' era en sí un apócope de la palabra 'combination' y los músicos norteamericanos de jazz lo usaban para describir a los grupos pequeños. Cortijo aceptó el reto y así le llamó al conjunto de bomba y plena que los transportaría a la fama internacional.

Su combo le brindó mejores condiciones a instrumentalistas y cantantes que antes apenas si ganaban diez o doce dólares por baile. Cortijo y su Combo participaron en varias películas, entre éstas "Calypso" de Rossi y con Harry Belafonte de protagonista; en la producción italiana "Mujeres en la noche"; y en "Maruja", protagonizada por Marta Romero.

Su última presentación ante las cámaras de televisión fue el 1ero. de agosto de 1982 a través de Teleluz.

Cortijo falleció el domingo 3 de octubre de 1982 a causa de un cáncer en el páncreas y el hígado, tras una operación realizada dos meses antes. Sus restos fueron expuestos en la sede del Instituto de Cultura Puertorriqueña y posteriormente en el Centro Comunal del Residencial Luis Lloréns Torres, en Santurce, donde se le rindió un homenaje de pueblo al ritmo de bomba y plena; acontecimiento cultural que hábilmente recreó el escritor boricua Edgardo Rodríguez Juliá en su memorable crónica "El entierro de Cortijo", y que también fue filmdo por la Cinemateca Nacional de Venezuela.

En una procesión multitudinaria, su cuerpo fue sepultado en el camposanto El Seboruco de Villa Palmeras, en Santurce, donde también descansa su compadre Ismael Rivera y Pellín Rodríguez.

Murió sin poder asistir al Festival de Bomba y Plena que se le dedicó póstumamente unos días después.

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VITÍN AVILÉS

9/30/2014

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El 30 de septiembre del año 1924, nace Víctor Manuel Avilés Rojas “Vitin Avilés” (1924 - 2004) en Mayagüez, Puerto Rico.  Destacado sonero de bandas como la “Orquesta de Noro Morales”, “Orquesta La Duboney” de Charlie Palmieri, también estuvo con “La Orquesta de Xavier Cugat”.

La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana , colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista . Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat !” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue.

Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional.

Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como « Mojiquita », remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica .

En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey , dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona , del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944.

En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm ) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos.

En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys , Machito & His Afrocubans , las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera , Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat.

Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York . Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor , así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri . Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero ) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado.

A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain , le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino . A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm . Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi -hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés.

Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York , Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “ Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” ( Velvet , GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo , éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos.

Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr . (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco . Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar.

El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero. de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York.

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HÉCTOR LAVOE

9/30/2014

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Una luz líder de movimiento de la salsa de Nueva York, Héctor Lavoe fue un icono del orgullo boricua.

El 30 de septiembre del año 1946, nace Héctor Juan Pérez Martínez “Héctor Lavoe”, “El Cantante de los Cantantes” (1946 - 1993) en Barrio San Antonio de Ponce, Puerto Rico el 30 Septiembre del año 1946). Emblemático sonero de “La Orquesta de Willy Colon”, “La Fania All Stars” y su propia orquesta. Leyenda e icono de la salsa mundial y auténtica referencia del bravo soneo y la irreverencia salsera.


¡Héctor Lavoe nació para cantar!  Mientras evolucionaba la música latina del boogaloo de finales de los años 60 hasta el ápice de la salsa de los años 70, Lavoe estaba en su vanguardia y "El Cantante" de muchas de sus canciones más representativas.   Recibió la influencia de los cantantes latinos que escuchaba en la radio, tales como Daniel Santos y Chuito el de Bayamón, sólo por nombrar un par.   A medida que llegaba a ser más metido en la música, sacó su inspiración del gran sonero de Puerto Rico, Ismael Rivera, y así como de Cheo Feliciano.  Estas influencias son evidentes en la forma de cantar de Lavoe, ya que atacaba el son y el montuno igual que los maestros Ismael Rivera y Beny Moré, por ejemplo, pero fue su talento natural para la improvisación que lo hizo único y muy popular entre los fanáticos de la salsa.



A los 17 años de edad, Lavoe decidió dejar la escuela de música en Ponce y puso su mirada en una carrera como cantante en la ciudad de Nueva York.   Para el 1966, se encontró al frente de orquesta de Willie Colón.  Juntos, Lavoe y Colón formaron una sociedad que pasaría a abarcar 14 álbumes, casi todos los cuales son gemas en el mundo de la música latina.   En 1973, Colón dejó a Lavoe a cargo de su orquesta, de esta manera empujando a Lavoe hacia una carrera en solitario.   Sin Colón, los esfuerzos individuales de Lavoe sólo volvieron a confirmar su habilidad para el canto y su ascenso inevitable al estrellato.   Las presiones de ser una gran estrella de la salsa eran aparentemente demasiado para Lavoe.   Tuvo muchas dificultades tratando de bregar con lo que acompañaba sus éxitos y sufrió muchos percances y una serie de reveses personales a lo largo de su trayectoria musical.    Sin embargo, los fanáticos de Lavoe nunca se volvieron en su contra y Lavoe siempre volvió a cantar  En 1987, su álbum final, Strikes Back, fue nominado para un Grammy.



Con todos los excesos, la fama, la fortuna y la tragedia, la vida de Lavoe ha pasado a simbolizar la era de la salsa de los años 70. Junto con Colón, Lavoe ayudó a dar forma al sonido de la salsa de los años 70.  Como artista en solitario, en gran medida definió este sonido.  Como uno de los cantantes principales de la Fania All-Stars, Lavoe fue una estrella entre las estrellas.  Es decir, fue  "El Cantante de los Cantantes".



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